Publié le 2 Janvier 2017

L'article qui suit est une proposition ludique qui met en avant cinquante ouvrages lyriques absents de la programmation de l'Opéra National de Paris, soit depuis sa création, soit depuis au moins cinquante ans.

La sélection proposée est totalement subjective, et prend en compte les sources littéraires, les qualités orchestrales ou la valeur historique des ouvrages dans l'histoire de l'institution, tout en ne proposant pas plus de deux oeuvres d'après le même compositeur.

Sont également prises en considération les proportions de programmation de l'institution, qui limite à 20% la présence du répertoire baroque et classique, mais j'insiste ici un peu plus sur le répertoire du XXe et XXIe siècle, qui représente plus de 35% des ouvrages parmi les propositions qui suivent. La part des opéras slaves et anglo-saxons est par ailleurs bien supérieure aux habitudes de la maison, dont la moitié des oeuvres concerne habituellement le répertoire italien.

N'apparaissent pas dans cette liste Les Huguenots, Jenufa (en langue originale), Don Pasquale et Le Turc en Italie, dont le retour sur la scène de l'Opéra du premier et l'entrée tardive au répertoire des seconds sont confirmés pour les prochaines saisons.

Cet article est donc avant tout un prétexte pour rappeler l'existence, ou bien découvrir, des oeuvres parfois oubliées. Certaines n'ont pas eu de succès à cause des incohérences de leur livret, malgré une musique raffinée, mais l'apparition de metteurs en scène de théâtre dans l'univers lyrique, depuis quelques décennies, peut tout à fait être la solution pour les restaurer sur la scène.

50 Opéras du XVIIe au XXIe siècle à programmer à l'Opéra de Paris

L’Opéra à Venise

Il Ritorno d'Ulisse in patria Claudio Monteverdi (1641)
Œuvre baroque écrite pour les théâtres publics de Venise quand Monteverdi avait plus de soixante-dix ans, à l’instar de l’Incoronazione di Poppea, Il Ritorno d'Ulisse in patria emprunte un sujet à la Grèce classique (L’Odyssée d’Homère). Les récitatifs expressifs mettent le drame au premier plan.

 

L’Opéra en France et en Angleterre avant la Révolution

Armide Jean-Baptiste Lully (1686)
Armide, d’après La Jérusalem délivrée (1581) du Tasse, est le dernier opéra de Lully. Le récitatif est la pierre angulaire de ses tragédies, mais la danse se voit accorder une place qui va conditionner l’évolution de l’opéra français. Les chœurs jouent également un rôle considérable, et la structure décorative de l’orchestre sera imitée, plus tard, par Haendel, Rameau, Gluck et Mozart.

Rinaldo Georg Friedrich Haendel (1711)
Jusqu’à la création de Rinaldo, les londoniens n’avaient guère eu l’occasion d’entendre des opéras entièrement chantés en italien. Inspirée d’un épisode de La Jérusalem délivrée (1581), l’œuvre réutilise plusieurs éléments des compositions antérieures d’Haendel.

Castor et Pollux Jean-Philippe Rameau (1737)
Héros antiques des poèmes d’Homère et d’Hésiode, Castor et Pollux ont inspiré à Jean-Philippe Rameau un de ses chefs-d’œuvre incontesté pour sa puissance dramatique et l’absence de faiblesse.

La première version, créée au Théâtre du Palais Royal en 1737, eut un succès d’estime, mais la version révisée de 1754, qui supprime le prologue (commémoration de la fin de la Guerre de Succession de Pologne), réécrit le premier acte et raccourcit les récitatifs, fut jouée en continu jusqu’en 1785. Puis, après 133 ans d’absence, l’ouvrage réapparut au Palais Garnier en 1918, dans une mise en scène de Jacques Rouché, et y resta jusqu’en 1940.

Les Fêtes de l'hymen et de l'amour, ou les Dieux d’Egypte Jean-Philippe Rameau (1747)
Créé le 15 mars 1747 dans le Manège de la Grande Ecurie de Versailles, cet opéra-ballet héroïque connut plus de 150 représentations au fil des reprises jusqu’en 1776. Jean-Philippe Rameau, continuateur le plus brillant de Lully, enrichit l’orchestre de couleurs et d’alliages fastueux et novateurs pour l’époque.

L’Opéra séria. L’Opéra de cour

Mithridate, re di Ponto Wolfgang Amadé Mozart (1770)
Sur un livret inspiré d’une traduction italienne du Mithridate de Jean Racine, Mozart, âgé de seulement quatorze ans, composa pour le Teatro Regio Ducal (la future Scala de Milan) un opéra séria qui remportera un succès retentissant. Cet opéra de jeunesse, redécouvert en 1971 au Festival de Salzbourg, est de retour sur de grandes scènes (Londres, Munich, Zurich) dans des mises en scènes inventives, mais n’a été accueilli à Paris qu’au Théâtre des Champs Elysées.

Lucio Silla Wolfgang Amadé Mozart (1772)
A la suite du succès de Mithridate, Milan passa commande à Mozart d’un nouvel opéra. Ce sera Lucio Silla, du nom du dictateur romain contemporain de Mithridate VII. L’œuvre témoignait de la maturité musicale de l’adolescent et préparait ses futurs grands chefs-d’œuvre tels Idomeneo ou La Clémence de Titus.

Iphigénie en Aulide Christoph Willibald Gluck (1774)
Premier de ses opéras parisiens, le sujet d’Iphigénie en Aulide emprunte à Racine et Homère (L’Iliade), et poursuit l’investissement délibéré de Gluck dans le développement du drame lyrique. A sa création, l’œuvre remporta un succès triomphal à la salle des Tuileries de l’Académie Royale de Musique. Le final était heureux, et Diane finissait par sauver et permettre l’union d’Achille et Iphigénie (final révisé de 1775).  Cette version se maintint au répertoire parisien jusqu’en 1824.

Plus tard, en 1847, Richard Wagner signa une version remaniée qui revint à Euripide avec un final qui voyait Diane emporter Iphigénie sur l’ile de Tauride. Version plus amère, elle permet un enchaînement naturel vers une autre œuvre tragique de Gluck, Iphigénie en Tauride (1779) qui, elle, est toujours au répertoire de l’Opéra de Paris dans une mise en scène de Krzyzstof Warlikowski.

Armide Christoph Willibald Gluck (1777)
Reprenant le même livret de Philippe Quinault que Lully avait utilisé pour son Armide (1686), l’Armide de Gluck devint un opéra-spectacle qui donna à l’orchestre un pouvoir émotionnel fascinant là où l’œuvre du compositeur baroque confiait ce rôle aux voix seules.
Armide a disparu du répertoire parisien à la veille de la Grande Guerre, en 1913.

L’Opéra post-révolutionnaire en France, en Italie et en Allemagne

Lodoiska Luigi Cherubini (1791)
Cet ouvrage mélodramatique situé en Pologne, près de la frontière russe, s’achève par un dénouement wagnérien, mais présente, tout au long de son développement, nombre d’analogies avec Mozart, inconnu à Paris, à cette époque, où Cherubini réside. 
L’invention musicale et les qualités dramaturgiques de la pièce peuvent donner matière à un passionnant déploiement théâtral.

Tancredi Gioacchino Rossini (1813)
Si le succès des opéras bouffes de Rossini n’a jamais faibli, ses opéras séria sont tombés dans l’oubli entre les deux guerres mondiales. Premier du genre pour le compositeur, Tancredi est inspiré de la tragédie de Voltaire, Tancrède (1760).  

La virtuosité de ses airs requiert des interprètes doués d’une capacité d’ornementation hors pair. 

Il n’en existe pas moins de 3 versions : celle de la création vénitienne de février 1813, celle révisée de Ferrare un mois plus tard, fidèle au final tragique de Voltaire, et dont on n’a retrouvé la partition qu’en 1974 (c’est la version la plus jouée aujourd’hui), et la version de Milan, de décembre 1813, qui revient au final heureux avec l’addition de nouveaux airs.

Der Freischütz Carl Maria von Weber (1821)
Très influencé par les écrivains de son temps qui, pour beaucoup, étaient de ses amis, Carl Maria von Weber participa au développement d’un romantisme allemand naissant, mouvement essentiellement spirituel qui se démarquait des nouvelles valeurs sociétales issues de la Révolution Française. 
Der Freischütz, inspiré d’une nouvelle fantastique de Johann August Appel, découle de ces influences, et la prégnance, dans cette œuvre, de forces surnaturelles et de l’opposition entre bien et mal se démarque de l’humanisme du Fidelio de Beethoven.

En 1841, l’ouvrage fit son entrée à l’Opéra de Paris, dans une version française pour laquelle Hector Berlioz réécrivit les récitatifs et ajouta quelques pages du compositeur. Cette version, qui sera jouée jusqu’à Berlin, restera au répertoire de l’institution jusqu’en 1927.

Il Viaggio a Reims Gioacchino Rossini (1825)
Créé au Théâtre des Italiens, Il Viaggio a Reims a été composé à l’occasion du Sacre de Charles X à Reims. L’œuvre nécessite une distribution pléthorique – 18 chanteurs –, et concentre le meilleur de l’écriture musicale de Rossini, bien qu’il s’auto parodie pour le plaisir de la dérision.

Oberon Carl Maria von Weber (1826)
Le dernier opéra de Carl Maria von Weber, adaptation d’un poème de Wieland, fut créé à Londres, dans la langue de Shakespeare. Maria Callas a elle-même enregistré ‘Ocean, thou mighty monster’, mais aucun enregistrement en langue originale n’existe toujours aujourd’hui.

L’œuvre, complexe musicalement, exige également un metteur en scène imaginatif pour adapter à la scène une œuvre difficile théâtralement parlant.

L’Opéra de Paris programma l'oeuvre en 1954, dans une mise en scène de Maurice Lehmann et avec Denise Duval dans le rôle de Fatima.

Il Pirata Vincenzo Bellini (1827)
Adapté de la pièce Bertram ou le Pirate créée au Panorama-Dramatique – un théâtre parisien du boulevard du Temple -, Il Pirata témoigne de la première coopération entre le célèbre librettiste italien du moment, Felice Romani, et le compositeur italien.

Cet opéra, comme les suivants, I Capuleti e i Montecchi, La Sonnanbula, Norma, I Puritani, nécessite une équipe entière d’excellents chanteurs.

L’Opéra romantique italien et ses grandes scènes de folie seront dorénavant promis à un avenir prolifique.

Anna Bolena Gaetano Donizetti (1830)
C’est avec Anna Bolena que le public parisien a découvert Gaetano Donizetti au Théâtre des Italiens, premier opéra où il donna la pleine mesure de son talent, après une série de farces et d’opéras bouffes. L’œuvre s’inspire d’Enrico VIII, d’Ippolito Pindemonte, et d’Anna Bolena d’Alessandro Pepoli. La qualité des ensembles et l’aspect spectaculaire de certains airs ne trouvèrent qu’en 1957 une interprète comme Maria Callas pour les faire revivre.

Lucrezia Borgia Gaetano Donizetti (1833)
Adaptée du drame de Victor Hugo, Lucrèce Borgia (1833), par Felice Romani - drame qui forme un ensemble avec Le Roi s’amuse (1832) -, la création parisienne de l’œuvre, en 1840, déclencha les poursuites judiciaires de la part du dramaturge français. L’œuvre fut alors jouée jusqu’en 1845 sous le titre La Rinegata

Lors de reprise à La Scala, Donizetti apporta des modifications importantes dont la suppression du grand air final de Lucrezia, remplacé par un air pour le ténor.

L’Opéra en Europe et en Russie, des nationalismes à la chute des Empires

Une vie pour le Tsar Mikhaïl Glinka (1836)
De 1830 à 1833, Mikhaïl Glinka parcourut l’Europe puis rentra en Russie, décidé à composer un opéra réellement national. Le poète Vassili Joukovski lui proposa un sujet historique dont il tira Ivan Soussanine (ou Une vie pour un Tsar), créé avec grand succès au Bolshoï sur une musique d’une indéniable facture italienne.

Rienzi Richard Wagner (1842)
Wagner composa à Riga son troisième opéra, Rienzi, adaptation d’un roman de Bulwer Lytton du même titre. Il rêvait d’être joué à l’Opéra de Paris et donna à cette œuvre les dimensions monumentales de Guillaume Tell ou des Huguenots. L’ouvrage sera créé à Dresde et non à Paris. Rienzi est la dernière œuvre des années de formation de Wagner, durant lesquelles ce dernier tenta de s’imposer dans l’opéra conventionnel italien ou français.

Ruslan and Lyudmila Mikhaïl Glinka (1842)
Dans Ruslan et Lyudmila, le style russe de Mikhaïl Glinka est manifeste. L’œuvre recèle vigueur, élan, couleur harmonique et orchestrale que l’on retrouvera chez tous les compositeurs postérieurs comme Borodine, Moussorgsky ou Tchaïkovski.

I Lombardi alla Prima Crociata Giuseppe Verdi (1843)
Basé sur un poème héroïco-comique de Tommaso Grossi, I Lombardi alla Prima Crociata profita du succès de Nabucco pour porter un thème religieux fort sur la scène de Milan. Mais son succès purement italien souligna à quel point la dimension patriotique du livret primait sur son intérêt dramaturgique.

Verdi adapta son quatrième opéra milanais pour Paris, en 1847, sous le titre de Jérusalem. Il fut repris une dernière fois au Palais Garnier en 1984.

Ernani Giuseppe Verdi (1844)
Incontournable du répertoire verdien inspiré du roman de Victor Hugo, Ernani n’a jamais été représenté à l’Opéra de Paris, sinon au théâtre des italiens sous le titre Il proscritto. Le dynamisme de l’intrigue et la fougue de la musique portent au sommet la nature agitatrice du jeune Giuseppe Verdi. 

Le Prophète Giacomo Meyerbeer (1849)
De son vrai nom Jakob Beer, Giacomo Meyerbeer était un berlinois qui faisait partie de l’entourage de Weber. Il avait fait jouer plusieurs opéras en Allemagne et en Italie avant d’arriver à Paris en 1826. Sa réputation repose essentiellement sur les pièces qu’il composa avec Scribe pour l’Opéra de Paris, principalement dans le genre historique.
Le Prophète, qui évoque la révolte des Anabaptistes de Hollande au XVIe siècle, une secte allemande qui souhaitait établir une théocratie dans la ville allemande de Münster, fut joué 565 fois à l’Opéra de Paris, jusqu’en 1912.

La Nonne sanglante Charles Gounod (1854)
Sur un livret d’Eugène Scribe, basé sur une nouvelle de Matthew Lewis, The Monk, passée dans les mains de huit compositeurs tels Berlioz, Verdi et Meyerbeer, Gounod a finalement créé une œuvre qui lui a valu bien des louanges sur le plan musical. L’œuvre fut jouée 11 fois à la salle Le Peletier en 1854, mais n’a jamais été reprise, suite au changement de directeur de l’institution à cette époque.

Hamlet Ambroise Thomas (1868)
Sur une musique gracieuse et mélodique, Ambroise Thomas a adapté pour le public français un des chefs-d’œuvre de Shakespeare en le centrant sur l’amour entre Ophélie et le héros. Olivier Py, dans sa mise en scène dédiée au Théâtre an der Wien et au Théâtre de la Monnaie, a montré récemment la puissance théâtrale d’une œuvre qui a totalisé près de 300 représentations depuis l’ouverture du Palais Garnier jusqu'à la veille de la seconde guerre mondiale.

Hérodiade Jules Massenet (1881)
Inspirée de l’Hérodias de Gustave Flaubert, à l’instar de la tragédie Salomé d’Oscar Wilde, l’œuvre n’est entrée au répertoire de l’Opéra de Paris qu’en 1921, bien après Milan, Bruxelles et Budapest, à l’initiative de Jacques Rouché. Elle y est restée jusqu’en 1947, après 180 représentations. Massenet n’a cessé de remanier sa partition jusqu’en 1895, réduisant le rôle d’Hérodiade mais ne parachevant pas le lien dramatique entre l’ensemble des tableaux.

Mazeppa Piotr Ilitch Tchaïkovski (1884)
A nouveau, c’est un poème de Pouchkine, Poltava, qui est l’inspirateur d’un opéra de Tchaïkovski.

L’histoire d’amour entre le vieux Mazeppa, chef des armées d’Ukraine, et Maria, la fille de Kotchoubeï, gouverneur de Poltava, se déroule sur fond d’alliance avec la Suède et la Pologne, vers 1708, pour séparer l’Ukraine de la Russie de Pierre le Grand.

Mazeppa est également un poème qui fait partie des Orientales de Victor Hugo.

Sigurd Ernest Reyer (1884)
Basé sur les mêmes légendes nordiques que l’Anneau du Nibelung de Richard Wagner, Sigurd est une épopée que l’Opéra de Paris refusa à deux reprises de représenter, en 1866 et 1870, avant que la Monnaie de Bruxelles n’accepte d’en porter la création sur sa propre scène à l’instar d’Hérodiade de Massenet.
La puissance de l’œuvre ne s’installera finalement au Palais Garnier, en version intégrale, qu’à partir de 1892, après la version abrégée de 1885, pour un total de 252 représentations jusqu’en 1935.

Prince Igor Alexandre Borodin (1890)
Inspirée probablement des évènements décrits dans le poème médiéval Le Dit de la campagne d’Igor, l’œuvre relate la lutte entre les jeunes états russes chrétiens et les tribus eurasiennes de Coumans (les Polovtsiens – en russe Les couleurs fauves) qui percèrent en Europe jusqu’au Royaume de Hongrie au XIIe siècle, avant l’arrivée des Mongols. Sa musique est une des plus somptueuses du répertoire russe.

A sa mort, en 1887, Borodine laissa une partition plusieurs fois remaniée mais inachevée, que Rimski-Korsakov et Glazounov complétèrent dès 1885.

La création eut lieu à Moscou en 1890, mais l’Opéra de Paris n’accueillit une troupe que fin 1969 pour 7 représentations seulement.

 

En 1983, les travaux de Pavel Lamm furent publiés. Ils révélèrent que Rimski-Korsakov et Glazounov avaient supprimé un cinquième de la partition. Ainsi, c’est en 1993 que Valery Gergiev interpréta la version intégrale.

Fedora Umberto Giordano (1898)
C’est une pièce de Victorien Sardou, Fedora, née d’un début de collaboration entre l’écrivain français et l’actrice Sarah Bernhardt – collaboration qui se poursuivra notamment avec Tosca -, qui est à l’origine de cette œuvre conçue comme une conversation en musique.
Le premier acte se situe à Saint-Petersburg, le second à Paris, le dernier en Suisse, et la musique évoque aussi bien l’univers de Capriccio (Richard Strauss) que de La Rondine (Giacomo Puccini). Fedora est surtout une œuvre écrite pour les grandes cantatrices véristes.

Ariane Jules Massenet (1906)
Après douze ans de créations à l’Opéra-Comique, l’Opéra de Monte-Carlo et au Covent Garden, Massenet revint à l’Opéra de Paris avec une de ses œuvres les plus wagnériennes, orchestralement et vocalement parlant. La mythologie d’Ariane réunit autour d’elle Thésée, Phèdre et Perséphone, sous l’inspiration de la tragédie antique de Sénèque.
Soixante représentations de 1906 à 1908, puis dix en 1937, les faiblesses du livret d’Ariane sont compensées par un lyrisme passionné.

La légende de la ville invisible de Kitège Nikolaï Rimsky-Korsakov (1907)
Le livret de Vladimir Bielski emprunte à deux légendes du treizième siècle, Sainte Frevoniya de Mourom et La ville disparue de Kitège. Chronologiquement, l’action se situe juste après celle du Prince Igor de Borodine, lorsque les Tatars envahissent les territoires slaves.
Rimsky-Korsakov considéra cet ouvrage monumental comme son testament artistique, sans imaginer qu’il composerait peu après une satire politique, Le Coq d’Or.

 

L’Opéra en Europe et en Russie au XXe siècle des dictatures

Le Coq d’Or Nikolaï Rimsky-Korsakov (1909)
La révolution russe de 1905, qui suivit la répression sanglante d’une manifestation populaire sur la place du palais d’hiver de Saint-Pétersbourg, marqua profondément Nikolaï Rimski-Korsakov. Conscient que la censure ne l’épargnerait pas, le compositeur russe décida d’écrire un opéra à la satire dissimulée à l’encontre du Tsar Nikolay II.  
L’œuvre apparut en 1914 sur la scène du Palais Garnier, 5 ans seulement après la création au théâtre Solodovnikov de Moscou, et s’y maintint jusqu’en 1947.

Le Rossignol Igor Stravinsky (1914)
Créé au Palais Garnier le 26 mai 1914, Le Rossignol y fut repris deux jours après et disparut du répertoire à cause de la Guerre. L’opéra est tiré d’un Conte de Christian Andersen, Le Rossignol et l’Empereur de Chine, et sa composition fut interrompue en 1908, à la mort de Nikolai Rimski-Korsakov qui suivait de près Igor Stravinsky dans son travail. L’ouvrage ne sera achevé qu’après L’Oiseau de feu et Le Sacre du Printemps, ce qui explique la richesse de ses atmosphères sonores.

Une Tragédie Florentine Alexandre von Zemlinsky (1917)
D’après la pièce d’Oscar Wilde Une Tragédie florentine, cet opéra d’Alexander von Zemlinsky est fortement influencé par le suicide du peintre Richard Gerstl, amant de la sœur du musicien, Mathilde Schönberg, après qu’elle eut décidé de revenir auprès de son mari, Arnold Schönberg.
Son sujet, la force de l’attraction animale, est d’une violence insurpassée.

Le Joueur Sergueï Prokofiev (1929)
Sergueï Prokofiev est de loin le meilleur spécialiste de l’opéra soviétique. Son adaptation du Roman de Dostoïevski, Le Joueur – Janacek adaptera, peu après, un autre de ses romans, Souvenirs de la maison des morts -, se veut une cassure stylistique afin d’approcher la variété de l’écriture littéraire par une orchestration tendue de bout en bout.

Osud Leos Janacek (1934)
Leos Janacek débuta la composition d’Osud (Le Destin) en 1903 et l’acheva en 1907, sous l’inspiration d’une rencontre romantique avec une jeune femme, Kamila Urvalkova.
Le livret, sans véritable ressort dramatique, est plus un prétexte pour décrire des atmosphères étouffantes et déployer une musique exubérante.  En 2002, Robert Wilson réussit pour l’Opéra de Prague et le Teatro Real de Madrid une mise en scène centrée sur l’intériorité et l’écoute de cette orchestration fascinante.

Œdipe George Enescu (1936)
L’adaptation lyrique de la tragédie de Sophocle par Edmond Fleg, homme de théâtre et l'un des premiers sionistes français, est la plus complète des deux autres versions connues d’Antonio Sacchini (1786) et d’Igor Stravinsky (1927). Cette œuvre monumentale raconte toutes les étapes de la vie d’Œdipe, père d’Antigone et d’Ismène, et fut bien accueillie lors de sa première au Palais Garnier en 1936 (10 représentations en furent données de 1936 à 1937, et deux en roumain, en 1963, dans le cadre d’une tournée de l’Opéra de Bucarest).

Riders to the sea Ralph Vaughan Williams (1937)
Sur la base d’un livret qui reprend tel quel le texte de la pièce du dramaturge irlandais John Millington Spynge, Ralph Vaughan Williams a composé son chef-d’œuvre sur une musique qui évoque le mouvement de la mer. L’œuvre place en son centre la relation complexe entre les marins de la côté ouest irlandaise et la mer qui les emporte – la pièce est écrite dans un dialecte des îles d’Aran.

L’Opéra en Europe dans l'après-guerre du XXe siècle 

Dantons Tod Gottfried von Einem (1947)
C’est en 1939 que Gottfried von Einem découvrit la pièce de Georg Büchner (l’auteur de Woyzeck), La Mort de Danton.

L’attentat manqué contre Hitler fut l’évènement déclencheur de la composition d’un opéra littéraire sur ce leader qui se retourna contre le gouvernement de Robespierre et sa politique basée sur la terreur.

Le style musical est plus proche de celui de Richard Strauss ou Paul Hindemith que de celui d’Alban Berg, et l’œuvre devint la première création d’après-guerre au Festival de Salzbourg. Von Einem remania la partition après la première pour lui donner une force dramatique encore plus importante.

Die Liebe der Danae Richard Strauss (1952)
Ultime opéra du compositeur autrichien, l’œuvre n’a été jouée qu’une seule fois au Palais Garnier, le 16 mai 1953, en langue française. Définie comme une ‘Mythologie Joyeuse’, elle pâtit de la reconnaissance mondiale de Capriccio comme le véritable testament de Richard Strauss, et d’un livret qui n’est pas du niveau de ceux conçus par le musicien et son collaborateur, Hugo Von Hofmannsthal, qui n’avait écrit qu’un scénario en 1920. Néanmoins, Strauss considéra la musique du troisième acte, le plus long, comme une de ses meilleures pages.

Alvis Hermanis en a réalisé une nouvelle production au Festival de Salzbourg en août 2016.

Boulevard Solitude Hans Werner Henze (1952)
Inspiré de Manon Lescaut de l’abbé Prévost, Boulevard Solitude est le premier opéra d’un compositeur allemand âgé de seulement 26 ans qui ne connaissait que les versions de Massenet et de Puccini. Son action est relocalisée dans le Paris d’après-guerre et la musique est imprégnée, entre autre, d’influence bergienne mais également jazz, bien que tonalité et atonalité s’y côtoient en toute liberté.

A Midsummer Night’s Dream Benjamin Britten (1960)
Brillamment adapté de la pièce de William Shakespeare, Le Songe d’une nuit d’été conserve les ressorts fantastiques de la comédie originale et jouit d’une musique magnifiquement inspirée. Créée au Festival d’Aldeburgh en 1960, avec Alfred Deller dans le rôle d’Oberon, l’œuvre s’est rapidement imposée sur les scènes internationales.

En 1991, Robert Carsen réalisa une mise en scène légendaire pour le Festival d’Aix en Provence où elle fut reprise en 2015 après un quart de siècle de voyage.

Le Roi David Arthur Honegger (1960)
Le Roi David est une œuvre musicale qui existe en deux versions, l’une composée en 1921 pour un orchestre de 17 musiciens, chœur mixte et solistes au Théâtre du Jorat de Charleville Mézières, l’autre réorchestrée en oratorio et traduite en allemand en 1923 à Winterthour, en Suisse, qui la débarrasse de son trop plein sensualiste.

Arthur Honegger confia le texte à l’écrivain René Morax qui y vit une occasion de rapprocher la Bible de sa fascination pour l’Orient des Indes.

L’Opéra de Paris accueillit l’ouvrage pour 7 représentations en 1960, dans une mise en scène de Maurice Sarrazin, et l’institution l'a récemment programmé pour un soir, en version concert, le 25 mars 2011, dans sa version originale, sous la direction de Patrick Marie-Aubert.

King Priam Michael Tippett (1962)
Après son premier opéra, Midsummer Marriage (1955), Michael Tippett créa King Priam à l’occasion de l’inauguration de la nouvelle cathédrale de Coventry, pour laquelle fut également composé le War Requiem de Benjamin Britten. Basée sur le texte de l’Iliade d'Homère, l’intrigue aborde les questions morales que pose l’existence, à commencer par la révélation à Priam du destin de son fils nouveau-né, Pâris, qui sera responsable de sa mort.

La force de l’écriture musicale de Michael Tippett comporte également des touches d’originalités avec l’insertion de passages joués à la guitare, dans l’air ‘O rich soiled land’ chanté par Achille pour Patrocle.

Death in Venice Benjamin Britten (1973)
L’adaptation du roman de Thomas Mann par Benjamin Britten est plus fidèle à l’ouvrage que le film de Luchino Visconti réalisé à la même époque. L’élément marin est toujours présent, comme dans la plupart des œuvres du compositeur britannique, et l’essentiel du rôle principal, écrit pour le ténor Peter Pears, est un long monologue qui traduit les errances de son esprit à l’approche de la mort.

Satyagraha Philip Glass (1979)
Sur un livret écrit par la romancière américaine Constance DeJong, Philip Glass choisit Gandhi comme sujet de son second opéra après la réussite d' Einstein on the Beach qui avait enthousiasmé Avignon en 1976, et qui a récemment été repris au Théâtre du Châtelet en 2014.

L’opéra revient sur le combat du guide spirituel contre le ‘black-act’ en Afrique du Sud, et relie le théoricien de ‘L’étreinte de la vérité’, principe de la non-violence par la désobéissance, à trois grands personnages, Tolstoï, Rabindranath Tagore et Martin Luther King.

Orphée Philip Glass (1991)
Premier volet d’une trilogie dédiée à Jean Cocteau, Orphée est un opéra de chambre écrit en hommage au film surréaliste Orphée (1950) du poète et cinéaste français. La structure répétitive de la musique de Philip Glass réalise un effet hypnotique caractéristique des compositions du musicien américain, mais intègre également des sonorités empruntées au jazz et des impressions d’apesanteur musicale.

L’Amour de loin Kaija Saariaho (2000)
L’Amour de loin est le premier opéra de Kaija Saariaho commandé par Gerard Mortier pour le Festival de Salzbourg en coproduction avec le Théâtre du Châtelet. Sur le livret poétique d’Amin Maalouf, la compositrice finlandaise, qui vit à Paris, a écrit une musique surnaturelle et créé le rôle de Clémence pour la soprano Dawn Upshaw.
Fin 2016, le New-York Metropolitan Opera confia une nouvelle production de l'ouvrage à Robert Lepage.

The Tempest Thomas Ades (2004)
Sur un livret adapté de la pièce de William Shakespeare, La Tempête, de façon à en compacter le texte, le compositeur britannique a produit une musique ayant sa propre force théâtrale, qui lui valut un triomphe au Covent Garden et une reprise 3 ans plus tard.
En 2012, le New-York Metropolitan Opera confia, à l'instar de l’Amour de Loin de Kaija Saariaho, une nouvelle production à Robert Lepage.

Voir les commentaires

Publié le 2 Janvier 2017

TV-Web Janvier 2017 Lyrique et Musique

Chaînes publiques

Dimanche 01 janvier 2017 sur France 2 à 11h05
Concert du nouvel an de Vienne - Philh de Vienne - dm Dudamel

Dimanche 01 janvier 2017 sur Arte à 18h40
Concert de Noël à la Fenice de Venise - dm Luisi

Feola - Osborn

Dimanche 08 janvier 2017 sur France 3 à 00h30
Le Vaisseau Fantome (Wagner) - ms Schulin - dm Roth

Walker - Brimberg - Reijans

Dimanche 08 janvier 2017 sur Arte à 18h20
Ravel, Poulenc, Chabrier, Massenet - dm Simon Rattle - Philh. de Berlin

Dimanche 08 janvier 2017 sur Arte à 23h50
Sous le charme d'Anne-Sophie Mutter

Lundi 09 janvier 2017 sur Arte à 00h45
Symphonie n°9 (Beethoven) et Concerto pour piano n°22 (Mozart) - dm Rattle

Dimanche 15 janvier 2017 sur France 3 à 00h30
Orfeo (Rossi) - ms Mijnssen - dm Pichon - Ensemble Pygmalion

Van Wanroij - Aspromonte - Bridelli - Semenzato, Donato

Dimanche 15 janvier 2017 sur Arte à 16h35
L'Elbphilharmonie à la figure de proue de Hambourg

17h30 Concert d'ouverture - dm Hengelbrock

Dimanche 15 janvier 2017 sur Arte à 23h50
Le Choeur de l'église Sainte-Croix de Dresde

Lundi 16 janvier 2017 sur Arte à 02h00
Intégrale des symphonies de Brahms - dm Hengelbrock

Vendredi 20 janvier 2017 sur France 2 à 00h45
Didon et Enée (Purcell) - ms Lubek - dm Dumestre - Le Poème Harmonique

Genaux - Neven - Quintans - Mauillon

Dimanche 22 janvier 2017 sur France 3 à 00h30
La Naissance d'Osiris. Daphnis et Eglé (Rameau) - ms Daneman - dm Christie

Van Mechelen - Fonnard - Leger - Richard

Dimanche 22 janvier 2017 sur Arte à 18h20
Danses slaves (Dvorak) - dm Rattle - Philh. de Berlin

Dimanche 29 janvier 2017 sur Arte à 18h30
La Valse, Daphnis et Chloe (Ravel) - dm Mehta - Philh. d'Israel

Mezzo et Mezzo HD

Dimanche 01 janvier 2017 sur Mezzo HD à 20h30
Agrippina de Haendel au Theater an der Wien

Mercredi 04 janvier 2017 sur Mezzo à 20h30
Valery Gergiev dirige Eugène Onéguine de Tchaïkovski au Mariinsky

Vendredi 06 janvier 2017 sur Mezzo HD à 20h30
Idomeneo de Mozart au Theater An Der Wien

Samedi 07 janvier 2017 sur Mezzo à 20h30
Valery Gergie dirige Samson et Dalila de Saint-Saëns

Dimanche 08 janvier 2017 sur Mezzo HD à 20h30
Les Troyens de Berlioz au Royal Opera House

Mercredi 11 janvier 2017 sur Mezzo à 20h30
Valery Gergiev dirige Guerre et Paix de Prokofiev au Mariinsky de Saint-Pétersbourg

Jeudi 12 janvier 2017 sur Mezzo HD à 20h30
Macbeth de Verdi au Royal Opera House de Londres

Samedi 14 janvier 2017 sur Mezzo à 20h30
Jonas Kaufmann chante Parsifal de Wagner au Metropolitan Opera de New York

Dimanche 15 janvier 2017 sur Mezzo HD à 20h30
Agrippina de Haendel au Theater an der Wien

Mercredi 18 janvier 2017 sur Mezzo à 20h30
La Finta Giardiniera de Mozart au Festival d'Aix-en-Provence

Vendredi 20 janvier 2017 sur Mezzo HD à 20h30
Idomeneo de Mozart au Theater An Der Wien.

Samedi 21 janvier 2017 sur Mezzo à 20h30
William Christie dirige Didon et Enée de Purcell à l'Opéra Comique

Samedi 21 janvier 2017 sur Mezzo HD à 22h30
Macbeth de Verdi au Royal Opera House de Londres

Dimanche 22 janvier 2017 sur Mezzo HD à 20h30
Les Troyens de Berlioz au Royal Opera House

Mercredi 25 janvier 2017 sur Mezzo à 20h30
Kent Nagano dirige Boris Godounov de Moussorgski à Munich

Vendredi 27 janvier 2017 sur Mezzo HD à 20h30
Les Troyens de Berlioz au Royal Opera House

Samedi 28 janvier 2017 sur Mezzo à 20h30
Idomeneo de Mozart au Theater An Der Wien

Web : Opéras en accès libre (cliquez sur les titres pour les liens directs avec les vidéos)

Sur Concert Arte

Macbeth (Théâtre de la Monnaie de Bruxelles)

"Kalila Wa Dimna" de Moneim Adwan au Festival d'Aix-en-Provence

La Flûte Enchantée (Académie du Teatro alla Scala)

L'Orfeo (Opéra de Lausanne) - ms Robert Carsen

Samson et Dalila (Opéra National de Paris)

Norma (Teatro Real de Madrid) - ms Davide Livermore

Manon (Grand Théâtre de Genève) - ms Olivier Py

Mefistofele (Festival de Baden Baden) - ms Philipp Himmelmann

Les Trois Ténors - les inédits

 

Sur Operaplatform, Culturebox etc...

I Puritani - Opéra de Paris - jusqu'au 06 janvier 2017

Il Trionfo del Tiempo e del Disinganno - Aix en Provence jusqu'au 07 janvier 2017

La Flûte Enchantée (Opéra Royal de Wallonie) jusqu’au 05 janvier 2017

Pelléas et Mélisande - Aix en Provence jusqu'au 06 janvier 2017

L'Enlèvement au Sérail - Opera de Lyon jusqu'au 10 janvier 2017

Les Damnés (Festival d'Avignon) jusqu'au 11 janvier 2017

Madame Butterfly - Chorégies d'Orange jusqu'au 14 janvier 2017

Oedipe Rex - Aix en Provence jusqu'au 18 janvier 2017

"In Parenthesis" au Wales Millennium Center jusqu'au 31 janvier 2017

 

La Traviata - Chorégies d'Orange jusqu'au 04 février 2017

Orfeo - Rossi (Opéra de Nancy) jusqu'au 09 février 2017

Le Vaisseau Fantôme (Teatro Real de Madrid) jusqu'au 12 février 2017

Les Chevaliers de la table ronde d'Hervé (Teatro Malibran) jusqu'au 15 février 2017

Labirinto d'amore (Festival de Sable) jusqu'au 25 février 2017

Alcina (Grand Théâtre de Genève) jusqu'au 25 février 2017

 

Otello (Teatro Real de Madrid) jusqu'au 23 mars 2017

Le Prince Igor (Bolshoi) jusqu'au 24 mars 2017

Les Noces de Figaro (Opera d'Amsterdam) jusqu'au 26 mars 2017

 

Les Stigmatisés (Opéra de Lyon) jusqu'au 06 avril 2017

Sancta Susanna (Opéra de Lyon) jusqu'au 06 avril 2017

Von Heute auf Morgen (Opéra de Lyon) jusqu'au 06 avril 2017

Eliogabalo (Opéra National de Paris) jusqu'au 08 avril 2017

Manon Lescaut (Aubert) - Opéra Royal de Wallonie jusqu'au 17 avril 2017

La Bohème - Teatro Regio jusqu'au 20 avril 2017

Goplana - Polish National Opera jusqu'au 02 mai 2017

The Nose - Covent Garden jusqu'au 08 mai 2017

Les Contes d'Hoffmann (Opéra National de Paris) jusqu'au 22 mai 2017

Les perles de Cléopâtre (Komische Oper Berlin) jusqu'au 02 juin 2017

L'Amico Fritz - Teatro de la Fenice jusqu'au 03 juin 2017

Le Coq d'Or (La Monnaie de Bruxelles) jusqu'au 22 juin 2017

La Bohème - Opera de Liège jusqu'au 24 juin 2017

La Cenerentola (Opéra de Lille) jusqu'au 20 octobre 2017

Nabucco (Opera Royal de Wallonie) jusqu'au 27 octobre 2017

Aquagranda de Filippo Perocco (Teatro La Fenice) jusqu'au 14 novembre 2017

Le Requiem de Mozart (Philharmonie de Paris) - dm rené Jacobs - jusqu'au 26 novembre 2017

Don Giovanni (Opéra de Liège) jusqu'au 23 novembre 2017

Le Vaisseau Fantome (Teatro Real de Madrid) jusqu'au 27 décembre 2017

La Bohème (Festival d'Opéra en plein air) jusqu'au 29 décembre 2017

Voir les commentaires

Rédigé par David

Publié dans #TV Lyrique

Publié le 23 Décembre 2016

Rapprochement Lune-Jupiter-Spica du 23 décembre 2016

Vendredi 23 décembre, dans les lueurs de l’aube qui, une heure trente avant le lever du Soleil, commencent à éclaircir l’horizon, la Lune, Jupiter et l’étoile Spica se retrouvent pour dessiner un triangle sur les flancs de la Vierge.

S’admire ainsi l’éclat du satellite terrestre qui se réfracte à travers un fin nuage pour en concentrer un rayon en direction de l’étoile principale de la constellation.

La Lune, Jupiter (en haut, à droite), et Spica (en bas) le 23 décembre 2016 à 07h30 Heure locale

La Lune, Jupiter (en haut, à droite), et Spica (en bas) le 23 décembre 2016 à 07h30 Heure locale

Jupiter, encore située à 850 millions de kilomètres, se rapproche dorénavant de nous. Nous en serons au plus proche le 07 avril 2017, où son diamètre apparent aura alors augmenté d’un quart de ses dimensions actuelles.

Voir les commentaires

Rédigé par David

Publié dans #Astres

Publié le 5 Décembre 2016

Iphigénie en Tauride (Christoph Willibald Gluck)
Représentations du 04 et 22 décembre 2016
Palais Garnier

Iphigénie Véronique Gens
Oreste Etienne Dupuis
Pylade Stanislas de Barbeyrac
Thoas Thomas Johannes Mayer
Diane Adriana Gonzalez
Une femme grecque Emanuela Pascu
Un Scythe Tomasz Kumiega
Iphigénie (rôle non chanté) Renate Jett
Oreste (rôle non chanté) Pablo Villaud-Vivien

Mise en scène Krzysztof Warlikowski (2006)
Décors, costumes Malgorzata Szczesniak
Direction musicale Bertrand de Billy                                
Stanislas de Barbeyrac (Pylade)

Après Alceste et Orphée et Eurydice, Iphigénie en Tauride fait partie des trois oeuvres de Christoph Willibald Gluck régulièrement représentées à l’Opéra National de Paris depuis 1973, date de l’arrivée de Rolf Liebermann à la direction de l’institution. Toutefois, elle est la seule créée particulièrement pour Paris, les deux autres étant des adaptations françaises des versions originales viennoises.

Véronique Gens (Iphigénie)

Véronique Gens (Iphigénie)

Et autant cette Iphigénie mit fin à la querelle entre les défenseurs de l’italien Piccini et les défenseurs du protégé de Marie-Antoinette, autant la version scénique qui en fut donnée en 2006, avec le soutien de Gerard Mortier, ouvrit un nouveau débat autour de la confrontation entre interprétation métaphysique et fidélité à la littéralité de l’ouvrage.

Car Krzysztof Warlikowski, riche d’un passé théâtral précédemment développé en Pologne, et apparu quelques années auparavant au Festival d’Avignon, entend reprendre les mythes anciens pour nous parler de l’homme contemporain et de ses névroses.

Renate Jett (Iphigénie)

Renate Jett (Iphigénie)

Iphigénie est une femme sacrifiée par sa famille, n’ayant pas assisté aux massacres survenus à Mycènes, au retour d’Agamemnon de la guerre de Troie, mais qui en a le pressentiment à travers ses propres cauchemars.

Nous ne la retrouvons donc pas en toge blanche sur une île déserte stylisée telle qu’elle est représentée au Théâtre des Abbesses, au même moment, dans une mise en scène de Jean-Pierre Vincent, mais dans une maison de retraite, à la fin de sa vie.

Renate Jett (Iphigénie) et Thomas Johannes Mayer (Thoas)

Renate Jett (Iphigénie) et Thomas Johannes Mayer (Thoas)

Un dragon rouge serpente sur le fond de scène, signe que le metteur en scène va s’intéresser aux monstres qui hantent l’âme humaine, des vieilles dames déambulent dans cet espace clos, et une paroi semi-réfléchissante définit des espaces distincts afin de faire vivre en même temps le présent, pathétique, les souvenirs de l’enfance, en famille, et les mécanismes psychanalytiques qui régissent les êtres.

Véronique Gens apparaît soit dans son costume de vieille actrice, soit en robe rouge, au printemps de sa jeunesse, et une comédienne, Renate Jett, la double, aussi bien dans le passé que dans le présent.

Stanislas de Barbeyrac (Pylade) et Etienne Dupuis (Oreste)

Stanislas de Barbeyrac (Pylade) et Etienne Dupuis (Oreste)

Pour le public, le défi est d’arriver à saisir cette interpénétration de différentes réalités, portée par deux artistes distinctes, qui ne concerne pourtant qu’une seule et même personne.

Les relations affectives qui lient Oreste et Pylade, son ami de cœur, ainsi qu'Oreste et sa propre sœur, sont décrites avec une terrible vérité par la façon qu'ont les chanteurs de se toucher, se répondre, s’enlacer, et de vivre leurs souffrances respectives.

L’influence de la psychanalyse, à laquelle Warlikowski croit bien plus qu’en l’histoire elle-même, se perçoit dans la figure d’Oreste, les yeux ensanglantés, et par la pantomime jouée par deux acteurs qui revivent le crime d’Oreste envers Clytemnestre, tout en montrant un acteur nu (Pablo Pillaud-Vivien), désirant pour sa mère, qu’il assassine pourtant, titubant, de coups fulgurants. 

Pantomime du meurtre de Clytemnestre par Oreste (Pablo Villaud-Vivien)

Pantomime du meurtre de Clytemnestre par Oreste (Pablo Villaud-Vivien)

Les lumières, parfois blafardes, parfois d'un rouge sang, imprègnent la scène de mondes étranges, irréels et cauchemardesques, comme le livret le suggère. Thoas est de plus représenté en impuissant, et en séquestreur d’Iphigénie.

Enfin, les histoires de familles se devinent en arrière-plan, les images d’un mariage heureux conventionnel qui va être défait par l’horreur de la vie.

Les images parlent plus que le texte, et la beauté naît de la brutalité de cette souffrance exprimée par un chant intense et magnifique sous les lèvres de la nouvelle distribution réunie ce soir.

Véronique Gens (Iphigénie)

Véronique Gens (Iphigénie)

Véronique Gens, qui fut elle-même Alceste sur ces planches à l’été 2015, incarne une Iphigénie immanente, digne à tous les âges de la vie, élégante actrice, elle qui est habituée à jouer avec des metteurs en scène tels Olivier Py, Ivo van Hove et Michael Haneke.

Son chant, haut et étiré, subtilement vibrant, suit de longues lignes fuyantes et dramatiques, dépouillées de tout effet réaliste et appuyé, qui préservent l’épure de sa stature, malgré l’immaturité affective qu’elle exprime. Son portrait, très différent de la femme-enfant de Maria Riccarda Wesseling, en 2006, est celui de la sérénité accomplie malgré le dolorisme le plus vif.

Elle est une des rares chanteuses françaises à pouvoir envelopper un personnage avec une profondeur qui ne trahit aucun faux-semblant.

Etienne Dupuis (Oreste) et Stanislas de Barbeyrac (Pylade)

Etienne Dupuis (Oreste) et Stanislas de Barbeyrac (Pylade)

Et elle est entourée par deux autres chanteurs francophones absolument fantastiques. Stanilas de Barbeyrac, ténor issu de l’atelier lyrique, prend à chaque nouveau rôle une dimension de plus en plus affirmée. Ici, il transmet toute la révolte passionnée de Pylade avec une clarté virile, présente, superbement déclamée, à laquelle un physique de jeune Siegmund romantique ne fait que renforcer le charme inhérent. Ses tressaillements, ses gestes d’affection et la gravité du regard le rendent très touchant car ils crédibilisent sa sensibilité.

Inconnu jusqu’à présent à l’Opéra de Paris, où il reviendra régulièrement au cours des futures saisons, la splendide révélation d’Etienne Dupuis ne peut que laisser abasourdi plus d’un spectateur.

Formidable par ses attaques vocales, la projection et la netteté, rien ne semble venir à bout de ce jeune baryton, franc et démonstratif, qui marque clairement son désir de s’ancrer sur la scène du Palais Garnier. Il veut toucher le public, et il y réussit pleinement.

Etienne Dupuis (Oreste) et Véronique Gens (Iphigénie)

Etienne Dupuis (Oreste) et Véronique Gens (Iphigénie)

Quant à Thomas Johannes Mayer, en Thoas, il démontre une éloquence inattendue dans la langue française, mais ne fait pas oublier la noirceur inhumaine que Franck Ferrari poussa à l’extrême lors de la création de ce spectacle.

Disposés dans la fosse d’orchestre, parmi les musiciens, les trois artistes de l’atelier lyrique, Adriana Gonzalez, Emanuela Pascu, Tomasz Kumiega ont la chance d’être très bien mis en valeur en participant à cette prestigieuse reprise, ce qui conforte la maison dans sa capacité à renforcer les distributions des ouvrages qu’elle représente.

Par contraste avec les Musiciens du Louvre qui avaient, sous la direction de Marc Minkowski, joué la musique de Gluck en la colorant de traits pathétiques et chaleureux, il y a dix ans, un orchestre aussi moderne que celui de l’Opéra de Paris ne peut recréer exactement ces sonorités baroques.

Krzysztof Warlikowski

Krzysztof Warlikowski

Au contraire, Bertrand de Billy lisse la pâte sonore de l’orchestre, étonnamment fluide, marine, sans aucun pathos, ce qui est inhabituel pour la musique de Gluck. Les détails des sonorités ne se perdent pas pour autant, mais ils semblent pris dans des nimbes obscurs et envoûtants, qui participent sans doute à une concordance entre la modernité du travail scénique et la qualité diluée du flot orchestral.

Les chœurs, dissimulés sous la scène, prennent ici une valeur subliminale.

Voir les commentaires

Publié le 3 Décembre 2016

TV-Web Décembre 2016 Lyrique et Musique

Chaînes publiques

Dimanche 04 décembre 2016 sur France 3 à 00h30
Les Damnation de Faust - Opéra de Rouen - ms Roels - dm Krüger

Fenton, Gautrot, White, Herriau - Choeur Accentus

Dimanche 04 décembre 2016 sur Arte à 18h00
Chantons la libération

Lundi 05 décembre 2016 sur Arte à 00h00
Les Enchanteurs - doc. sur les répétitions d'une production à La Monnaie

Vendredi 09 décembre 20156 sur France 2 à 00h45
Les Chevaliers de la Table Ronde (Hervé) - ms Weitz - dm Grapperon

Bigourdan, Philippot, Marzorati, Vidal, Perruche, Neumann

Dimanche 11 décembre 2016 sur France 3 à 00h30
Shéhérazade (Rimski-Korsakov) - Phil. de Saint-Pétersbourg - dm Termikanov

Dimanche 11 décembre 2016 sur Arte à 18h00
Rossini, Paganinin, Verdi - dm Chailly

Dimanche 18 décembre 2016 sur Arte à 18h00
Cto pour violon (Tchaikovski)

Lundi 19 décembre 2016 sur Arte à 00h10
Magnificat (Bach) - dm Hengelbrock - Orchestre de Paris

Samedi 24 décembre 2016 sur Arte à 17h50
Airs d'Opéras de Verdi, Bellini, Puccini,Bizet - Opéra de Paris - dm Jordan

Dimanche 25 décembre 2016 sur Arte à 01h20
Cantates de Noël (Bach) - dm Herreweghe

Dimanche 25 décembre 2016 sur Arte à 16h20
Le Beau Danube Bleu, histoire d'une valse

Dimanche 25 décembre 2016 sur arte à 18h10
Gala de Noël à Vienne - dm Ortner

Vendredi 30 décembre 2016 sur France 2 à 00h45
Les Puritains (Bellini) - Opéra de Paris - ms Pelly - dm Mariotti

Maria Agresta, Dmitry Korchak, Marius Kwiecen, Michele Pertusi

Vendredi 30 décembre 2016 sur Arte à 20h00
L'Oiseau de Feu (Stravinsky)

La Légende de la ville invisible de Kitège (Rimski-Korsakov) - dm Gergiev


Mezzo et Mezzo HD

Vendredi 02 décembre 2016 sur Mezzo HD à 22h52
Jonas Kaufmann et Bryn Terfel chantent La Damnation de Faust de Berlioz à l'Opéra de Paris

Samedi 03 décembre 2016 sur Mezzo à 20h30
Esa-Pekka Salonen dirige Le Château de Barbe-Bleue et La Voix humaine à l'Opéra de Paris

Dimanche 04 décembre 2016 sur Mezzo HD à 20h30
Joyce DiDonato chante Maria Stuarda de Donizetti au Metropolitan Opera de New York

Mercredi 07 décembre sur Mezzo à 20h30
Max Emanuel Cencic chante Farnace de Vivaldi

Vendredi 09 décembre 2016 sur Mezzo HD à 20h30
Jonas Kaufmann chante Parsifal de Wagner au Metropolitan Opera de New York

Samedi 10 décembre 2016 sur Mezzo à 20h30
Mozart: Don Giovanni, avec Erwin Schrott et Anna Netrebko à Baden-Baden

Dimanche 11 décembre 2016 sur Mezzo HD à 20h30
Cavalleria Rusticana et Pagliacci au Met de New York

Mercredi 14 décembre sur Mezzo à 20h30
Jonas Kaufmann et Bryn Terfel chantent La Damnation de Faust de Berlioz à l'Opéra de Paris

Jeudi 15 décembre 2016 sur Mezzo HD à 20h30
Joyce DiDonato chante La Donna del Lago de Rossini au Metropolitan Opera

Samedi 17 décembre 2016 sur Mezzo à 20h30
Le Roi Arthus de Chausson à l'Opéra de Paris

Dimanche 18 décembre 2016 sur Mezzo HD à 20h30
Joyce DiDonato chante Maria Stuarda de Donizetti au Metropolitan Opera de New York

Mercredi 21 décembre sur Mezzo à 20h30
Max Emanuel Cencic chante Alessandro de Haendel à Versailles

Vendredi 23 décembre 2016 sur Mezzo HD à 20h30
Jonas Kaufmann chante Parsifal de Wagner au Metropolitan Opera de New York

Samedi 24 décembre 2016 sur Mezzo à 20h30
Rigoletto de Verdi au Metropolitan Opera de New York

Dimanche 25 décembre 2016 sur Mezzo HD à 20h30
Cavalleria Rusticana et Pagliacci au Met de New York

Mercredi 28 décembre sur Mezzo à 20h30
Ariodante de Haendel au Festival d'Aix-en-Provence

Vendredi 30 décembre 2016 sur Mezzo HD à 20h30
Joyce DiDonato chante La Donna del Lago de Rossini au Metropolitan Opera

Samedi 31 décembre 2016 sur Mezzo à 20h30
La Dame de Pique de Tchaikovsky par Valery Gergiev

Web : Opéras en accès libre (cliquez sur les titres pour les liens directs avec les vidéos)

Sur Concert Arte

Mitridate, re di Ponto (Théâtre des Champs Elysées)

Macbeth (Théâtre de La Monnaie)

"Senza Sangue" de Péter Eötvös et "Bluebeard’s Castle"(Armel Opera Festival)

"Maria de Buenos Aires" d'Astor Piazzolla à l'Armel Opera Festival

"The Angel of the Odd" et "The Tell-Tale Heart" de Bruno Coli à l'Armel Opera Festival

"Elegy for Young Lovers" de H.W. Henze à l'Armel Opera Festival

"Kalila Wa Dimna" de Moneim Adwan au Festival d'Aix-en-Provence

"The Omnibus Opera" à l'Armel Opera Festival

La Flûte Enchantée (Académie du Teatro alla Scala)

L'Orfeo (Opéra de Lausanne) - ms Robert Carsen

Samson et Dalila (Opéra National de Paris)

Norma (Teatro Real de Madrid) - ms Davide Livermore

Manon (Grand Théâtre de Genève) - ms Olivier Py

Mefistofele (Festival de Baden Baden) - ms Philipp Himmelmann

 

Sur Operaplatform, Culturebox etc...

Macbeth (Latvian National Opera) jusqu'au 10 décembre 2016

La Dame de Pique - ms Herheim (Dutch National Opera) jusqu'au 20 décembre 2016

Eugène Onéguine (Festival Garsington) jusqu'au 29 décembre 2016

La Chute des Dieux - ms J.Simons - Avignon 2005 jusqu'au 30 décembre 2016

 

Il Trionfo del Tiempo e del Disinganno - Aix en Provence jusqu'au 07 janvier 2017

La Flûte Enchantée (Opéra Royal de Wallonie) jusqu’au 05 janvier 2017

Pelléas et Mélisande - Aix en Provence jusqu'au 06 janvier 2017

L'Enlèvement au Sérail - Opera de Lyon jusqu'au 10 janvier 2017

Les Damnés (Festival d'Avignon) jusqu'au 11 janvier 2017

Madame Butterfly - Chorégies d'Orange jusqu'au 14 janvier 2017

Oedipe Rex - Aix en Provence jusqu'au 18 janvier 2017

"In Parenthesis" au Wales Millennium Center jusqu'au 31 janvier 2017

La Traviata - Chorégies d'Orange jusqu'au 04 février 2017

Orfeo - Rossi (Opéra de Nancy) jusqu'au 09 février 2017

Les Chevaliers de la table ronde d'Hervé (Teatro Malibran) jusqu'au 15 février 2017

Labirinto d'amore (Festival de Sable) jusqu'au 25 février 2017

Alcina (Grand Théâtre de Genève) jusqu'au 25 février 2017

Otello (Teatro Real de Madrid) jusqu'au 23 mars 2017

Le Prince Igor (Bolshoi) jusqu'au 24 mars 2017

Les Noces de Figaro (Opera d'Amsterdam) jusqu'au 26 mars 2017

Les Stigmatisés (Opéra de Lyon) jusqu'au 06 avril 2017

Sancta Susanna (Opéra de Lyon) jusqu'au 06 avril 2017

Von Heute auf Morgen (Opéra de Lyon) jusqu'au 06 avril 2017

Eliogabalo (Opéra National de Paris) jusqu'au 08 avril 2017

Manon Lescaut (Aubert) - Opéra Royal de Wallonie jusqu'au 17 avril 2017

La Bohème - Teatro Regio jusqu'au 20 avril 2017

Goplana - Polish National Opera jusqu'au 02 mai 2017

The Nose - Covent Garden jusqu'au 08 mai 2017

Les Contes d'Hoffmann (Opéra National de Paris) jusqu'au 22 mai 2017

L'Amico Fritz - Teatro de la Fenice jusqu'au 03 juin 2017

La Bohème - Opera de Liège jusqu'au 24 juin 2017

La Cenerentola (Opéra de Lille) jusqu'au 20 octobre 2017

Nabucco (Opera Royal de Wallonie) jusqu'au 27 octobre 2017

Aquagranda de Filippo Perocco (Teatro La Fenice) jusqu'au 14 novembre 2017

Don Giovanni (Opéra de Liège) jusqu'au 23 novembre 2017

 

Voir les commentaires

Rédigé par David

Publié dans #TV Lyrique

Publié le 30 Novembre 2016

Cavalleria Rusticana / Sancta Susanna (Pietro Mascagni / Paul Hindemith)
Répétition du 26 novembre 2016 et représentation du 03 décembre 2016
Opéra Bastille

Cavalleria Rusticana (1890)
Production de la Scala de Milan (2011)
Santuzza Elena Zhidkova (le 26) Elina Garanca (le 03)
Turiddu Yonghoon Lee
Lucia Elena Zaremba
Alfio Vitaliy Bilyy
Lola Antoinette Dennefeld

Sancta Susanna (1922)
Nouvelle production
Susanna Anna Caterina Antonacci
Klementia Renée Morloc
Alte Nonne Sylvie Brunet-Grupposo
Die Magd Katharina Crespo
Ein Knecht Jeff Esperanza

Direction Musicale Carlo Rizzi
Mise en scène Mario Martone
Chœur et orchestre de l’Opéra National de Paris     
 Antoinette Dennefeld (Lola)

Comment et pourquoi réunir deux œuvres qui n’ont absolument rien à voir ? 
La première, Cavalleria Rusticana, est née d’un concours organisé par un éditeur italien, Sonzogno, désireux de concurrencer les éditeurs de Verdi, Puccini et Wagner.  Dès sa création à Rome, en 1880, l’opéra en un acte de Pietro Mascagni redéfinit un genre, le Vérisme.

Elena Zhidkova (Santuzza) - 26 novembre, Bastille

Elena Zhidkova (Santuzza) - 26 novembre, Bastille

La seconde, Sancta Susanna, est le dernier volet d’un triptyque érotique composé par Paul Hindemith, en 1921, dans une logique de provocation de la morale sexuelle bourgeoise, tout en restant fidèle au principe de tonalité. Cette dernière composition, née des fantasmes d’un jeune homme de 26 ans, fut jugée si choquante que l’Association des femmes catholiques de Frankfort réclama des dommages et intérêts.

La scénographie imaginée par Mario Martone pour Cavalleria Rusticana, en 2011, à la Scala de Milan, offre naturellement un élément commun aux deux opéras, un grand Christ en croix.

Le choeur

Le choeur

Elle est en apparence décevante, car l’ouverture est jouée face au grand rideau noir, même pendant l’air de Turiddu, et parce qu’elle se démarque par l’absence de références visuelles au pittoresque de la campagne sicilienne. Le lent déplacement d’une maison close, le temps d’une minute ou deux, témoigne cependant d’une volonté d’utiliser principalement l’espace vide et sombre de la scène pour renforcer l’impression d’isolement et d’opposition de Santuzza par rapport à la communauté de son village. Pendant l'office de Pâques, la jeune paysanne est en effet tournée vers le public, dos à la cérémonie,

Par sa présence, le chœur, assis au centre de la scène sur plusieurs rangées de chaises, magnifique et impressionnant de force et de détermination, induit une pression sociale qui cherche à la contraindre à renoncer à sa passion humaine afin de revenir vers Dieu. 

Elena Zaremba (Lucia)

Elena Zaremba (Lucia)

Mais malgré le plateau totalement nu, l’échange final entre Turiddu et sa mère en est poignant de désolation. On croirait alors, après le meurtre du jeune homme, que c’est le peuple lui-même, marchant lentement vers l'avant-scène, qui l’a éliminé afin de ramener le calme parmi les habitants.

Mario Martone a choisi le dépouillement théâtral, certes, mais il a travaillé les éclairages de façon à créer des clairs obscurs et des nuages d’ombres comme dans les tableaux du Caravage.

Yonghoon Lee (Turiddu)

Yonghoon Lee (Turiddu)

Yonghoon Lee, en Turiddu, est un ténor d’une solidité infaillible, très assuré, mais ancré dans une attitude si dure et noire qu’il ne laisse place à aucune nuance de compassion. Il n'en est pas moins touchant tant ses appels drainent un sentiment de désespérance fatale.

A l’inverse, Antoinette Dennefeld, en Lola, laisse transparaître un galbe pulpeux et séducteur que l’on retrouvera dans le rôle de Mercédès lors des représentations de Carmen prévues en seconde partie de saison.

Yonghoon Lee (Turiddu) et Elena Zhidkova (Santuzza) - le 26 novembre, Bastille

Yonghoon Lee (Turiddu) et Elena Zhidkova (Santuzza) - le 26 novembre, Bastille

Lucia tourmentée, Elena Zaremba évoque aussi la puissance de l’autorité maternelle à laquelle répond la théâtralité froide et tragique d’Elena Zhidkova. Le regard noir, la torpeur amoureuse dépourvue d’espoir, la volonté de ne rien masquer du cauchemar qu’elle vit, la soprano russe restitue tous ces sentiments terribles sans verser dans le mélodrame, une fascinante leçon de présence.

On ne peut alors qu'admirer la différence de perception scénique avec celle qui interprète également, en alternance, le rôle de Santuzza, Elina Garanca. Le timbre de la mezzo-soprano lettone a en effet le même pouvoir de séduction que la grande mezzo américaine des années 70/80, Shirley Verrett.

Elena Zaremba (Lucia) et Elina Garanca (Santuzza) - 03 décembre, Bastille

Elena Zaremba (Lucia) et Elina Garanca (Santuzza) - 03 décembre, Bastille

Aigus royaux, dramatisme et volupté des graves, sentiment d'une totalité vocale impressionnante, ses attitudes corporelles prolongent aussi de façon plus conventionnelle les tensions intérieures de l'héroïne. Sur ce dernier point, Elena Zhidkova, telle une bête blessée, apparaît plus névrosée et tendue vers une personnalité au bord du gouffre, ce qui est aussi très poignant à voir et à entendre.

Et Vitaliy Bilyy, en Alfio, complète cette distribution franche et sans concession, par une prestance fière, d’un impeccable aplomb.

Engagé dans une direction orchestrale vive, non dépourvue de tonitruances, et modérée dans ses effets de pathos, Carlo Rizzi n’en mène pas moins l’ensemble des artistes vers un engagement scénique assez galvanisant, qui va se déployer plus largement en seconde partie de soirée.

Anna Caterina Antonacci (Susanna)

Anna Caterina Antonacci (Susanna)

Car après le vide de cet espace immense qui fait ressentir l’absence intérieure laissée dans l’âme de Santuzza, les 25 minutes de Sancta Susanna vont nous faire vivre un choc comparable à un condensé d’Elektra. Décor cette fois évocateur d’une petite cellule d’un couvent éclairée par une toute petite fenêtre et une lueur interne à la pièce, l’échange initial entre Klementia et Susanna, qui se déroule selon un mode conventionnel, laisse place à la rencontre entre la jeune sœur et une jeune femme, la montée d’un désir trouble qui prend soudainement une dimension totalement fantastique.

Anna Caterina Antonacci (Susanna)

Anna Caterina Antonacci (Susanna)

Eclatement du costume religieux d'Anna Caterina Antonacci, voix sidérante de couleurs sensibles au timbre inimitable, exaltation d’une poitrine que les éclairages érotisent tout en préservant la pudeur de cette scène de libération, danse sensuelle d’une actrice nue sur le corps du Christ en croix, ce tableau est si captivant et court, qu'on le vit comme un concentré fantasmatique qui ne laisse aucune place à la raison, d'autant plus qu'il s'achève, à nouveau, par l'effacement de cette vision au regard de la communauté religieuse.

Carlo Rizzi, lui aussi, se libère totalement dans cette musique volcanique, dont il n’est pas dit qu’il nous fasse entendre tous les tressaillements harmoniques, mais qui accentue les traits menaçants à en rendre palpable la présence diabolique sous jacente.

Amples respirations, détails insolites, la musique d'Hindemith est une formidable découverte qui vient s'ajouter au Cardillac, offert à Paris par Gerard Mortier, et à Mathis der Maler, sublimé par la mise en scène d'Olivier Py sous la direction de Nicolas Joel.

Voir les commentaires

Publié le 30 Novembre 2016

Les pronostics ci-dessous proviennent d'engagements ou d'intentions de programmation rendus publics, parfois depuis plus d'un an ou deux, qui peuvent, aujourd'hui, être modifiés ou supprimés pour des raisons diverses. Ils doivent donc être pris avec précaution en attendant l'annonce officielle.
N'hésitez pas à faire remarquer les changements ou compléments éventuels.

Mise à jour au 20 juin 2017

Chaque saison seront présentés 20 ouvrages dont 9 à 10 nouvelles productions et 3 œuvres rares ou nouvelles.

Les nouvelles productions ou nouvelles coproductions (pour Paris) sont indiquées par le sigle NP.

Le programme de la saison 2017/2018 est détaillé sous le lien suivant :

Présentation de la saison Lyrique 2017 / 2018 de l’Opéra National de Paris

Saisons à venir

2018-2019, Tristan und Isolde - ms Peter Sellars / Bill Viola (reprise) - dm Philippe Jordan - Martina Serafin (Isolde) - 11/09 au 10/10
2018-2019, Les Huguenots - NP- ms Claus Guth - dm Bertrand de Billy - Bryan Hymel (Raoul), Diana Damrau (Marguerite de Valois)  - Patrick Bolleire (Thoré, Maurevert) - Nicolas Testé (Marcel) - octobre 2018
2018-2019
, Don Carlo  - version 5 actes en italien (Bologne 1867) - ms Krzysztof Warlikowski (reprise) - Bryan Hymel / Roberto Alagna ? (Don Carlo) - Aleksandra Kurzak (Elisabeth)? - Anita Rachvelishvili (Eboli)
2018-2019
, Bérénice (d'après Racine et composé par Michael Jarrell) - NP - ms Claus Guth - dm Ph.Jordan
2018-2019, Elisir d'Amore (L') - ms Laurent Pelly (reprise) - dm Giacomo Sagripanti - Rame Lahaj / Vittorio Grigolo (Nemorino), Nadine Sierra (Adina)
2018-2019, Billy Budd - NP – ms Deborah Warner - coproduction Teatro Real de Madrid
2018-2019, Second volet de la Nouvelle trilogie Da Ponte - NP (Les Noces de Figaro ou bien Don Giovanni) à l'Opéra Garnier.
2018-2019, Les Troyens - NP- ms Dmitri Tcherniakov? - dm Jordan - S.Koch (Cassandre), E.Garanca (Didon), B.Hymel (Enée), S.Degout (Chorèbe) (2019)
2018-2019, Otello - NP – Roberto Alagna
2018-2019, Nabucco - NP - Placido Domingo, Liudmyla Monastryska
2018-2019, Samson et Dalila - ms Damiano Michieletto (reprise) - Elina Garanca
2018-2019, Aïda - ms Olivier Py (reprise) - Anna Netrebko / Anna Pirozzi
2018-2019, Simon Boccanegra - NP - Ludovic Tézier
2018-2019, Iolanta / Casse-Noisette
-ms Dmitri Tcherniakov (reprise)- dm Tomas Hanus - Artur Rucinski - mai 2019
2018-2019, Rusalka - ms Robert Carsen (reprise)
2018-2019, I Puritani - ms Laurent Pelly (reprise) - Elsa Dreisig (Elvira)

2018-2019, Katerina Izmaïlova - NP - ms Rimas Tuminas - dm Tugan Sokhiev - Ausrine Stundyte -  tournée du Bolshoi (2019)

2018-2019, Un opéra de Charles Gounod ( Romeo et Juliette? La Reine de Saba?)
Leonardo García Alarcón reviendra à l'ONP en 2018 (reprise d'Eliogabalo ou pour diriger un autre opéra baroque ?)

Et également entre 2018 et 2021

Un opéra baroque à l'opéra Bastille à l'opéra Bastille (Une des deux ou trois œuvres baroques avec chœur et orchestre suffisamment fournis)
La Tempête (Thomas Adès) - reprise d'une production existante.
Il Turco in Italia (Rossini) (Entrée au répertoire)
L'Italiana in Algeri (Rossini) - NP?
Norma (Bellini) - NP - ms Alex Ollé - coproduction Royal Opera House
Un opéra de Lully (2019)
Jenufa (Janacek) - NP - ms Alvis Hermanis - coproduction Théâtre Royal de la Monnaie

Carmen - ms Calixto Bieito (reprise) - Roberto Alagna
Lear - ms Calixto Bieito (reprise) - Evelyn Herlitzius
La Forza del Destino - ms J.C Auvray (reprise) ?- Rodolphe Briand (Trabuco)
Tannhäuser - ms Robert Carsen (reprise)?
Une seconde nouvelle production avec le Bolshoi - (autre que Guerre et Paix)
Les Indes galantes - ms Andreï Serban - Jodie Devos (reprise)
La Flûte enchantée - ms Robert Carsen - Jodie Devos (reprise)
Die Entführung aus dem Serail - ms Zabou Breitman - Sofia Fomina (reprise)

2019-2020, Il Primo Omicidio (Scarlatti) - NP - ms Romeo Castellucci (2019)
2019-2020, Le Soulier de satin (d'après Claudel et composé par Marc-André Dalbavie) - NP - ms Stanislas Nordey - dm Ingo Metzmacher
2019-2020, Dernier volet de la Nouvelle trilogie Da Ponte - NP (Les Noces de Figaro ou bien Don Giovanni) à l'Opéra Garnier.
2019-2020, Prince Igor (Borodine) - NP - ms Barrie Kosky - dm Philippe Jordan

2019-2020, Roberto Devereux (Donizetti) - NP - Artur Rucinski (mars/avril 2020)

2020-2021, Guerre et Paix - NP  - ms Dmitri Tcherniakov - coproduction Bolshoi

Die Soldaten - NP - ms Alvis Hermanis ?
Der Ring des Nibelungen (Nouvelle production)
Un Opéra d'après Michel Houellebecq ou avec un autre dramaturge français
Après Boris Godounov Ivo van Hove mettra en scène un second opéra à l'ONP.
Anna Bolena - NP - Sonya Yoncheva

Ces pronostics peuvent être également suivis sur le fil Nouveaux pronostics ONP (jusqu'en 2019) du forum d'Opéra 'ODB'.

Voir les commentaires

Publié le 29 Novembre 2016

Les Nuisibles (Compagnie Les Cassandres)
Représentation du 27 novembre 2016
La Grange aux Dîmes - Carrières-sur-Seine

Soprano Elisabeth Baz
Piano Julie Traouën
Comédienne et metteur en scène Dorothée Daffy

A la lecture du riche programme de ce concert - pas moins de 16 airs de compositeurs aussi divers que Claudio Monteverdi, Franz Schubert, Jacques Offenbach, Georges Bizet, Jules Massenet, Claude Debussy, Manuel de Falla, Erik Satie, Kurt Weill, György Ligeti, Gian Carlo Menotti émaillent ce voyage d'une heure et quart - on ne peut s'empêcher d'être à la fois stimulé par les découvertes musicales qu'il recèle, qu'intrigué par la logique sur laquelle il est construit.

Dorothée Daffy - comédienne

Dorothée Daffy - comédienne

Car comment et pourquoi lier des oeuvres qui couvrent plus de 300 ans d'histoire de la musique? Que veulent nous dire ces contes issus de traditions populaires Inuit, Japonaise ou plus familièrement française?

Il y est question d'animaux, corbeau, baleine, tigre, loup, et aussi de la figure omniprésente du chasseur. Mais même ces contes qui ne nous semblent pas tous inconnus résonnent différemment de l'esprit que nous leur connaissons bien. Le loup du petit Chaperon rouge nous paraît bien sympathique, en revanche, le corbeau qui détruisit par bêtise l'âme d'une baleine, et qui finit par se transformer en petit homme fier de son crime, n'est pas sauvé.

La Grange aux Dîmes

La Grange aux Dîmes

Et si Dorothée Daffy avait remodelé ces contes pour revaloriser la vie et remettre l'homme à sa place? Quelle surprise d'entendre ce vieux conte japonais relatant l'histoire d'un homme coincé sur une falaise, pris entre deux tigres, en haut et en bas, prêts à le dévorer, et qui ne trouve pas mieux que de se saisir des meilleures baies à portée de main pour jouir de leur saveur! Pourtant, ce conte philosophique qui invite à apprécier l'instant présent et la fragilité de la vie semble ici empreint d'une volonté de ramener l'homme à une humble prise de conscience face à la puissance de la nature. Et peut-être y a t-il aussi une lueur d'envie de pardonner à cet homme pour sa violence? Ou bien  de lui faire peur?

Elizabeth Baz - soprano

Elizabeth Baz - soprano

Le sens des airs choisis s'éclaircit petit-à-petit. Ceux-ci prolongent naturellement l'enjeu émotionnel de ces contes, mais même si nous ne les comprenons pas, certains nous parlent plus que d'autres.

Elizabeth Baz, mélodiste passionnée dans Schubert (Ständchen), exubérante dans Manon (Je suis encor tout étourdie ... j'en suis à mon premier voyage), crée une tension permanente avec les auditeurs, le chant lyrique étant théâtralisé par la précision des mots, l'intensité des vibrations de son timbre clair, et une solide accroche vocale.

Julie Traouën - pianiste

Julie Traouën - pianiste

Sa partenaire, Julie Traouën, au piano, relève un défi aussi ardu non seulement parce qu'elle doit s'adapter au rythme de la soprano, mais aussi parce qu'elle doit dépeindre des ambiances très contrastées qui engagent tout son corps pour tirer et travailler le papillotement des notes, mais aussi pour appuyer des effets bien marqués, presque brutaux, dans la musique de Ligeti rendue célèbre par le film de Stanley Kubrick, Eyes wide shut.

Dorothée Daffy - comédienne

Dorothée Daffy - comédienne

Dorothée Daffy, une optimiste née, est encore et toujours une actrice drôle et captivante qui prend à coeur de faire partager avec humour et bienveillance sa sensibilité aux aventures des bêtes. Le public est un peu comme ses enfants, mais elle peut aussi s'en détacher pour trouver des poses statiques et expressives même dans l'immobilité.

Un piano sous un large parasol noir, un fauteuil hamac, une plante verte, et surtout quelques projecteurs judicieusement disposés de façon à colorer de doux reflets fuschias et violets murs, fenêtres et faces des éléments de la pièce, la poésie née aussi de ces jeux de lumières dont les effets ne peuvent pas être entièrement prévus à l'avance.

Voir les commentaires

Publié le 22 Novembre 2016

Les Français - Francuzi (Krzysztof Warlikowski) 
D’après A la recherche du temps perdu de Marcel Proust
Représentations du 19 et 25 novembre 2016
Théâtre National de Chaillot

Charles Morel Bartosz Bielenia
Charles Swann Mariusz Bonaszewski
Marie de Guermantes, Rachel, Phèdre Agata Buzek
Oriane de Guermantes Magdalena Cielecka
Princesse de Parme, Reine de Naples, Gilberte Swann Ewa Dalkowska
Narrateur Bartosz Gelner
Sidonie Verdurin et de Guermantes Malgorzata Hajewska-Krzysztofik
Gustave Verdurin, Gilbert de Guermantes Wojciech Kalarus
Basin de Guermantes Marek Kalita
Alfred Dreyfus Zygmunt Malanowicz
Odette de Crécy Maja Ostaszewska
Baron de Charlus Jacek Poniedzialek
Robert de Saint-Loup Maciej Stuhr
Performance Claude Barnouil
Violoncelle Michal Pepol                          
         Magdalena Cielecka (Oriane de Guermantes)

Adaptation Krzysztof Warlikowski, Piotr Gruszczynski
Mise en scène Krzysztof Warlikowski (2015)
Scénographie Malgorzata Szczesniak
Production Nowy Teatr

Plus d’un an après les premières représentations au festival de la Ruhrtriennale, la dernière pièce de Krzysztof Warlikowski, dédiée à l’ouvrage majeur de Marcel Proust, A la recherche du temps perdu, fait écho au dernier roman d’Olivier Py, Les Parisiens.

Car aussi bien dans Les Français que dans Les Parisiens, il est fait une description d’une société qui tourne à vide, malgré ses ambitions, sans qu'aucune aspiration à un idéal salvateur ne se découvre.

Bartosz Bielenia (Morel) et Maciej Stuhr (Saint-Loup)

Bartosz Bielenia (Morel) et Maciej Stuhr (Saint-Loup)

Et alors qu'une pièce aussi crue qu’Angels in America réservait de très beaux passages d’intimité et de profondeur dans les rapports interpersonnels, le directeur polonais montre de la scène proustienne une suffisance personnelle qui la dénue de toute sensibilité à autrui, ou de toute lucidité.

Le narrateur, incarné par Bartosz Gelner, l’évocation troublante d’un Krzysztof Warlikowski jeune, est représenté tel Proust malade, observant ou revivant son histoire à ce monde qui l’a fait souffrir, une description du mal être qui colle à la peau du metteur en scène.

Bartosz Gelner (Le narrateur) et Maja Ostaszewska (Odette de Crécy)

Bartosz Gelner (Le narrateur) et Maja Ostaszewska (Odette de Crécy)

On reconnait immédiatement Oriane de Guermantes, sophistiquée, parfaitement sûre de son personnage, que Magdalena Cielecka, actrice qui paraît si détachée d’elle-même, joue d’un impressionnant réalisme à travers les gestes les plus furtifs, les petites touches de respirations, et les rictus charmeurs.

C’est d’ailleurs à cette incroyable capacité à créer des personnages plus vrais que nature que se distingue la troupe du Nowy Teatr, une performance rarement aussi aboutie par l’école théâtrale française.

Bartosz Gelner (Le narrateur) et Agata Buzek (Rachel)

Bartosz Gelner (Le narrateur) et Agata Buzek (Rachel)

Krzysztof Warlikowski a ainsi sélectionné plusieurs thèmes, l’attachement aveugle d’Un amour de Swann, - Mariusz Bonaszewski accentue l’état de bête de Swann - la bêtise et le rêve d’A l’ombre des jeunes filles en fleurs, l’indifférence du Côté des Guermantes, les rapports homosexuels troubles de Sodome et Gomorrhe et Albertine, et l’inévitable déchéance de la vieillesse du Temps retrouvé.

Tout se déroule dans une pièce unique avec, au fond, un bar, surmonté d’un écran large, à gauche, un canapé-lit, et à droite, une cage de verre mobile qui accroît l’impression de cloisonnement.

Maja Ostaszewska (Odette de Crécy)

Maja Ostaszewska (Odette de Crécy)

Claude Barnouil, affublé d’un masque de noir, intervient dans une chorégraphie qui place le noir dans la même posture que la prostituée, Rachel - Agata Buzek -, personnages étranges ici. Nous reviennent alors les images de cette magnifique Lulu interprétée par Barbara Hannigan à La Monnaie, en 2013, et animée par son rêve d’enfance de devenir danseuse classique.

Nous devinerons même l'Adage du Pas de deux de Casse-Noisette arrangé sur une orchestration hard rock assourdissante.

Magdalena Cielecka (Oriane de Guermantes)

Magdalena Cielecka (Oriane de Guermantes)

Les références musicales vont de Im waiting here, de David Lynch et Lykke Li, à Rachel, grand du seigneur, extrait de La Juive d’Halevy, et Also Sprach Zarathusta de Richard Strauss – à travers une référence grotesque à 2001 L’Odyssée de l’Espace – signe de la fin des utopies.

On assiste à une mise en scène habile et fascinante de tous les clichés possibles, les images d’Epinal acides d’homosexuels snobs, les attitudes surfaites de la haute société, et une mise en scène géniale de la théâtralité d’Odette de Crécy, dont le portrait magistralement brossé par Maja Ostaszewska est un grand moment impossible et hilarant de la pièce.

Ewa Dalkowska (Reine de Naples)

Ewa Dalkowska (Reine de Naples)

La vidéo, élément dorénavant incontournable des spectacles de Krzysztof Warlikowski , qui fait d'ailleurs l’objet d’un ouvrage intitulé L’art vidéo à l’opéra (Alternatives théâtrales), est utilisée aussi bien pour souligner de manière très esthétique le thème du désir, à travers les baisers de couples homo et hétéro sexuels, que pour ouvrir sur le désir d’évasion vers les grands espaces de la nature, un paradis perdu pour la société décrite ici.

Bartosz Gelner (Le narrateur)

Bartosz Gelner (Le narrateur)

Certaines scènes sont très physiques, sadomasochisme d’une lutte de corps-à-corps inextricable, scènes de séduction autour du bar, mais la froideur et la dureté du monde, rendues presque charnelles par les respirations en fond sonore, renforcent cette impression d’immersion dans un monde inconnu qui est pourtant l’intériorité de ces personnages.

Maja Ostaszewska (Odette de Crécy) et Bartosz Bielenia (Morel)

Maja Ostaszewska (Odette de Crécy) et Bartosz Bielenia (Morel)

Ewa Dalkowska, elle, en Reine de Naples ou Princesse de Parme, a un rôle plus léger et presque rassurant, la seule lueur maternelle de la scène.

Quant au fascinant Bartosz Bielenia, longue crinière claire qui ajoute au trouble de Charles Morel, il représente une vision artistique naturelle de la fusion des traits masculins et féminins.

Bartosz Gelner (Le narrateur)

Bartosz Gelner (Le narrateur)

Il y a enfin, dans le prolongement de ces figures qui angoissent de se retrouver seules face à la mort, au temps retrouvé, l'ultime scène de l'aveu de Phèdre déclamé avec une force déchirante inouïe par Agata Buzek, la chevelure sauvage, l'instinct suicidaire à fleur de peau.

Impossible d'ignorer l'incarnation d'Isabelle Huppert dans Phèdre(s) quand elle jette de tout son être un 'J'aime!' viscéralement vrai, mais l'actrice polonaise la dépasse en intensité car elle y ajoute l'insondable désespoir de la passion adolescente.

Double du narrateur, et de Krzysztof Warlikowski, à l'instar de Rachel, Phèdre symbolise en fait l'amour passionnel du jeune homme pour Gilberte, et même, cet amour fondamental qui s'est fracassé sur un monde qui y était totalement insensible.

Krzysztof Warlikowski

Krzysztof Warlikowski

Près de quatre heures de spectacle, hors entractes, une nécessité de le revoir au moins une seconde fois, l’expérience sensorielle de l’univers de Krzysztof Warlikowski, même s’il s’écarte totalement d’un style narratif progressif, et même si un inévitable décrochage du texte survient, est quelque chose qui nous préserve du simplisme ambiant, de la pensée creuse, et qui nous enrichit de sensations indélébiles qui nous font nous sentir un peu plus différents à chaque expérience.

Voir les commentaires

Publié le 20 Novembre 2016

Les Damnés (Luchino Visconti, Nicola Badalucco, Enrico Medioli)
Représentation du 19 novembre 2016
Comédie Française - salle Richelieu

La mère de Lisa Amaranta Kun
Wolf von Aschenbach Éric Génovèse
Baron Konstantin von Essenbeck Denis Podalydès
Le Commissaire et le Recteur Alexandre Pavloff
Friedrich Bruckmann Guillaume Gallienne
Baronne Sophie von Essenbeck Elsa Lepoivre
Herbert Thallman Loïc Corbery
Elisabeth Thallman Adeline d'Hermy
Günther von Essenbeck Clément Hervieu-Léger
Olga Jennifer Decker
Baron Joachim von Essenbeck Didier Sandre
Martin von Essenbeck Christophe Montenez
Janek Sébastien Baulain

Mise en scène Ivo van Hove       Christophe Montenez (Martin) - Photo : Anne-Christine Poujoulat
Festival d’Avignon 2016

Les Damnés (1969) est l’œuvre de Luchino Visconti qui réunit deux de ses acteurs fétiches, Dirk Bogarde, engagé depuis le début des années 60 dans des films risqués, Victim, The Servant, et Helmut Berger, le partenaire dans la vie du réalisateur italien. Suivront Mort à Venise (1971) et Ludwig ou Le Crépuscule des Dieux (1972) qui sublimeront le lien entre la montée du nazisme et la résurgence du romantisme allemand, portée par un désir de perfection artistique absolu.

L’adaptation théâtrale d’Ivo van Hove suit exactement le scénario et le script du film, mais, ne pouvant reconstituer l’esthétique baroque et raffinée de Visconti, il se concentre sur le huis clos qui enserre la riche famille industrielle de la Ruhr, les Essenbeck, devant l’ascension de l’ambitieux Friedrich Bruckmann, soutenu par Wolf von Aschenbach. 

Christophe Montenez (Martin) - Photo Juliette Parisot

Christophe Montenez (Martin) - Photo Juliette Parisot

A gauche de la scène, les loges intimes où se préparent les acteurs, à droite, les cercueils où la plupart finiront, au centre, un écran qui permet de voir ce qui se déroule dans les moindres recoins. Cet écran cerne également la vérité des visages, comme dans le film original, et amplifie le sordide de ces exécutions en dévoilant la panique de chacun à l’approche de la mort.

Chaque assassinat est également surligné par un éclairage brusque de la salle au son strident d’une cheminée à vapeur placée à l’avant-scène, allusion évidente aux déportations, mais qui peut être brutale pour les spectateurs situés au plus près du plateau.

Par ce procédé, Ivo van Hove prend le risque de réduire l’enjeu politique de la pièce à une intrigue policière digne des Dix petits nègres d’Agatha Christie.

Loïc Corbery (Herbert Thallman) - Adeline d'Hermy (Elisabeth Thallman) - Denis Podalydès (Konstantin) - Photo Juliette Parisot

Loïc Corbery (Herbert Thallman) - Adeline d'Hermy (Elisabeth Thallman) - Denis Podalydès (Konstantin) - Photo Juliette Parisot

Mais lorsque l’on connait bien le film, on ne peut s’empêcher de le croiser, en filigrane et en continu, avec le réel de la pièce, si bien qu’il devient impossible d’apprécier cette dernière sans cette connexion permanente.

Les acteurs, eux, ont tous un peu de cette monotone solennité initiale qui bride leur spontanéité, un trait caractéristique de la Comédie Française, qui peut cependant traduire, dans ce contexte, le corsetage de l’éducation aristocratique des Essenbecks.

Ainsi, c’est Eric Génovèse, en Wolf von Aschenbach manipulateur, narquois et cynique, qui tire le meilleur parti de ce style déclamatoire contrôlé qui renforce l’impression de froide maîtrise inhérente à son rôle de défenseur des intérêts du parti Nazi.

Denis Podalydès (Konstantin) et Sébastien Baulain (Janek) - Photo Audrey Scotto

Denis Podalydès (Konstantin) et Sébastien Baulain (Janek) - Photo Audrey Scotto

A l’opposé, Denis Podalydès est tout sauf bridé, et peu oublieront son impudeur sidérante à vivre l’exaltation dépravée du Baron Konstantin von Essenbeck, avant que les SS ne viennent exterminer les SA et leur volonté d’indépendance. 

Cette scène, qui, dans le film, se déroule à Bad Wiessee, au bord du lac de montagne Tegernsee, se joue sur un sol orangé inondé de bière au son du chant militaire « Wir werden weiter marchieren ». Ivo van Hove n’élude rien de l’homo-érotisme de ce tableau très fort qui repose sur les pitreries de Denis Podalydès et de son partenaire, Sébastien Baulain, dont la fabuleuse sculpture du corps prend une dernière pose d’ange une fois sa vie éteinte.

Et Christophe Montenez, étrangement ressemblant à Helmut Berger, accentue les travers pervers de Martin, sans toutefois reproduire les ambiguïtés de ses faiblesses et de ses doutes, particulièrement visibles dans la première partie du film de Visconti.

Guillaume Gallienne (Friedrich Bruckmann) - Photo Juliette Parisot

Guillaume Gallienne (Friedrich Bruckmann) - Photo Juliette Parisot

Le jeune acteur est fascinant, et après s’être recouvert des cendres des victimes, précautionneusement recueillies dans une urne familiale, ce n’est pas du salut nazi qu’il conclut la pièce, mais d'une tonitruante fusillade tournée vers le public. 

L’insistance à prendre celui-ci à partie est peut-être le point faible de ce spectacle, car le directeur donne le sentiment d’insister et de forcer le trait, au lieu de laisser le spectateur s’imprégner de la violence de la pièce naturellement.

Mais l’on trouve aussi une très belle idée qui nous rapproche de Visconti quand il fait courir Sophie von Essenbeck (Elsa Lepoivre) à travers le théâtre de la Comédie Française, suivie en direct jusque dans la rue Richelieu sur l'écran de scène.

Christophe Montenez (Martin) - Photo Anne Christine Poujoulat

Christophe Montenez (Martin) - Photo Anne Christine Poujoulat

Finalement, la conversion progressive des esprits au nazisme se traduit à la fois par la disparition des êtres et par l'unicité de la couleur vestimentaire de chacun, le noir.

Plus de 40 000 spectateurs vont assister à ces Damnés rien qu'à Paris. La gravité, qui pouvait parfois se lire sur de très jeunes visages, montre en tout cas la force de la pièce et de son texte qui fait prendre conscience à quel point la culture peut craindre, elle aussi, d’un pouvoir bâti sur la puissance de l’argent et de l’obsession sécuritaire.

Voir les commentaires