Vendredi 13 novembre 2009
Rossini-Bellini-Donizetti conquièrent l’Italie puis Paris

1778    Inauguration de la Scala de Milan en présence de l'archiduc Ferdinand d'Autriche. Ce nouveau théâtre est une commande de Marie-Thérèse d'Autriche destinée à remplacer l'ancien théâtre ducal détruit dans un incendie.

1792    Inauguration de la Fenice de Venise, trois ans après la destruction (également par le feu) du théâtre San Benedetto.

1796    Napoléon vainc les Autrichiens et les Sardes à Cherasco. L’année d’après, la République cisalpine est créée, avec Milan comme capitale.

1800    La victoire de Marengo permet à Napoléon de signer la paix de Luneville avec les Autrichiens.

1805    Napoléon se nomme Roi d’Italie.

1807    Âgé de 15 ans, Gioacchino Rossini entend à Bologne le grand castrat Giovanni Battista Veluti (le passé), et l’étoile montante de l’Opéra en Italie, Isabella Colbran (soprano colorature qui annonce l’avenir).

Au début du XIXième siècle, l’Opéra est très populaire en Italie, mais le public préfère des nouveautés aux reprises, et en langue italienne.

Dans la plupart des villes, les théâtres sont aux mains d’imprésarios, des aristocrates qui cherchent à faire fructifier leurs capitaux.

1810    Rossini crée au Teatro San Moisé de Venise « La cambiale di matrimonio », écrit en quelques jours.

1811    Première création en Italie du Don Giovanni de Mozart.

1812     Début à la Scala de Milan de Rossini avec « La Pietra del Paragone ».
Suivent « L’Italienne à Alger » à Venise (1813), « Elisabetta Regina d’Inghilterra à Naples (1815), « Le Barbier de Séville » à Rome (1816).

1815    Avec la Restauration, l’Italie est partagée entre l’Empire Austro-Hongrois, la Sardaigne, la Maison de Savoie, le Pape, les Bourbon.

1820    Sous l’influence des idées révolutionnaires françaises, les Carbonaristes se soulèvent à Naples. L’intervention autrichienne annule la nouvelle constitution calquée sur celle de 1791 en France.

1823   Rossini part pour Londres puis Paris où il va y faire fortune. Il y devient Inspecteur général du chant pour les théâtres royaux. Mis à part « Le voyage à Reims », tous ses opéras seront créés en français.

1827    Premier succès de Bellini à la Scala de Milan avec « Il Pirata ».

1830    Premier succès de Donizetti au Teatro Carcano de Milan avec « Anna Bolena » suivi l’année d’après par « La Somnambule » de Bellini. Fin 1831, ce dernier compose également "Norma" pour la Scala de Milan.

1831    Fondation du mouvement « Jeune Italie » par Giuseppe Mazzini, avec pour base l'unification des différents royaumes d’Italie.

1833    Bellini s’installe à Paris et y meurt en 1835.

1835    Triomphe de « Lucia di Lammermoor »  à Naples. La voix humaine est la passion de Donizetti, alors que l’orchestre ne joue qu’un rôle secondaire.

Entre 1825 et 1845, c’est à Paris que l’on peut entendre des représentations extraordinaires faites pour les grands chanteurs du Bel Canto italien (Malibran, La Pasta, Grisi).

Verdi et le Risorgimento

1839    Début à la Scala de Milan de Verdi avec « Oberto ».

1842    Succès considérable de « Nabucco » à la Scala. Les sympathies nationalistes de Verdi vont être de plus en plus transparentes dans ses opéras (Giovanna d’Arco, Attila, La Battaglia di Legnano). Il croit à l’Opéra comme drame.

1848
    Soulèvement des Milanais. Les représailles des Autrichiens ne se font pas attendre, mais la France intervient en 1849 et prend Rome pour ne pas laisser l’Italie aux Habsbourg.

1852
    Louis-Napoléon Bonaparte nomme Verdi Chevalier de la Légion d’Honneur.

1853
    « La Traviata » à la Fenice de Venise montre la fascination du compositeur pour les personnages torturés et confrontés à un dilemme moral.

1858
    Attentat manqué contre Napoléon III devant l’Opéra de la rue Le Pelletier à Paris, pour venger l’intervention de 1849. L’Alliance entre la France et le Piémont Sardaigne (dirigé par Cavour) pour aider à unifier l’Italie se forme.

1859
    Avec « Le Bal Masqué » , Verdi se lance dans le Grand Opéra. Suivent La Forza del Destino, Don Carlos, Aïda. Les idéaux s’insèrent dans le tissu de l’opéra de façon plus dramatique.
La guerre contre l’Autriche est déclenchée. L’insurrection des États se poursuit, et Verdi est élu pour représenter Busseto à l’assemblée des provinces de l’état de Parme.

1861
    Garibaldi débarque en Sicile et mate les forces des Bourbons. Victor Emmanuel II est proclamé Roi par le parlement italien.

1887 
   La première d’ « Otello »  à la Scala de Milan sera une des plus grandes soirées de l’Histoire de l’Opéra, avant que « Falstaff » (1893) ne constitue l’aboutissement final de l’intégration du drame à la musique.

L’Émergence du vérisme et l’aboutissement d’un art théâtral

La rivalité commerciale entre les deux grands éditeurs de Milan, Ricordi (Verdi, Puccini) et Lucca (Wagner) va être perturbée par un nouveau compétiteur : Sonzogno.
Sous l’impulsion du critique Galli, le journal Il Secolo - organe le plus connu de l’empire de l’éditeur - lance un concours national pour la composition d’un opéra en un acte.

1880    Ouverture du Théâtre de l'Opéra de Rome, le Teatro Costanzi.

1884
    Bien qu'écarté du concours organisé par Sonzogno, « Le Villi » de Puccini est créé au Teatro Dal Verme de Milan. Ricordi, qui assiste à cette représentation privée, commande un autre opéra : « Edgar ». Ce sera un échec en 1889.

1888  
  Sonzogno devient le directeur du Teatro Costanzi. Il organise un nouveau concours, que Mascagni remporte avec Cavalleria Rusticana. L’Opéra est créé à Rome en 1890. Il correspond le plus à la définition du vérisme.

1892 
   Sur les conseils de Puccini, le Napolitain Leoncavallo compose un opéra en un acte.
« I Pagliacci » est inspiré d’une histoire vraie de crime passionnel en Calabre. Il remporte un grand succès à Milan. Sonzogno réunit alors les deux opéras « Cav et Pag » dès l’année suivante.

1892
    Passé chez Ricordi, Alfredo Catalani compose « La Wally » et réussit son entrée à la Scala de Milan. Toscanini en donne à sa fille ce prénom.

1893
    Ricordi refuse cependant que Turin monte « La Wally » afin que toute l’énergie soit concentrée sur la création de la « Manon Lescaut » de Puccini. Premier grand succès du compositeur.
La même année, Puccini et Leoncavallo travaillent sur l’adaptation d’un même livret : « Scène de la vie de Bohème » d’Henri Murger.

1896    « La Bohème » de Puccini est créée à Turin, sous la direction de Toscanini, et l‘année suivante « La Bohème » de Leoncavallo est créée à Venise.

1896 
   Giordano, concurrent de Mascagni lors du concours de 1888, fait un triomphe avec « André Chénier ».

1902
    Cilea crée « Adrienne Lecouvreur » (actrice de la comédie française en 1730) au Teatro Lirico de Milan.

1904   
Quatre ans après l’échec de Tosca à Rome (1900), transformé en succès populaire plus tard, Madame Butterfly subit le même sort lors de la première à la Scala de Milan. Puccini remanie l’opéra et obtient cette fois un triomphe à Brescia.

1915    L’Italie (bien que membre de la Triple-Alliance) entre en guerre au côté des alliés.

1918  
  Guerre oblige, Il Trittico (ensemble de 3 opéras en un acte) est créé à New York, puis Puccini laisse inachevé Turandot en 1924, final qui sera complété par Franco Alfano, puis par Luciano Berio en 2001.
Mais en fin de compte, personne ne peut marcher dans les pas de géant de Verdi, et les membres de la « giovane scuola » prennent grand soin de le reconnaître.

1919 
   L’Italie vit très mal le Traité de Versailles qui ne lui permet pas de récupérer les provinces de Dalmatie, du Trentin et d’Istrie, malgré son fort engagement dans la guerre.

1922 
   Mussolini devient premier ministre du royaume d’Italie.

1940    L’Italie est l’alliée de l’Allemagne dans la seconde guerre mondiale

1946
    Après la défaite, la monarchie est remplacée par une république.
La prospérité retrouvée, l’Europe d’Après Guerre voit se multiplier pléthore de maisons d’Opéra soutenues par des subventions officielles et par le mécénat.
La majorité des compositions vont faire de l’Opéra une branche du théâtre, et non plus une pièce de concert.
L’Italie connaît une seconde renaissance musicale.

1946    Création des « Cours d’été de musique moderne de Darmstadt » que fréquentent notamment Luigi Nono et Luciano Berio.

1948
    Luigi Dallapiccola crée Il Prigioniero, des souffrances humaines face aux atrocités de la guerre.

1961
    Luigi Nono compose pour Venise Intolleranza, série de scènes montrant différents aspects de l’intolérance.

1982
    Luciano Berio transpose au XXième siècle Il Trovatore, qui devient la Vera Storia, et en 1984 Il Re in Ascolto reçoit sa première à Salzbourg.
 
Par David - Publié dans : Histoire de l'Opéra
Ecrire un commentaire - Voir les commentaires - Recommander
Mercredi 11 novembre 2009
Apollonia au Théâtre National de Chaillot
Représentation du 08 novembre 2009
Durée 4h30 (avec un entracte)


Mise en scène Krzysztof Warlikowski

Dramaturgie Piotr Gruszczynski
Décor et costumes Malgorzata Szczesniak

Héraclès Andrzej Chyra
Alceste/Apolonia Magdalena Cielecka
Elisabeth Costello Maja Ostaszewska
Ryfka Goldfinger Ewa Dalkowska
Agamemmon/Oreste/Amal Maciej Stuhr
Clytemnestre/La tante Malgorzata Hajewska-Krzysztofik
Iphigénie Magdalena Poplawska
Apollon Adam Nawojczyk
Le petit fils Tomask Tyndyk
Musique et voix Renate Jett

                                                   Magdalena Cielecka (Alceste)

Une mère, Apolonia Machczynska, cache vingt cinq enfants pour les épargner de la barbarie nazie. Dénoncée, puis réfugiée chez son père, elle est exécutée après avoir pu sauver une enfant juive.

A partir de ce drame là, Krzysztof Warlikowski explore une diversité de voies qui nous amène vers des réflexions dont on ne comprend pas toujours l’émergence.
L’analyse n’est pas immédiate, le temps fait son travail après le spectacle, surtout que le metteur en scène se passionne pour les motivations sexuelles, la force et la violence érigées comme part de l’identité masculine au delà de son imbécillité, le patriotisme, l’hérédité et la relation aux parents, le refus de conscience de chacun, pour confronter à la nouvelle d’Hanna Krall, le mythe du sacrifice.

Il aboutit ainsi à une scène profondément marquante, Alceste y apparaît comme une femme souffrant de n’avoir un homme intelligent capable de lui apporter la chaleur dont elle a besoin, et présente cela avec beaucoup d’ironie - l’histoire étrange et merveilleuse d’une relation amoureuse entre un dauphin et un homme - lors d’un repas en présence de convives insipides. A plusieurs reprises elle se lève, puis revient, entretenant ainsi de bien mystérieux moments de silence.

La situation dégénère en séance d’incisions du corps au milieu d’une cage de verre, cette belle femme se meurt en se tordant de douleur sur les paroles du Mépris de Godard Et mes pieds, tu les aimes, mes pieds ? Et mes jambes ? Et mes fesses ? Et mes seins ?.
Pourquoi se sacrifier pour un type pareil?


Renate Jett


Il y a également ces magnifiques visages de femmes, très bien mis en valeur par la vidéo, sur lesquels se lisent des vies dures et la résistance au temps.

A cette langue polonaise si directe, se mélangent la musique de Chopin, des balades et du rock, et ceux qui ont assisté à Iphigénie en Tauride et Parsifal à l’Opéra National de Paris découvrent que Renate Jett, interprète des Rôles muets d’Iphigénie et de Dave Bowman dans ces productions, est une chanteuse attachante.

Après le long discours d’Elisabeth Costello, assimilant extermination des juifs et abattage d’animaux, fort par son interprétation plus que par son analyse, les conséquences révèlent que Ryfka Goldfinger a pu être sauvée par Apolonia, mais que son petit fils est devenu un soldat de l’armée israélienne.
 
     
Ewa Dalkowska (Ryfka Goldfinger) et Krzysztof Warlikowski

Krzysztof Warlikowski
est dans une démarche qui paraît sans fin, et chacune de ses œuvres tisse des liens avec les précédentes, Agamemnon et le Parsifal guerrier, Iphigénie et Apolonia, Clytemnestre et la mère de Krum. Un théâtre désinibé, douloureux, feutré et tendre mais aussi très agressif en réaction aux esprits consensuels et bornés.
 
Par David - Publié dans : Théâtre/Cinéma
Ecrire un commentaire - Voir les 1 commentaires - Recommander
Mardi 10 novembre 2009
Don Pasquale (Donizetti)
Représentation du 09 novembre 2009
Version de concert
Théâtre des Champs Elysées


Don Pasquale Nicola Alaimo
Norina Laura Giordano
Malatesta Mario Cassi
Ernesto Juan Francisco Gatell Abre
Le notaire Luca D'All Amico

Orchestre Giovanile Luigi Boccherini
Coro del Teatro de Piacenza

Direction musicale Riccardo Muti



Il y a encore quelques semaines, l'Opéra Bastille reprenait l'Elixir d'Amour de Donizetti avec deux distributions en alternance.
Charles Castronovo s'y était illustré par une interprétation entière du personnage de Nemorino, seul point remarquable si l'on faisait la comparaison avec le duo Netrebko/Filianoti, dont les gesticulations excessives ne firent que grimer l'ouvrage en une comédie superficielle.

                                                                                                    Laura Giordano (Norina)

Nous voici donc au Théâtre des Champs Elysées avec de jeunes artistes italiens soutenus par Riccardo Muti, ne bénéficiant d'aucune image médiatique, et ayant travaillé longuement ensemble leur vision de ce livret.
Il en résulte un tout cohérent par la justesse des rapports entre les personnages, de l'humour et du coeur, un véritable transport dans un univers qui chante l'Italie par sa seule incarnation physique, sans besoin de décor ou de costumes spécifiques.

Et si l'on se focalise sur des critères purement belcantistes, il nous est donné d'entendre Laura Giordano (Norina) virtuose et très homogène avec un timbre légèrement durci, d'être capté par les couleurs franches de Mario Cassi (Malatesta) et par tant de souplesse et de lumière dans "Bella siccome un angelo", ou bien d'apprécier un Nicola Alaimo qui ne vulgarise pas à outrance Don Pasquale.

Ténor léger et clair, Juan Francisco Gatell Abre doit tout de même se battre avec les souvenirs de Pavarotti raflant tous les solo des opéras de Donizetti - una Furtiva Lacrima (L'Elixir d‘Amour) - Tombe degli avi mei …(Lucia di Lammermoor) - et dans Don Pasquale, Com’e gentil.

La densité de l'action ne perd jamais en force, mais dès l'instant où Norina laisse tomber sa fausse timidité pour recouvrir le visage d'une mégère insupportable, l'effet de surprise du vieil oncle se métamorphose en un quatuor saisissant, l'action s'arrête, et du même coup tout est suspendu. Cette façon de faire intervenir un tel ensemble plein de grâce nous ramène dans le monde de Mozart, mais aussi laisse deviner le futur quatuor que Verdi composera dans Rigoletto, "Bella figlia dell'amore".

Comme à son habitude, Riccardo Muti stylise sans casser la dynamique stimulante, obtient une belle maîtrise des instruments solo, telle la trompette liée à Povero Ernesto, bien que subsiste une petite distance entre lui et les chanteurs.
 
Par David - Publié dans : Saison 2009/2010
Ecrire un commentaire - Voir les commentaires - Recommander
Dimanche 8 novembre 2009
Tristan et Isolde (Wagner)
Prélude Acte I et intégralité de l’Acte II
Représentation du 07 novembre 2009
Théâtre des Champs Elysées


Direction musicale Daniel Harding
Mahler Chamber Orchestra

Isolde Waltraud Meier
Tristan John Mac Master
Brangäne Michelle Breedt
Marke Franz-Josef Selig
Melot / Kurwenal Michael Vier

D’emblée, et en écartant la possibilité d’une humeur tragique, l’ouverture nous emmène vers les songes d’une jeunesse ivre, et cet élan si déterminé, le Mahler Chamber Orchestra et Daniel Harding vont en faire la trame tendue d’une rencontre d’une force humaine fabuleuse.
L’intensité des émotions d’Isolde à l’arrivée de Tristan, la justesse avec laquelle elle s’adresse au cœur à la limite de l‘urgence, l’orchestre en est l’expression subjuguante.

Waltraud Meier (Isolde)

Pour arriver à une telle réussite, John Mac Master a accepté de remplacer au dernier moment Lance Ryan, et malgré l’enjeu, l’équilibre en reste préservé.
Discours clair et incisif de Michelle Breedt, pathétiques changements d’expressions vocales et physiques de Franz-Josef Selig, ne reste plus qu’un être vivant dressé là, un corps et une âme sensibles à chaque mot, une voix indéfectible, Waltraud Meier.

Parfois les images de Bill Viola ressurgissent de notre imagination quand elle évoque, bras au ciel, l’embrassement de son cœur, seulement lorsque Tristan s’effondre, ce n’est plus une douleur torturante insoutenable, mais un saisissement glacé qui s’empare d’elle.
       Waltraud Meier (Isolde). Fin acte II.
 
Par David - Publié dans : Saison 2009/2010
Ecrire un commentaire - Voir les 1 commentaires - Recommander
Dimanche 1 novembre 2009
La Bohème (Puccini)
Représentation du 29 octobre 2009 (Bastille)


Direction musicale Daniel Oren
Mise en scène Jonathan Miller

Rodolfo Stefano Secco
Mimi Tamar Iveri
Marcello Ludovic Tézier
Musetta Natalie Dessay
Shaunard David Bizic
Benoît Matteo Peirone
Colline Giovanni Battista Parodi
Alcindoro Rémy Corazza

Depuis sa création en 1995, au début de la première saison d’Hugues Gall, la mise en scène de Jonathan Miller pour la Bohème est devenue une pièce de collection de l’Opéra National de Paris. Son atmosphère de vieux Paris des années 30 résiste comme les authentiques ruelles de son centre historique, aux normes et au temps qui tuent les âmes.
                                                                                 Natalie Dessay (Musetta)

Cet opéra de Puccini, avec lequel Leoncavallo travailla à l’adaptation du même livret « Scènes de la vie de Bohème » d’Henri Murger pour en composer sa propre version bien moins célèbre, n’est qu’un prétexte pour tirer les larmes, car un amour intériorisé peut y trouver les étincelles libératrices.
Il est donc nécessaire de réunir des artistes capables de toucher notre propre sensibilité.

Stefano Secco et Tamar Iveri, l’Infante et l’Elisabeth de la dernière reprise de Don Carlo, forment ainsi un couple à la simplicité émouvante.
Tous deux profilent des nuances, lui avec l’art de la récupération et du prolongement du port de voix, elle subtilement plus spirituelle mais avec des accents très douloureux auprès de l’ami commun, Marcello.

   Tamar Iveri (Mimi)

Justement, Ludovic Tézier abandonne les noirceurs de la jalousie propre à ce personnage, pour en faire une interprétation d’une sympathie rare, point déterminant qui explique le frisson à l’ouverture du quatrième acte, scène pourtant si ordinaire lorsque les quatre complices se chamaillent, mais rendue ici avec naturel.

Surgit enfin Natalie Dessay, rien ne lui échappe de la légèreté de Musetta et de son numéro d’excitée de charme, mais elle ne sait rien faire d’autre que tomber en commisération lorsque le drame se révèle.
Tout un pan noble du cœur de la maîtresse de Marcello se réduit à peu de chose, comme si la chanteuse devenait faussement concernée par ce qui arrive à Mimi. Un arrière goût d’opération commerciale qui déséquilibre l’esprit de l’ouvrage, je trouve.

Les deux comparses, Giovanni Battista Parodi et David Bizic, font heureusement corps avec l’ensemble. Et dans la fosse, Daniel Oren se précipite au début de chaque acte au point d’embrouiller le chœur, pour réussir, patiemment, à devenir maître des structures musicales les plus fines.

    Troisième acte de la Bohème sur la Barrière d'Enfer, une des portes d'octroi de Paris.
 
Par David - Publié dans : Saison 2009/2010
Ecrire un commentaire - Voir les commentaires - Recommander
Dimanche 1 novembre 2009
Dimanche 01 novembre 2009 sur Arte à 19H00
Musiques pour Sainte Cécile

Purcell, Haendel, Haydn

Lundi 02 novembre 2009 sur Arte à 22H00
Musica. Ballet. Chostakovitch: Le Boulon (Bolt). Bolchoï, 2006, 1h45mn

Direction musicale : Pavel Sorokin, Chorégraphie : Alexei Ratmansky, Scénographie : Semyon Pastukh, Avec : Anastasia Yatsenko, Andrey Merkuriev, Denis Savin, Morihiro
Iwata, Gennady Yanin, Ekaterina Krysanova, Anna Rebetskaya,
Viktoria Osipova, Egor Khromushin

Mardi 03 novembre 2009 sur France 2 à 00H15
Berliner Philharmonic à Aix

Direction Simon Rattle, Piano Andras Schiff

Jeudi 05 novembre 2009 sur TF1 à 03H05
L'Heure espagnole (Ravel)

Par l'Orchestre de l'Opéra National de Paris, direction Seiji Osawa. Avec Sophie Koch, Yann Beuron, Jean-Paul Fouchécourt.

Samedi 07 novembre 2009 sur France 3 à 00H10
«Double Concerto» en la mineur, de Johannes Brahms,

interprété par l'Orchestre philharmonique de Moscou, placé sous la direction de Kyrill Kondrachine, avec David Oistrakh au violon et Mitslav Rostropovitch au violoncelle/

Dimanche 08 novembre 2009 sur France 3 à 01H00
Louise (Charpentier)

Mise en scène André Engel. Orchestre de l'Opéra National de Paris, Direction Sylvain Cambreling avec Mireille Delunsch, Paul Groves.

Dimanche 08 novembre 2009 sur Arte à 19H00
Kurt Masur dirige le concert commémoratif "20 ans après la chute du mur"

Kurt Masur dirige l'Orchestre du Gewandhaus de Leipzig, avec Renaud Capuçon au violon.

Lundi 09 novembre 2009 sur Arte à 22H30
Musique classique et guerre froide. Les musiciens en RDA (2009, 52 mn)


Mardi 10 novembre 2009 sur France 2 à 00H45
L'Amour des trois oranges (Prokofiev)

Enregistré à l'Opéra Bastille en 2005. Mise en scène Gilbert Deflo.
Avec José van Dam, Béatrice Uria-Monzon, Charles Workman, Hannah Esther Minutillo, direction Sylvain Cambreling

Jeudi 12 novembre 2009 sur TF1 à 02H45
La Dame de Pique (Ballet de Roland Petit)
Musique de Tchaïkovski et Webern.
Enregistré au théâtre du Bolchoï en 2005. Direction Vladimir Andropov, avec Natalya Osipova, Yan Godovsky, Tamara Abakeliyari.

Jeudi 12 novembre 2009 sur Arte à 23H00
Arte Lounge. Présentation: Measha Brueggergosman. Invités: Albrecht Mayer, Fazil Say, Max Emanuel Cencic...


Dimanche 15 novembre 2009 sur Arte à 19H00
Leonard Bernstein

Symphonie n° 3 "Kaddish"

Lundi 16 novembre 2009 sur Arte à 22H50
Opéra. Schoenberg: Moïse et Aaron.

Direction musicale : Michael Boder. Mise en scène : Willy Decker
Avec : Dale Duesing (Moïse), Andreas Conrad (Aaron)
Production de la Triennale de la Ruhr 2009 – enregistré les 28 et 30 août 2009

Samedi 21 novembre 2009 sur France 3 à 00H40
Concert d'inauguration de l'Opéra Royal de Versailles

Par les musiciens du Louvre-Grenoble, direction Marc Minkowski

 
Dimanche 22 novembre 2009 sur France 3 à 00H15
Nabucco (Verdi)

Enregistré au Stade de France en septembre 2008
Avec Roberto Servile, Carlo Guido, Askar Abdrazakov, Katja Lytting, direction Yoel Levi
 
Lundi 23 novembre 2009 sur Arte à 22H30
Documentaire, portrait. Georges Prêtre, l´urgence de la musique (2009, 1h)
 
Par David - Publié dans : TV Lyrique
Ecrire un commentaire - Voir les commentaires - Recommander
Mardi 20 octobre 2009
Die tote Stadt (Korngold)
Représentation du 19 octobre 2009
Opéra Bastille


Direction musicale Pinchas Steinberg
Mise en scène Willy Decker

Paul Robert Dean Smith
Marietta Ricarda Merbeth
Frank / Fritz Stéphane Degout
Brigitta Doris Lamprecht
Juliette Elisa Cenni
Lucienne Letitia Singleton

Die tote Stadt opéra de la mélancolie? La première impression, éclatante jetée dans une splendeur sonore, ne le suggère pourtant pas. Seulement les orgueilleuses et clinquantes envolées sont souvent comme une contre énergie aux vagues de tristesse, et l’on retrouve cela dans cette musique avec laquelle il faut vaincre la complexité de ses motifs parfois furtifs.

                                                                         Ricarda Merbeth (Marietta)

De retour à l’Opéra National de Paris depuis la création d’Ariane à Naxos à l’automne 2003, Pinchas Steinberg tire de l’orchestre comme une grande forme d’onde qui englue l’âme dans une sorte d’éternité morbide, pour qui veut bien se laisser prendre à l’expérience.
Et ce n’est nullement exagérer que de dire qu’il ne reste plus grand chose des emphases de la partition de Korngold.
Ce choix va de pair avec une mise en scène étouffante par son cloisonnement et le vide qu’elle souligne avec son arrière scène plongée dans l’obscurité. C’est une alternance de tableaux fascinants (l’apparition de Marie au loin s’adressant à Paul sans que sa chevelure ne révèle le moindre trait de son visage, ou bien le portrait obsessionnel devenant de plus en plus fantomatique), et de scènes vivantes et très bien réglées (comme la métamorphose instantanée de la morte Marie en la superficielle et matérialiste Marietta).

Ricarda Merbeth est une stupéfiante Marietta, vigoureuse et acharnée à sortir Paul de son puit de pensées noires, la voix ne trahissant nulle faiblesse avec une accroche dynamique, sauvage et ouatée.
Son partenaire, Robert Dean Smith, conserve quelque chose de touchant bien que sa musicalité se perde dans un haut médium qui ternit toutes les sonorités (ce qui au passage n’est pas hors de propos).

     Stéphane Degout (Fritz)

Sarcastique et sûr de lui, Stéphane Degout respire d’aisance, et Doris Lamprecht montre des capacités dramatiques ignorées, pour ma part, et une puissance qu’elle prend plaisir à extérioriser.

Prisonnier de son deuil, Paul peut plus largement représenter l’incapacité à sortir d’une emprise psychique (d’où cet attrait vers le religieux qu'il pense pouvoir le tirer vers le « haut »).
Le livret de Die tote Stadt est justement très prenant car il démonte, par l’intermédiaire de Marietta, tous les subterfuges de complaisance avec cet état.

C’est véritablement un ouvrage qui mérite une reprise, et pourquoi pas cette fois avec un chef comme Harmut Haenchen au goût plus prononcé pour les grands contrastes entre frémissements éveillants et grondements intimidants.

Par David - Publié dans : Saison 2009/2010
Ecrire un commentaire - Voir les 1 commentaires - Recommander
Dimanche 18 octobre 2009
Impempe Yomlingo - La Flûte enchantée
Représentation du 16 octobre 2009
Théâtre du Châtelet

Une production d'Eric Abraham et Isango Portobello Company of Cape Town créé en association avec le Young Vic Theatre de Londres


Direction musicale Mandisi Dyantyis
Mise en scène Mark Dornfold-May
Chorégraphie Lungelo Ngamlana

Tamino Sonwabo Ntshata
Pamina Portia Shwana
Papageno Phumzile Theo Magongoma
Papagena Thozamo Mdliva                                         
Thozamo Mdliva (Papagena)
Queen of the Night Bongiwe Mapassa                          
Sarastro Sebastian Zokoza
Monostatos Malungisa Madondile

Après le passage de William Kentridge et la « Handspring Puppet Company » en septembre, l’Afrique du Sud continue de se produire à Paris, mais cette fois dans une reprise de la Flûte Enchantée.
C’est bien sûr l’attente de voir dynamiter la rigidité des conventions de l’art lyrique qui stimule l’élan vers ce spectacle.
En habits colorés et fantaisistes, une troupe joue sur scène, les chanteurs se mêlent aux chœurs, qui se mêlent eux mêmes aux musiciens jouant des Marimbas debout avec entrain et sans partition, et le directeur musical finit nécessairement par se fondre dans l’orchestre en simple interprète déchaîné.
Il s’agit pourtant d’éviter un piège redoutable : une simple interprétation des airs. Car seule la très touchante Portia Shwana a réellement une voix lyrique et raffinée, ce qui exige des autres chanteurs un rôle de composition encore plus vivant.


Bénéficiant de la joie communicative des musiciens flanqués de part et d’autre de la scène, Mark Dornfold-May insuffle du rythme à l’action, art de l’enchaînement qui se passe des récitatifs de Schikaneder. Et la surprise se tient en embuscade, comme lorsque les trois garçons se figurent en anges féminins surgissant du chœur pour guider Tamino, ou bien quand la vitalité de la danse sud africaine (popularisée par Scatteling of Africa de Johnny Clegg) se jette à la face du spectateur.

Le petit coup de cœur vient de la Papagena de Thozamo Mdliva, une jovialité ronde, maternelle et rassurante pour Papageno.
 
Par David - Publié dans : Saison 2009/2010
Ecrire un commentaire - Voir les commentaires - Recommander
Lundi 12 octobre 2009
Lakmé (Delibes)
Représentation du 11 octobre 2009
Théâtre des Arts de Rouen


Direction musicale Roberto Fores Veses
Mise en espace Richard Brunel

Lakmé Petya Ivanova
Gérald Jean-François Borras
Frédéric Christophe Gay
Nilakantha Patrice Berger
Mallika Marie Gautrot
Miss Ellen Maïlys de Villoutreys


                                                    Petya Ivanova (Lakmé)


Le Théâtre des Arts de Rouen est l’exemple même de ce que devrait être un opéra populaire. Il y règne une ambiance naturelle, tout le monde vient y vivre une expérience commune sans prétention, et avec un grand respect pour la musique. Les personnes vous parlent très spontanément sans s‘appesantir, les sourires se croisent, de tout jeunes enfants y ajoutent une touche de désordre, et tout cela contribue à une chaleur unique en ce lieu.

La première de Lakmé à Rouen se déroula le 23 novembre 1887, quatre ans après la première à l’Opéra Comique, en présence de Léo Delibes. Par la suite, son héroïne résistera comme elle pourra aux personnages de légendes wagnériens.

   Jean-François Borras (Gérald)

La capitale de la Haute-Normandie ouvre donc la saison 2009/2010 avec Lakmé dans une mise en espace de Richard Brunel (L'Indefelta Delusa à Sceaux en début d'année).
Mise en espace certes, mais par un metteur en scène de Théâtre. Les lumières et le dépouillement - quelques pupitres, draps bleus et une chaise dans une atmosphère nocturne- font penser à du Bob Wilson, mais avec la direction d’acteur d'un Johan Simons, c’est à dire qu’il s’agit de manipuler et de bousculer les éléments.

Le théâtre vient ici de manière très efficace suppléer à des moyens matériels limités - quelques spectateurs n’apprécieront pas le traitement final de Lakmé laissée là banalement au vent comme si elle avait si peu comptée - alors qu’un grand soin est accordé au niveau musical.

Profitant de l’expérience d’un bon directeur scénique, la distribution trouve ainsi un cadre qui lui permet de jouer de manière simple et crédible, et de s’appuyer sur ses qualités majeures : une agréable homogénéité d’ensemble, et une diction quasi parfaite qui fait honneur à l’ouvrage.

Connu depuis Giovanna d’Arco l’année dernière, Jean-François Borras a gagné en aisance, et tout passe dans un chant sensible et coloré sauf dans l’extrême aigu.

Petit format physique, mais une douceur, et surtout une virtuosité qui nous renvoie à celle de Natalie Dessay, Petya Ivanova est un éblouissement de finesse musicale.
Et plus les airs requièrent de l’habilité, plus faciles paraissent-ils à chanter. Seul son phrasé tend à lisser parfois les syllabes.

Christophe Gay (Frédéric)



La présence de Christophe Gay est celle qui fait la plus forte impression. Baryton clair dégageant un grand sentiment de solidité et de jeunesse, le personnage de Frédéric y trouve une représentation fidèle, homme déterminé et empreint d’idéaux patriotiques.

Et les autres rôles continuent à révéler des chanteurs au meilleur d’eux mêmes, impeccable Nilakantha de Patrice Berger, charmante Miss Ellen de Maïlys de Villoutreys, sans oublier Marie Gautrot dans une Mallika un peu plus effacée.

Les chœurs, heureux de bénéficier d’une action scénique intéressante et bien éloignée des clichés traditionnels, se laissent parfois un peu déborder par l’enthousiasme, mais peu importe. Roberto Fores Veses, le chef, joue le théâtre et l’onirisme à fond, sans tirer toutefois de l’orchestre un son des plus cisellés.
Les airs de danses de l’acte II passent à la trappe, soit dit en passant.

En évacuant ainsi le kitsch visuel et des jeux d'acteurs désués, tout en maintenant la musicalité au coeur de l'oeuvre, le Théâtre des Arts vient de prendre des longueurs d’avance sur l’Opéra de Paris dans la mise en valeur de l’opéra romantique français.
 
Par David - Publié dans : Saison 2009/2010
Ecrire un commentaire - Voir les 1 commentaires - Recommander
Mercredi 30 septembre 2009
Dimanche 04 octobre 2009 sur France 3 à 00H50
Le Lac des Cygnes (Tchaïkovski)

Ballet de l’Opéra National de Paris (2005)
Chorégraphie de Rudolf Noureev

Dimanche 04 octobre 2009 sur Arte à 19H00
Une soirée avec la pianiste Gabriela Montero (Essen, Festival du piano de la Ruhr 2009).

Brahms, Ginestra. improvisations libres d´après Star Wars, Verdi, Beethoven, Tchaïkovski...

Lundi 05 octobre 2009 sur Arte à 22H30
Portrait: Jeffrey Tate, une force unique. Documentaire, 2009.

Jeffrey Tate est l’un des spécialistes les plus en vue du répertoire wagnérien. Durant sa longue carrière, il a été à la tête des plus grands orchestres de la planète, tant dans le domaine lyrique que symphonique.

Jeudi 08 octobre 2009 sur Arte à 23H30
Arte Lounge. Measha Brueggergosman reçoit... Mischa Maisky, Christian Lindberg, Nathalie Stutzmann, Miss Platnum...


Dimanche 11 octobre 2009 sur Arte à 19H00
Mozart: Concerto n°10 pour deux pianos kv 365.
Pierre- Laurent Aimard et Tamara Stefanovich, pianos.

Lundi 12 octobre 2009 sur Arte à 22H35
Karol Szymanowski: Le Roi Roger, 1926. Production de l´Opéra de Paris (juin 2009)
Direction musicale : Kazushi Ono, Metteur en scène : Krzysztof Warlikowski, avec Mariusz Kwiecien (Roger, Roi de Sicile), Olga Pasichnyk (Roxana, son épouse) , Stefan Margita (Edrisi, un érudit arabe), Eric Cutler (le Berger)

Mardi 13 octobre 2009 sur France 2 à 00H15
Les Contes d'Hoffmann (Offenbach)
Mise en scène Olivier Py (Grand Théâtre de Genève 2008)
Avec Marc Laho, Stella Doufexis, Nicolas Cavallier, direction Patrick Davin
 
Jeudi 15 octobre 2009 sur France 3 à 00H10
Voulez-vous danser avec moi?
La danse au centre d'un grand nombre de films

Samedi 17 octobre 2009 sur France 3 à 00H10
Recital Rolando Villazon : One Night in Berlin
Oeuvres de Donizetti, Rossini, Massenet..avec la Südwest-deutsche Philharmonie Konstanz

Dimanche 18 octobre 2009 sur France 3 à 00H55
Le Couronnement de Poppée (Monteverdi)
Prologue et Acte I, mise en scène Robert Carsen au festival de Glyndebourne 2008
Avec The Orchestra of the Age of Enlightenment dirigé par Emmanuelle Haïm, Danielle de Niese, Alice Coote.

Dimanche 18 octobre 2009 sur Arte à 19H00
Mahler: Symphonie n°1 "Titan". John Adams: "City noir".
Gustavo Dudamel dirige le Los Angeles Philharmonic Orchestra.

Lundi 19 octobre 2009 sur Arte à 22H20
Musica - Sacha Waltz & Guests
Dialog 09 - nouveau musée. Spectacle par l'ensemble de solistes Kaleidoskop et le Vocalconsort Berlin.

 
Samedi 24 octobre 2009 sur France 3 à 00H10
Prades 2009 : Festival Pablo-Casals
Soirée Schubert.
Notturno pour violon, violoncelle et piano
 
Dimanche 25 octobre 2009 sur France 3 à 01H30
Le Couronnement de Poppée (Monteverdi)
Actes II et III, mise en scène Robert Carsen au festival de Glyndebourne 2008
Avec The Orchestra of the Age of Enlightenment dirigé par Emmanuelle Haïm, Danielle de Niese, Alice Coote.

 
Dimanche 25 octobre 2009 sur Arte à 19H00
Lang Lang joue le Concerto pour piano n°1 de Beethoven.
Christoph Eschenbach, direction (2007)

Lundi 26 octobre 2009 sur Arte à 22H45
Documentaire. La musique, avenir du Venezuela : El Sistema.
 
Par David - Publié dans : TV Lyrique
Ecrire un commentaire - Voir les commentaires - Recommander
Lundi 28 septembre 2009
Le Barbier de Séville (Rossini)
Représentation du 27 septembre 2009

Opéra Bastille

Direction musicale Bruno Campanella
Mise en scène Coline Serreau

Il Conte d’Almaviva Antonino Siragusa
Bartolo Alberto Rinaldi
Rosina Karine Deshayes
Figaro George Petean
Basilio Paata Burchuladze
Fiorello Aimery Lefèvre
Berta Jeannette Fischer
Un Ufficiale Denis Aubry


                                                Karine Deshayes (Rosine)


Créée le 02 avril 2002, on peut regretter que la mise en scène de Coline Serreau aborde sur le ton de la comédie le dénie de liberté qui est fait aux femmes dans des pays où les hommes aiment à porter la barbe.
Mais comment ne pas reconnaître à quel point cette vision est juste, sans remettre en cause une sensibilité personnelle?  En plus les tableaux de ce Séville historiquement islamisé et transposé dans un pays des Milles et une nuits ravissent par leur raffinement, si bien que l’on passe sur quelques passages théâtralement peu inspirés (le final de l’acte I joué au ralenti).

  Antonino Siragusa (Il Conte Almaviva)

Fraîchement remis de son récital de la veille au Théâtre des Champs Elysées - et remporté les mains dans les poches - Antonino Siragusa se joue des dimensions architecturales des galeries de l’opéra Bastille, pour composer un Comte adorable de douceur et de charme comme nous en entendons bien rarement.
Nous lui accueillons donc en toute complaisance la naïveté d’une gestuelle plus faite pour amuser les petits enfants.

Karine Deshayes méritait bien mieux que les second rôles toujours brillamment interprétés à Paris (le garçon de cuisine de Rusalka, Krista de l‘Affaire Makropoulos), ce que son incarnation de Rosine démontre en toute évidence.
Lyrique, dramatique avec la froide rondeur des chanteuses slaves, l’exubérante mezzo-soprano saisit cette occasion pour déployer l’entendue de ses moyens.
Mais à y regarder de plus prêt, il manque encore un approfondissement du caractère enragé de la jeune pupille, ce qui transparaît dans les expressions corporelles comme gambader telle une gazelle pour mettre sans dessus-dessous son appartement dans un excès de colère.

Visiblement l’équipe scénique fonctionne très bien, puisque George Petean compense les limites de ses subtilités par un style généreux et sans ambages, Paata Burchuladze investit tout l’espace sonore d’une voix semi-caverneuse et agréable, et Alberto Rinaldi réussit le meilleur rôle de composition de la représentation avec Bartolo.

Depuis le temps qu’elle chante Berta avec coeur, Jeannette Fischer profite de son unique air à elle toute seule, « Il vecchiotto cerca moglie », pour s’offrir trois minutes de one woman show qui doivent lui faire un bien fou!

L’ouverture résume assez bien la tonalité d’ensemble de Bruno Campanella : une direction vive et fine laissant le champ libre aux chanteurs.
Il reste pourtant de la marge afin de faire jouer au discours musical un rôle plus stimulant.


Karine Deshayes (Rosine)

Rétabli pour la première fois à cette occasion, l’air « cessa di piu resistere » permet à Antonino Siragusa un dernier jeu de bravoure, considérablement applaudi aussi bien pour sa valeur que pour sa conclusion loufoque, le ténor se métamorphosant en joueur de football numéro 10 (le meneur), et cela sous les yeux de Coline Serreau venue filmer l'ensemble du spectacle.

 
Par David - Publié dans : Saison 2009/2010
Ecrire un commentaire - Voir les 3 commentaires - Recommander
Dimanche 27 septembre 2009
Sumi Jo et Antonino Siragusa
Concert du 26 septembre 2009
Théâtre des Champs Elysées


Donizetti : Don Pasquale, ouverture
"Una furtiva lagrima", air extrait de L'elisir d'amore
Rossini : "Si ritrovarla io giuro", air extrait de La  Cenerentola 
Bellini : "Care compagne", air extrait de La Somnambula
Verdi : "Caro Nome", air extrait de Rigoletto
Bellini : "Prendi l'anel ti dono", air extrait de La Somnanbula
Rossini : Guillaume Tell, ouverture
Meyerbeer : "C'est bien l'air que chaque matin", air extrait de L'Etoile du Nord
Rossini : "Deh troncate", air extrait de Elisabetta Regina d’Inghilterra
Donizetti : "Quoi? Vous m'aimez?", "A mes amis", airs extraits de La fille du régiment
Bellini : "Fini, mi lassa", air extrait de I Puritani

Direction Danielle Callegari
Orchestre National d’Ile de France

Les Théâtres Lyriques seront éternellement hantés par les souvenirs des chanteurs les plus divins, car il y aura toujours des âmes pour les faire revivre et relativiser ce que la vie d’aujourd’hui peut offrir de meilleur.

Alors peut être qu’Antonino Siragusa n’a pas tout à fait le moelleux d’un Pietro Bottazzo (pour ceux qui connaissent l’Italienne à Alger avec Marilyn Horne et dirigée par Carlo Franci), mais il vient de nous offrir de bien heureux moments de sa voix sensuelle, claire et pleine de jeunesse, un style et des inflexions latines qui vous donnent l’impression d’écouter une âme qui appelle à votre considération.
D’autant plus que le chanteur est très sympathique, joue tout un numéro de décontraction dont on se doute tout de même qu’il sert surtout à charmer comme lors d’une première rencontre, car il se répète très vite.

  Antonino Siragusa et Sumi Jo

Découverte en 1987 lors du concert hommage à Maria Callas au Palais Garnier, Sumi Jo n’est plus une inconnue dans la capitale : Les Contes d’Hoffmann, Lucia di Lammermoor, Rigoletto à Bastille et plusieurs récitals après, la cantatrice coréenne est toujours là pour dessiner avec une finesse extrême de fragiles filaments, comme si elle sculptait une œuvre d’art.
Et elle réussit cela grâce à sa capacité à diriger son souffle sur la durée, ce qui est son point fort dans la Sommanbula.
Nous sommes comme Louis XIV visitant la Manufacture des Gobelins, peut-on dire.

Moins à son avantage dans les moyennes altitudes, une vibration très caractéristique colore son timbre à la fois de brillant et d’impuretés, ce qui laisse un petit goût de déception après tant de passages aériens.
 
Par David - Publié dans : Saison 2009/2010
Ecrire un commentaire - Voir les commentaires - Recommander
Dimanche 27 septembre 2009
Woyzeck On The Highveld (William Kentridge)
D’après Georg Büchner
Représentation du 26 septembre 2009
Centre Georges Pompidou


Mise en scène Luc de Wit (assistant de William Kentridge)
Acteurs, Mncedisi Balwin Shabang
Marionnettistes, Nkosinathi Joachim Gaar, Jason Potgieter, Hamilton Dhlamini, Busisiwe Penelope Zokuva, Adrian Kohler, Basil Jones
Musique, Steve Cooks, Edward Jordan

William Kentridge est né à Johannesburg en 1955, et a commencé sa collaboration avec la compagnie sud-africaine de marionnettes « Handspring Puppet Company » en 1992.

Coïncidence ou pas, le passage à Paris de la troupe de marionnettistes sud-africains offre une occasion unique de mettre en correspondance la pièce de Büchner et l’opéra d’Alban Berg (il était possible ce week-end d’assister à Woyzeck au centre Pompidou, puis à Wozzeck à l’Opéra Bastille).

Une sorte de maître royal (Mncedisi Balwin Shabang) nous annonce avec gourmandise que nous allons pouvoir assister à un crime.
Le spectacle se joue sur trois plans : un premier niveau surélevé ne met en scène que les marionnettes, un second niveau se situe tout à l’arrière pour  projeter des animations faites au fusain, et enfin en avant scène les marionnettes et leurs manipulateurs créent un rapport plus direct avec le public.

Le visage de la marionnette de Woyzeck, que l’on croirait inspiré du Wozzeck de Toni Blankenheim d’après le film de Rolf Liebermann, est l’expression d’une vie de souffrance terrible.
Les arcades sourcilières, épaisses, dessinent des yeux vides de noir, l’ensemble est rude, asymétrique et cabossé.
Un rapport affectif se noue instantanément avec ce qui n’est pourtant qu’un objet en bois.

Et en même temps tout l’entourage se rie du malheureux, mais jamais ne vient à l’idée d’en rire.
Avec son petit chaperon rouge, la psychologie de Marie est clairement moins développée que dans l’opéra. Le rapport à l’enfant est tout juste abordé, mais elle ne semble ni mère, ni provocante, juste attirée par le Tambour Major, devenu un ouvrier des mines dans la version sud-africaine.

La responsabilité et la violence de l’entourage social sont en revanche traités de manière très directe.
Le paroxysme du sadisme trouve sa forme dans une scène mettant en jeu un Rhinocéros à la corne duquel est attaché un pistolet. Il finit par se tirer dessus.

La poésie est pourtant présente. D’abord dans la musique (tristesse de l’accordéon), et dans les animations de paysages noirs et blanc sinistres sortis de Wuthering Heights, mais qui révèlent également ce que voient les personnages, comme des constellations d’étoiles.

Pour quelques secondes seulement, la musique d’Alban Berg se manifeste lors du meurtre de Marie.
 
Par David - Publié dans : Théâtre/Cinéma
Ecrire un commentaire - Voir les commentaires - Recommander
Dimanche 27 septembre 2009
L’Amour de Phèdre (Sarah Kane)
Représentation du 23 septembre 2009
Théâtre de Nesle


Mise en scène William Astre (Hippolyte)
Le Prêtre Thibaut Turgy
Thésée Marc Dumez
Le Médecin Jean-Marc Plat
La Sœur Florence Wagner
Phèdre Isabelle David

L’idée de m’intéresser à l’œuvre de Sarah Kane provient de l’irruption dans le monde lyrique du metteur en scène Krzysztof  Warlikowski (Iphigénie en Tauride, Le Roi Roger, Parsifal, l’Affaire Makropoulos).
Il a lui même adapté « Purifiés » (Cleansed), une des pièces les plus violentes de la dramaturge britannique.

Si la Tragédie grecque est une dimension essentielle du travail du directeur polonais, c’est pour y remettre les passions humaines comme réels moteurs du drame, plutôt que de reporter la responsabilité des actes sur des forces divines.

Alors pourquoi « Phaedras‘love », au fond de l’exigu sous-sol de pierres du petit Théâtre de Nesle, commence t-il par l’écoute récurrente des faits divers quotidiens? Pourquoi cette violence semble être aussi bien acceptée aux heures de grandes écoutes, alors qu’il faut prendre des pincettes lorsque des sujets comme la nudité ou bien la sexualité sont abordés?

La pièce de Sarah Kane est une confrontation entre des personnages contraints par leurs rôles sociaux (Phèdre, femme mariée - le jeune prêtre, dévolu au Christ), et Hippolyte, jeune homme décadent qui ne devrait rien avoir pour plaire.

Pourtant il les attire. Rien n’est épargné au spectateur de la force de leurs émotions, actes sexuels, lutte physique, rage extériorisée (progressivement Isabelle David passe d’expressions convenues et classiques à un déchaînement passionnel avec lequel nous faisons corps), et rien n’est épargné non plus de la vulgarité d’Hippolyte jusqu’à une mise à nue ensanglantée façon « Grand guignol ».
Il est fascinant de voir comment la clairvoyance désagréable du Prince doit être dure comme le roc, pour percer les fausses idées que les protagonistes se font d'eux mêmes. Ironiquement, il ne peut voir sa propre vérité.

William Astre est l’auteur de cette mise en scène, mais il en est également l’interprète principal.
Pour arriver à cette exposition sensuelle et violente du corps, l’acteur prouve un courage et une volonté d’aller au bout de son personnage qui a de quoi provoquer un vrai choc émotionnel.

La scène finale, où Hippolyte gît nu et prostré près du corps de sa belle-mère morte, ressemble assez étrangement aux dernières images du Roi Roger dirigé par Warlikowski.
 
Par David - Publié dans : Théâtre/Cinéma
Ecrire un commentaire - Voir les commentaires - Recommander
Mardi 15 septembre 2009
Wozzeck (Alban Berg)
Répétition générale du 14 septembre 2009
Opéra Bastille

Direction musicale Harmut Haenchen

Mise en scène Christoph Marthaler

Wozzeck Vincent Le Texier
Marie Waltraud Meier
Le Tambour-major Stefan Margita
Le Capitaine Andreas Conrad
Le Docteur Kurt Rydl
Margret Ursula Hesse von den Steinen
Andres Xavier Moreno


Vous voulez vivre les débordements sentimentaux de la vie. Alors Mireille est pour vous, à condition que vous arriviez à obtenir une entrée à l’Opéra Garnier.

A moins que ce ne soit un autre aspect de la vie qui vous intéresse, sa violence et la manière dont elle se diffuse et se restitue, sans qu’au bout du compte l’on sache qui est victime ou bien bourreau.

Rien que pour vous Harmut Haenchen pousse l’Orchestre de l’Opéra de Paris dans ses dimensions les plus extrêmes, comme un corps grand ouvert d’où battent les pulsations d’un cœur à vif dans une direction, se fracassent ailleurs des matériaux métalliques d‘une intensité qui tente de saturer l‘auditeur, puis émergent des sonorités frémissantes, une pâte sonore large qui vous agrippe et ne cherche nullement à charmer.

Sylvain Cambreling avait paru bien lyrique lors de la création, il y a deux ans.
Aujourd’hui il s’agit également d’harceler le spectateur.

Vincent Le Texier n’est plus un Wozzeck intériorisé. Il renvoie sa souffrance, semble plus proche d’une déchéance spirituelle et physique immédiate, son sort est déjà réglé. Le timbre n’est pas aussi beau que Simon Keenlyside, mais nous avons ici un rôle encore plus crédible, où pitié et malaise se mélangent.

Du côté des méchants, Kurt Rydl est un docteur absolument sordide, lorsque le vibrato de son chant, combiné à la musique, conduit vers le mal au cœur.
Que ce soit Andreas Conrad, aux aigus inhumainement saillants, ou bien Stefan Margita d’une liberté expressive surprenante, c’est un entourage infernal qui enserre le pauvre marginal.

                                                                                              Vincent Le Texier (Wozzeck)

Waltraud Meier
est à cette occasion dans une forme vocale que certains n’attendent sans doute pas. Entendez simplement son cri « Rühr’ mich nicht an! (Ne me touche pas!) ». Demain il résonnera encore.
Elle a ici la dimension d’une femme mûre, bien moins inconsciente que ne l’incarnait Angela Denoke à la création, mais paraît aussi un peu étrangère à cette vie sans espoir autour d’elle. 

       Waltraud Meier (Marie)

Cette reprise de la production de Christoph Marthaler qui repose sur plusieurs points forts - le rapport vitalité des enfants/vitalité de la musique, l’exclusion qui se détermine dès l’enfance, la complexité du décor unique et de ses éclairages, le pianiste qui fuit subitement l'hystérie générale - est à nouveau d’une force phénoménale, un prolongement plus que nécessaire du travail théâtral qu’a effectué Gerard Mortier pendant cinq ans.  
 
Lire également la présentation de Wozzeck.

Par David - Publié dans : Saison 2009/2010
Ecrire un commentaire - Voir les commentaires - Recommander
Dimanche 13 septembre 2009
Mireille (Gounod)
Répétition générale du 12 septembre 2009 et
Actes IV/V du 14 septembre au Palais Garnier
Version originale de 1864 (Théâtre Lyrique)


Direction musicale Marc Minkowski

Mise en scène Nicolas Joel

Mireille Inva Mula
Vincent Charles Castronovo
Ourrias Franck Ferrari
Maître Ramon Alain Verhnes
Taven Sylvie Brunet
Andreloun Sébastien Droy
Maître Ambroise Nicolas Cavallier
Clémence Amel Brahim-Djelloul
Vincenette Anne-Catherine Gillet
Le Passeur Ugo Rabec
Une Voix d’en-haut Sophie Claisse

                                                              Sylvie Brunet (Taven) et Charles Castronovo (Vincent)

Par une surprenante coïncidence, la dernière saison de Gerard Mortier avait débuté à l’Opéra Garnier avec Eugène Onéguine. Nicolas Joel se rend-il compte de l’originale réponse que représente Mireille pour l’ouverture de sa première saison?

Quel rapport direz vous ?  A l’écoute, se produit à plusieurs reprises le sentiment d’une atmosphère intime déjà entendue. « Et moi, si par hasard, quelque jeune garçon… » (acte 1, scène 3), « Trahir Vincent, vraiment ce serait être folle! » (acte 2, scène 5), « Frappez… et que Dieu vous pardonne! » (acte 2 scène 10), « Heureux petit berger » (acte 4, scène 6), ces quelques airs font ressurgir les sincères pensées de Tatiana, emportées dans fin tissu musical ondoyant (scène de la lettre).

Renseignement pris, Tchaïkovski avait entendu Mireille, ce qui laisse peu de doute sur l’inspiration qu’il a pu y puiser, ne serait ce que par le thème de la campagne.

Car l’intérêt de cet opéra peu connu de Charles Gounod réside bien plus dans la musique que dans l’histoire. La foi de Mireille y est exagérément mise en avant, au point d'affaiblir la crédibilité et la force de ses sentiment amoureux.

Malgré cinq actes, 2 heures quarante de musique, et un livret peu touchant, l’oreille a de réels motifs d’être en permanence captivée, que ce soit par les ornements du hautbois, les voix surnaturelles, les airs de personnages qui ne sont que de passage, bref une vie incessante, où ne manquent que quelques duetti. 


Amel Brahim-Djelloul (Clémence) et
Inva Mula (Mireille)



Avec Marc Minkowski les partitions reprennent toujours un influx nerveux rajeunissant, une dynamique stimulante, qui donnent lieu à quelques excès lorsqu’il s’agit d’impressionner.

Quelquefois, le rythme s’accélère même, ce qui demande aux chanteurs un effort certain pour tenir la cadence.

Mais le résultat est là : le spectateur ne décroche pas, éveillé par un son chaleureux, à l’image du climat convivial et exigeant entretenu par le chef. 

Le chant est la valeur que souhaite défendre le nouveau directeur de l’Opéra de Paris. Avec toutes les précautions d'usage à propos d'un répétition générale, on peut prévoir que les représentations de Mireille vont soulever quelques discussions.

Alain Verhnes en impose sans problème, et Sylvie Brunet surprend par la qualité de son interprétation, beaucoup de filets de voix très aériens, caressants, sont comme des mots d’amour à Mireille. Taven, plus une mère qu’une sorcière.

Brève apparition, mais idéale en Vincenette, Anne Catherine Gillet est un enchantement de fraîcheur (phrasé impeccable en plus).

Cependant, le personnage principal n’est pas à la portée de toutes les chanteuses. La créatrice du rôle, Caroline-Marie Miolan Carvalho, était elle même effrayée par la scène de Crau, exigeant de solides ressources dramatiques.

                                  Alain Verhnes (Maître Ramon)



Inva Mula
se donne pourtant totalement dans ce rôle avec un cœur et un courage visibles. Elle a pour elle une bonne expérience de l’Opéra français, une puissance vocale, et du charme.
Reste que ce soir lui font défaut rondeur et aération vocales.
Les aigus sont souvent étouffés, les pianis confidentiels, le sens mélodique se perd un peu. Mireille reste trop pâle, trop sentimentale jusqu’au bout.

Charles Castronovo, beau timbre sombre, semble également rester en retrait, plus terne qu'à son habitude, Franck Ferrari, comme très souvent dans les rôles noirs, privilégie les expressions violentes et brutes, Amel Brahim-Djelloul paraît bien discrète même à Garnier, et le passeur d’Ugo Rabec ne fait trembler personne.


Mais qu’aurions nous aimé entendre la voix d’en haut de Sophie Claisse pour incarner le jeune berger, car en confiant ce rôle ci à un ténor (Sébastien Droy), l’angélisme de l’enfant disparaît tout simplement, nous valant la plus grande frustration de la soirée.

Spécialiste des mises en scènes naïves, Nicolas Joel, épaulé par le décorateur Ezio Frigerio, présente une vision de Mireille qui ne surprendra personne parmi les habitués des spectacles du Capitole. Les blés sont dorés comme l’or de Garnier, la surface du Rhône (joli tableau visuel et musical) scintille sous les lueurs de la Lune, et les éclairages les animent comme par le vent.

Programmer et diriger Mireille, avec une équipe artistique qu'il apprécie totalement, est donc d'abord pour le nouveau directeur de l'Opéra de Paris une manière de se présenter et de dire "Voilà un moyen de mieux me connaître, et mes goûts sont ainsi.".
     L'escalier fleuri lors de la première représentation de Mireille au Palais Garnier.
   Un certain sens de la provocation peut-on dire.
 
Par David - Publié dans : Saison 2009/2010
Ecrire un commentaire - Voir les 9 commentaires - Recommander
Jeudi 27 août 2009
Jeudi 03 septembre 2009 sur France 3 à 00H10
Le Voyage à Reims (Rossini)
Enregistré au Châtelet.
Valery Gergiev dirige le choeur et l'orchestre du Théâtre Mariinski de Saint Petersbourg
  

Dimanche 06 septembre 2009 sur Arte à 19H00
Vivaldi: Les Quatre Saisons.

Concert chorégraphié. Akademie für Alte Musik Berlin. Midori Seiler, violon solo
Choréographie et danse : Juan Kruz Diaz de Garaio Esnaola

 
Lundi 07 septembre 2009 sur TF1 à 03H25
La Sylphide (Ballet de Filippo Taglioni sur une musique de Jean Schneitzhoeffer)

Enregistré à l'Opéra National de Paris en juillet 2004. Chorégraphie de Pierre Lacotte, avec Aurélie Dupont et Mathieu Ganio.

 
Lundi 07 septembre 2009 sur Arte à 22H25
Les sonnets de Shakespeare (par le Berliner Ensemble)

Spectacle de Bob Wilson et Rufus Wainwright. Textes de Jutta Ferbers, d'après les "Sonnets" de Shakespeare. En 2009, avec Inge Keller, Dejan Bucin, Georgette Dee, Christina Drechsler.

 
Mardi 08 septembre 2009 sur France 2 à 00H40
Concert à Schönbrunn (enregistré le 4 juin 2009)

Orchestre Philharmonique de Berlin, Daniel Barenboïm
 
Samedi 12 septembre 2009 sur France 3 à 23H40
Une journée avec Inva Mula

Documentaire sur la soprano qui interprète Mireille à l'Opéra Garnier.

 
Dimanche 13 septembre 2009 sur France 3 à 00H30
Festival d'Ambronay 2006

Messe en ré majeur (Salieri), Requiem en ré mineur (Mozart)
 
Dimanche 13 septembre 2009 sur Arte à 19H00
Oeuvres de Robert Schumann et W. A. Mozart jouées dans le cadre du 11e Festival de musique de chambre de Jérusalem.

Avec : Elena Bashkirova, Kirill Gerstein, Guy Braunstein, Michael Barenboim, Madeleine Carruzzo, Gary Hoffman

Lundi 14 septembre 2009 sur France 3 à 20H35
Mireille (Gounod) En léger différé de l’Opéra National de Paris

Inauguration de la nouvelle saison lyrique 2009/2010 depuis le Palais Garnier
Avec Inva Mula, Anna Catherine Gillet, Charles Castronovo, Franck Ferrari, Alain Vernhes, Sylvie Brunet. Direction Marc Minkowski.

Lundi 14 septembre 2009 sur Arte à 22H10
Portrait de la soprano Christine Schäfer.

Une anti diva qui produit elle-même ses disques...



Vendredi 18 septembre 2009 sur Arte à 03H00
Les sonnets de Shakespeare (par le Berliner Ensemble)

Spectacle de Bob Wilson et Rufus Wainwright. Textes de Jutta Ferbers, d'après les "Sonnets" de Shakespeare. En 2009, avec Inge Keller, Dejan Bucin, Georgette Dee, Christina Drechsler.

 
Samedi 19 septembre 2009 sur France 3 à 00H10
Toute la musique qu'ils aiment

Par le Chamber Orchestra of Europe, dir. Vladimir Jurowski.Avec Hélène Grimaud (piano)

 
Samedi 19 septembre 2009 sur France 3 à 01H30
Une journée avec Inva Mula

Documentaire sur la soprano qui interprète Mireille à l'Opéra Garnier.

 
Dimanche 20 septembre 2009 sur Arte à 19H00
Xavier de Maistre, récital de harpe


Lundi 21 septembre 2009 sur Arte à 22H35 (durée 1h35)
Une saison d’Opéra: la politique d'un homme de théâtre

Dernière saison lyrique de Gerard Mortier à la tête de l'Opéra de Paris.
Le 15 juillet dernier Gerard Mortier quittait la direction de l’Opéra de Paris, un poste qu’il occupait depuis 2004. Retour sur la dernière saison de son mandat, à travers le regard du cinéaste Richard Copans.


Mardi 22 septembre 2009 sur France 2 à 00H50
Armide (Lully)
Mise en scène Robert Carsen, direction William Christie, avec Laurent Naouri, Paul Agnew, Stéphanie d'Oustrac.
 
Samedi 26 septembre 2009 sur France 3 à 00H10
L'heure de Luciano Pavarotti

 
Dimanche 27 septembre 2009 sur Arte à 19H00
Concours international de jeunes chefs d’orchestre de Besançon 2009


Lundi 28 septembre 2009 sur Arte à 22H45
Steve Reich. Phase to face...

Le film raconte le parcours de l'artiste qui, avec son compatriote Philip Glass, est le plus talentueux représentant de la tendance " répétitive ", dont il est à l'origine.

Mardi 29 septembre 2009 sur France 2 à 00H20
Amadis (Lully)

 
Mardi 29 septembre 2009 sur Arte à 20H00
La Bohème (Puccini) Opéra en direct. La Bohème en banlieue...

Giacomo Puccini dans un immeuble de la banlieue de Berne (Suisse).
Maya Boog (Mimi), Saimir Pirgu (Rodolfo)... Mise en scène: Anja Horst. Orchestre Symphonique et Choeur de l´Opéra de Berne. Srboljub Dinic, direction
  
Par David - Publié dans : TV Lyrique
Ecrire un commentaire - Voir les commentaires - Recommander
Dimanche 23 août 2009
André Chénier (Giordano)
Représentation du 22 août 2009
Opéra d‘Helsinki

Direction musicale Alberto Hold-Garrido

Mise en scène Giancarlo Del Monaco
Coproduction avec le Teatro Comunale di Bologna

Andrea Chénier Mihail Agafonov
Maddalena de Coigny Päivi Nisula
Carlo Gérard Raimo Laukka
Madelon Hannele Aulasvuo
Roucher Olli Tuovinen
Incredibile Hannu Jurnu
Grevinnan de Coigny Sari Nordqvist

                                           Päivi Nisula (Maddalena de Coigny)

Bien que l’Opéra National de Finlande n’ait que seize ans d’existence, c'est pourtant un des rares opéras nationaux européens à proposer un festival en plein mois d’août (c’est ici que débuta en 1998, Elina Garanca, dans le Barbier de Séville, Anna Bolena et le Stabat Mater de Rossini).

Le bâtiment offre un large espace de vie, lumineux et ouvert sur les balades de la baie de Töölö, et la salle se distingue par une acoustique qui équilibre orchestre et voix avec une légère réverbération.
Les places sont très bon marché, 62 euros en première catégorie.

      L'Opéra d'Helsinki au bord de Töölönlahti.

Toutefois, le contingent de places non occupées (au moins 30%) montre qu’un travail reste à faire pour attirer un public jeune, et pour ne pas laisser l’édifice aux mains d’une classe qui vit l’opéra comme un rituel bourgeois.
Il suffit de voir la cohue à l’entracte pour obtenir les parts de gâteaux, les verres de vins et les tables numérotées réservées à l’avance.
On peut voir de jeunes couples hallucinants, déambulant comme s’ils étaient au festival de Cannes, visiblement sans conscience du ridicule lorsque le spectacle n’est pas à la hauteur.

Mais pour attirer des jeunes, il va bien falloir revoir la qualité des productions.
Car ce n’est sans doute pas le Cosi fan Tutte par Guy Joosten, façon théâtre de Marivaux, ni les Noces de Figaro par Jüssi Tapola, dont le mérite est de travailler avec peu de moyens, qui pourraient les convaincre.
Si dans le premier cas, la prestation vivante et amusante de Paolo Fanale, ainsi que le petit truc qu’il utilisait en couvrant sa voix pour toucher la sensibilité de l’auditeur, faisait l’intérêt de la représentation, la direction de Jan Latham-König était le cœur musical de la folle journée, et non pas les vocalises mozartiennes.

Il aura fallu attendre André Chénier pour commencer à vibrer. Certes, le spectacle de Giancarlo Del Monaco est du niveau de ce que l’on pouvait monter dans les années 1960, cependant, il a le mérite de la sobriété, en axant le drame sur le climat sombre de conspiration pendant les pires jours de la « Terreur ».

    Jugement d'Andrea Chénier (mise en scène Giancarlo Del Monaco)

Quelques symboles de la Révolution française viennent illustrer les principaux épisodes évoqués, comme la place de la Concorde où fût exécuté Louis XVI, ou bien Marianne avec le drapeau tricolore (mais aux bandes horizontales!).

Il faudra voir comment l’ensemble aura évolué, lors de la création à l’Opéra Bastille en décembre 2009.

La distribution est en revanche d’un grand intérêt.
Avec Mihail Agafonov, André Chénier prend vie de manière très simple et naturelle, sans aucune maladresse. Ses aigus se durcissent à peine, et tiennent la distance en force, ce qui n’empêche pas cet habile artiste d’être également très doux, des qualités très difficiles à réunir en un seul chanteur.

    Mihail Agafonov (Andrea Chénier)

Sa partenaire, Päivi Nisula, séduit tout autant dans la première partie, le timbre est d’un moelleux subtilement métallique, et chaque phrase parlée est d’une précieuse musicalité mozartienne.
Hélas, les passages purement véristes virent à des forte d’acier qui tuent toute émotion dans « La mamma morta » et lors du duo final.
La jeune femme espiègle se laisse aller à un mélo exagéré, au détriment de la tragédie.

Un peu instable, le Gérard de Raimo Laukka en tire malgré lui beaucoup d’humanité, mais deux autres chanteurs se distinguent : Olli Tuovinen, qui dote Roucher d’une voix claire et ferme qui l’impose là, d’un seul bloc, et Hannu Jurnu dont la prestance fait de Incredibile un Mephisto félin très impressionnant.

            Hannu Jurnu (Incredibile) et Raimo Laukka (Gérard)

Et n’est-elle pas touchante cette vieille Madelon, Hannele Aulasvuo, à la voix usée mais qui en dit tant sur les souffrances de cette mère qui livre son dernier petit fils à la Révolution?

Avec une direction nerveuse et spectaculaire, un peu à la Zubin Mehta, Albergo Hold-Garrido maintient la tension sans relâche, l'orchestre bouillonne, ce qui permet d’achever ces trois soirées de festival sur un inespéré moment de satisfaction.
 
Par David - Publié dans : Saison 2008/2009
Ecrire un commentaire - Voir les commentaires - Recommander
Samedi 15 août 2009
L'éclipse annulaire du 03 octobre 2005, vue partiellement à Paris.
Montage photo avec phases toutes les 5 minutes entre 10H10 et 12h05 du matin (heure locale).


Au cours de la matinée du 03 octobre 2005, Madrid avait la chance de voir le soleil prendre la forme d’un anneau.
A Paris, l’éclipse n’était que partielle, mais la portion du disque solaire recouverte était suffisamment importante (70%) pour que le changement de luminosité soit perceptible et que les contrastes s’intensifient, l'astre du jour ne culminant qu'à 27° au dessus de l'horizon au moment du maximum
Rarement le bleu du ciel ne prend une telle profondeur.


  Parcours de l'éclipse annulaire du 03 octobre 2005.
 
Par David - Publié dans : Astres
Ecrire un commentaire - Voir les commentaires - Recommander
Vendredi 14 août 2009
Deux ans après l’éclipse de 1999 en France, vécue par beaucoup sous les nuages, l’envie d’aller au rendez vous de l’éclipse suivante en Afrique devint irrépressible. Plus stable que l’Angola, la Zambie offre des conditions météorologiques favorables aussi bien pour l’observation que pour la vie quotidienne.  
Sur un plateau à plus de 1000 mètres d’altitude et en plein hiver, l’air moins chaud et moins humide qu’en été est un confort qui compense en partie la qualité rudimentaire du mode de voyage.


Au cœur d’un pays peu touristique, la nature est plus sauvage qu’ailleurs. Elle se tient à distance, difficile d’approcher de près les antilopes, et les éléphants peuvent être très agressifs, comme en témoigne l’état d’un bus que nous avons croisé après une charge frontale.
Une nuit, le fracas des branches d’un pachyderme se nourrissant tout en arpentant le camp jonché de tentes, avec obligation de ne pas bouger tout en craignant de se faire écraser, reste un excellent test de mémoire auditive.

Ne pouvant rejoindre la réserve de Kafue vers l’ouest à cause du mauvais état de la piste, nous devons nous replier au nord de Lusaka près du site aménagé pour les touristes venus en grand nombre.
Le jeudi 21 en pleine savane, les instruments astronomiques de tous types sont disséminés au milieu des tentes dès le début de l’après midi.

     La trajectoire de l'ombre de la Lune le jeudi 21 juin 2001 en Zambie

L’attente est animée par l’estimation en temps réel de la localisation de l’ombre de la Lune.
A 13H00 heure locale, l’éclipse partielle commence sur la côte angolaise, à 13H25 elle débute à l’ouest de la Zambie, à 13H40 le premier contact se produit sur notre site, et à 14H40 l’ombre de la lune entre sur le territoire africain.
Pour nous, le second contact (début de la totalité) se produit à 15H08mn40s, l’ombre se déplace à près de 4300km/h. Le spectacle à 30° au dessus de l’horizon est sensationnel, l’enthousiasme s’approche de la panique car seules trois petites minutes et trente six secondes nous sont laissées pour tout saisir.

La chute de température est très sensible, nous passons de 25°C à 18°C au moment de la totalité, mais la descente se poursuit jusqu'à 13°C, 45 minutes après l'éclipse totale, une inertie thermique considérable due à l'altitude, la faible hauteur du soleil sur l'horizon, et le fait que nous sommes en hiver.

     Le diamant. Appareil argentique Zenith 11, focale 200mm, ouverture 3.9, Iso 100.

La nature est à ce moment endormie. Le retour spontané du soleil réveille subitement un groupe de vanneaux couronnés, perturbés par le phénomène et par notre inhabituelle présence.
Leur vol tournoyant au dessus de nos têtes tout en criant va durer quelques minutes.

La Zambie, c’est aussi le souvenir des chutes Victoria se jetant le long d’une large falaise pour se concentrer dans un couloir étroit, le coucher de soleil sur le Zambèze, les crocodiles somnolents, la beauté des visages et des habits des femmes.
 
Par David - Publié dans : Astres
Ecrire un commentaire - Voir les commentaires - Recommander

Présentation

  • fomalhaut
  • : culture théâtre chant opéra lyrique Musique
  • : Ce blog est une petite étoile de plus de la nébuleuse virtuelle. Tous les comptes-rendus (terme plus exact que critiques) sont la traduction d'émotions que les évènements du monde lyrique, mais aussi du ciel ,du théâtre ou du cinéma pour n'en citer que quelques uns, auront fait naitre. Le contexte historique m'intéresse beaucoup et est une autre dominante du site.
  • Retour à la page d'accueil

Syndication

  • Flux RSS des articles

Recommander

Créer un blog sur over-blog.com - Contact - C.G.U. - Rémunération en droits d'auteur - Signaler un abus