Die Soldaten (Bernd Alois Zimmermann)
Représentation du 19 mai 2018
Teatro Real de Madrid

Wesener Pavel Daniluk
Marie Susanne Elmark
Charlotte Julia Riley
Madre mayor de Wesener Hanna Schwarz
Stolzius Leigh Melrose
Madre de Stolzius Iris Vermillion
Coronel Obrist, conde von Spannheim Reinhard Mayr
Desportes Uwe Stickert
Pirzel Nicky Spence
Eisenhardt Germán Olvera
Capitán Haudy Rafael Fingerlos
Capitán Mary Wolfgang Newerla
Tres jóvenes oficiales Francisco Vas, Gerardo López, Albert Casals
La condesa De la Roche Noëmi Nadelmann                    Nicky Spence (Pirzel)
El joven conde Antonio Lozano
Madame Roux Beate Vollack

Direction musicale Michael Zlabinger
Mise en scène Calixto Bieito
Nouvelle production créée originalement pour l'Opéra de Zurich (2013) et le Komische Oper de Berlin (2014)

Avec 25% de son budget financé par le Mécénat (14 millions d'euros sur un total de 56 millions d'euros), le Teatro Real de Madrid démontre crânement que l'on peut mobiliser une forte part de fonds privés non pas pour programmer exclusivement des Verdi et des Puccini, mais pour mettre en avant le répertoire exigeant et moins populaire du XXe siècle.

Les sept représentations de Die Soldaten, programmées du 16 mai au 03 juin en hommage au centenaire de la naissance de son compositeur, constituent ainsi un des points d'orgue d'une saison qui a également accueilli Kurt Weill, Jake Heggie et Benjamin Britten.

Cette œuvre spectaculaire est ainsi l'occasion de revenir aux origines du mouvement littéraire Sturm and Drung et d'aborder sa composante sociale dont Jakob Michael Reinhold Lenz est un dramaturge majeur.

Il est par ailleurs étonnant de voir que sa pièce Die Soldaten (1776) a inspiré non seulement le Woyzeck de Büchner qui, plus tard, deviendra un des chefs-d’œuvre lyrique absolu du XXe siècle par la musique d’Alban Berg, Wozzeck, mais est aussi à l’origine de l'unique opéra que Bernd Alois Zimmermann créa à l'opéra de Cologne en 1965.

La pièce de Lenz était le reflet de cette jeunesse dont la vie affective et sexuelle était bridée par la société pour laquelle ils combattaient au cours des campagnes européennes de la fin du XVIIIe siècle. De ce refoulement découlaient des comportements violents dont les victimes étaient les femmes.

Chez Zimmermann et Bieito, la violence est perçue comme inhérente à la société. Et dans la scénographie présentée au Teatro Real, tous les musiciens, chef compris, sont habillés en treillis. Ceux-ci, disposés sur différents plans étagés d'une immense estrade surplombant la scène, deviennent le centre d'intérêt majeur de l'opéra.

Cordes au premier plan, percussions en lignes surélevées, harpes perdues dans des hauteurs nébuleuses, l'ampleur orchestrale, la brutalité de son rythme et de ses textures miroitantes de glace nous entraînent dans des mondes qui font écho à ceux d'Alban Berg ou de Dmitri Chostakovitch. Mais, de façon subliminale, la spiritualité de Jean Sébastien Bach surgit aussi avec évidence comme si une présence divine venait interpeler l'auditeur.

Et Michael Zlabinger, grand connaisseur du répertoire contemporain et du XXe siècle, remplaçant pour un soir Pablo Heras-Casado, domine un ensemble stupéfiant de cohésion.
Au sol, un assistant se fait le relai du chef pour coordonner les solistes avec l'orchestre. Les protagonistes surviennent par dessous l'estrade, ou bien par des passerelles descendantes, et tout se joue principalement à l'avant-scène.

C'est d'ailleurs le jeu théâtral insufflé par Bieito, brusque et rude, qui pousse les artistes à dépasser les limites de leur propre corps, captivant sous un regard ahuri toute notre attention.

On pourrait même dire que Die Soldaten est l'opéra de Susanne Elmark, tant la soprano danoise est transcendée par le rôle de Marie qu'elle interprétait déjà lors de la création de cette production à Zurich en 2013, et qu'elle vient de reprendre à l'opéra de Nuremberg le mois dernier.

De sa tessiture colorature d'origine, elle tire naturellement un éclat brillant et sensuel qui, petit à petit, laisse place à un engagement écorché, un dépassement de soi qui montre comment cette véritable artiste réussit à fondre art lyrique et sens théâtral avec une présence et un sens de l'abnégation tout deux stupéfiants.

Ses partenaires masculins et féminins sont fatalement pris dans la même dynamique détraquée, et il en ressort des caractères particulièrement forts, le Pirzel impérial de Nicky Spence, la comtesse De la Roche qu'incarne une Noëmi Nadelmann vampirique aux graves poitrinés, perversement attirée par son jeune fil (Antonio Lozano), ou bien la Madame Roux libérée et exubérante dansée par Beate Vollack.

Plus tendre, Uwe Stickert dessine un Desportes susceptible, polissant de douceur un timbre de voix vif et saillant.

Le final, la destruction du monde déclenchée par l'explosion d'une bombe atomique, est mis en scène par un effet bien rodé cher à Calixto Bieito, un projecteur puissant disposé à l'arrière scène, une lumière aveuglante venant de l'horizon, qui dessine et détache les ombres des corps, celui ensanglanté de Marie, tandis que la musique engloutit les cris d'effroi, alors que le spectateur assiste à une sauvage mutilation des piliers latéraux - heureusement faux - du théâtre.

Le Teatro Real aurait pu accueillir plus de spectateurs, mais ceux qui étaient présents n'ont pas regretté d'avoir vu et entendu la démesure d'un spectacle sans rédemption possible.

Parsifal (Richard Wagner)
Pré-générale du 21 avril et
représentations du 13 et 16 mai 2018
Opéra Bastille

Amfortas Peter Mattei
Titurel Reinhard Hagen
Gurnemanz Günther Groissböck
Klingsor Evgeny Nikitin
Kundry Anja Kampe
Parsifal Andreas Schager

Direction musicale Philippe Jordan
Mise en scène Richard Jones (2018)
                                                                                        Günther Groissböck (Gurnemanz)

Après une entrée triomphale en version française au répertoire de l’Opéra le 04 janvier 1914, 4 jours après que l’exclusivité des représentations au Festival de Bayreuth fut enfin levée, Parsifal disparut de l’affiche du Palais Garnier à partir de la Seconde Guerre mondiale.

Cet ostracisme, justifié par le trouble qu’avait suscité Hitler en se prenant lui-même pour un Parsifal qui allait régénérer l’Allemagne, ne fut définitivement levé que sous l’ère Liebermann.

Dorénavant, l’ultime chef-d’œuvre de Wagner fait partie des quarante ouvrages les plus représentés à l’Opéra de Paris.

La dernière production que connut en mars 2008 l’Opéra Bastille montrait avec force comment les idéologies délaissant les lois morales évoluaient en folie criminelle (pour paraphraser le film de Rossellini, Allemagne année zéro). Krzyzstof Warlikowski introduisait ainsi une rupture nette entre la progression dramatique des deux premiers actes et la catastrophe qui s’en suivait, et obligeait au dernier acte à penser la reconstruction d’un nouveau monde.

Sa mise en scène philosophique était à la fois traversée d’espoir et implacable quant au nécessaire devoir de mémoire des actes commis au XXe siècle.

Intelligente et réfléchie, cette production fut cependant détruite par d’obscures raisons sous la direction de Nicolas Joel, sans même que cette dernière ne propose une nouvelle conception.

10 ans plus tard, Stéphane Lissner confie donc au régisseur britannique Richard Jones la tâche de donner une nouvelle vision à cette œuvre aux facettes si multiples.

D’emblée, le propos du metteur en scène se projette dans l’univers sévère d’une fondation à caractère religieux, qui pourrait s’apparenter à celui de l’église de Scientologie. Elle est régie par une figure fondatrice, matérialisée par un immense buste doré, et les adeptes sont convaincus que par l’étude des textes ('Wort') ils découvriront le secret de la vie.

Mais ce mouvement est en perte de vitesse car son fondateur, Titurel, est déclinant, et Amfortas, mortellement blessé, ne peut plus assurer le rite du Graal, un cycle infernal pour lui.  Parsifal arrive dans cette communauté, et observe.

Il gagne ensuite le monde de Klingsor, un dangereux artifice où la chorégraphie pornographique des filles fleurs n'est qu'une monstrueuse illusion. Il y résiste, ainsi qu'à Kundry, et finit par détruire ce monde fallacieux.

Puis, une fois de retour dans la communauté, aveugle car livré à l’incompréhension de cette nouvelle situation, alors que Titurel est mort, la dernière tentative violente de célébration du Graal le conduit enfin à une révélation : mieux vaut laisser tomber ces fausses croyances et partir avec Kundry vers un amour plus humain. Les adeptes se débarrassent alors de leurs oripeaux désuets et le suivent sur ce nouveau chemin.

Cette dramaturgie, appuyée par une direction d’acteur vivante, repose sur un immense décor longitudinal et coulissant.

Elle a l’avantage d’une très grande lisibilité car elle prend souvent au mot le texte du livret, mais se révèle relativement pauvre dans la seconde partie du deuxième acte et bâcle même certains procédés théâtraux attendus – la lance de Klingsor, la scène de séduction de Kundry.

Par ailleurs, fortement réductrice par rapport au travail politique et visionnaire de Krzyzstof Warlikowski, elle s’enferme dans un univers sectaire pour ne trouver d’issue que dans une conclusion naïve. Au moins a-t-elle le mérite de ne pas interférer fortement avec la musique.

Car Philippe Jordan emmène l’orchestre de l’Opéra de Paris vers des cimes élégiaques inouïes, une lumière contemplative irradiant constamment la fosse d’orchestre, avec un sens plaintif et lancinant presque maniéré enflé par la beauté éclatante des cuivres.

Et de cette légèreté de plume, affleurée par les traits furtifs et évanescents des cordes et des vents, nait une finesse ornementale qui souligne l’orientalisme de la musique de Parsifal.

C’est tellement beau et fascinant que l’on imagine peu cette lecture en phase avec une mise en scène trop crue ou trop angoissante.

Et comme chaque chanteur est amené à interpréter un personnage relativement simple et banal dans cette mise en scène, il y a comme une sorte d'évidence qui met en valeur le lien qui les relie au directeur musical dont on peut suivre aisément le soutien indéfectible.

Le plus bouleversant est indiscutablement l'Amfortas de Peter Mattei, terriblement vrai par la manière presque adolescente de se débattre avec ses propres souffrances et démons, la voix virile et mêlée de lamentations doucereuses et innocentes qui atteignent un effet sublime lorsque la musique se fait irrésistiblement palpitante et hors du temps.

Günther Groissböck, à l'inverse, possède un timbre naturellement terrien, noir et bien marqué, et des accents d'amertume qui lui permettent de dessiner un Gurnemanz plus pragmatique que spirituel, et c'est par le soin qu'il met à alléger les ports de voix que l'on ressent son inclinaison pour la sagesse qu'il dépeint.

Evgeny Nikitin, lui qui interprétait un inquiétant Klingsor proxénète dans la précédente production, s'approprie également sans scrupules ce rôle de bio généticien maléfique que lui fait jouer Richard Jones.

Énergique, valorisé par une direction d'acteur qui privilégie une approche frontale avec le public, c'est crânement qu'il affiche un art déclamatoire mordant et insidieux, quelque part séduisant par sa noirceur de roche.

Le couple, quelque peu incendiaire, formé par Andreas Schager et Anja Kampe, peut alors se déployer dans un second acte qui ne lui laisse que des êtres les plus dépouillés pour exister.

Fantastique ténor aux éclats vaillants, Andreas Schager a certes le physique et les attitudes expansives qui lui permettent de jouer efficacement les déchainements immatures de Parsifal, mais il a surtout une stupéfiante capacité héroïque à exprimer les grandes douleurs inhumaines qui le rapprochent de Tristan.

De fait, sa prise de conscience de la blessure d’Amfortas au deuxième acte est suivie par un engagement  qui croise fortement les souffrances du troisième acte de la légende médiévale composée par Richard Wagner 25 ans plus tôt. On a pour lui l’attachement bienveillant pour un cœur adolescent, ce qu'expriment ses aigus soudainement clairs et puissants.

Sa partenaire et complice, Anja Kampe, qu’il retrouve 3 mois après un Tristan et Isolde étrangement démystifié au Staatsoper de Berlin, s’abandonne pleinement à une incarnation qui exacerbe le tempérament de bête de Kundry. Graves fortement timbrés, d’une noirceur sauvage, personnalité forte mais sensiblement peu tourmentée, l’essence bienveillante que l’on ressent continuellement chez elle adoucit le portrait de cette créature névrosée et séductrice.

Des effets morbides saisissants, une alternance entre tension dramatique et détachement ironique, sa confrontation avec Andreas Schager au second acte, portée par un orchestre qui pousse au crime, est un des grands moments d'intensité musicale de la représentation.

Enfin, si on ne le voit pas, car doublé par un figurant qui représente un Titurel faible ayant perdu toute autonomie, Reinhard Hagen fait résonner profondément l’évocation ténébreuse de l’aïeul mourant.

Chœur masculin homogène, soyeux et puissant quand nécessaire, filles fleurs d'une grande efficacité théâtrale, chœur féminin spatialisé depuis les galeries supérieures, pour les voix les plus aiguës, chancelantes comme si la proximité du ciel découvrait leurs fragilités, jusqu'à l'arrière scène pour les voix mezzo destinales, c’est innervé par les ultimes nappes orchestrales qu’on les entend ensemble s’évanouir dans un espace-temps incroyable d’immatérialité et d’une féérie sensationnelle.

Un Parsifal musicalement magique et optimiste qui mérite bien plus que les 4 représentations sauvées de l'incident technique survenu sur le plateau au cours des répétitions.

Hector Berlioz travailla sur Benvenuto Cellini dès 1834, mais après le rejet de son projet par l'Opéra-Comique, le livret fut réécrit et accepté en 1835 par l'Opéra. La création eut lieu le 10 septembre 1838 à la salle Le Peletier, et fut un échec retentissant pour la compositeur. Musique audacieuse, livret en partie écrit pour l'Opéra-Comique, déboires lors des répétitions, dramaturgie confuse, les raisons de ce rejet lèvent encore aujourd'hui des interrogations irrésolues.

L’œuvre eut pourtant une seconde chance lorsque Franz Liszt initia le projet de la reprendre et de la diriger à Weimar en 1852. Berlioz accepta de travailler à de nombreuses modifications et aboutit à une version resserrée qui, cette fois, fut un succès.

Il existe au moins trois versions bien identifiées de Benvenuto Cellini :

On distingue  principalement :

- La version parisienne Paris I en quatre tableaux selon le livret présenté en entrée des répétitions de février 1838
- La version parisienne Paris II en quatre tableaux de la première représentation du 10 septembre 1838
- La version de Weimar en trois actes de novembre 1852

Une version fut aussi créée le 25 juin 1853 au Covent Garden de Londres qui incluait des retouches. Ce fut un échec aussi dur qu'à Paris alors que dans le reste de l'Europe la nouvelle version s'imposa.

Enfin, le 16 février 1856, une version fut jouée à Weimar avec des dialogues parlés à la place des récitatifs.

Le graphique qui suit représente de manière synthétique le découpage en tableaux des 3 principales versions de Benvenuto Cellini (Paris I, Paris II et Weimar), auxquelles est ajoutée celle qu'enregistra  Colin Davis avec l'orchestre de la BBC au Royal Opera House , Covent Garden de Londres en 1972, ainsi que la version que dirigea Philippe Jordan à l'Opéra Bastille en avril 2018.

Cette dernière version est principalement basée sur la version parisienne II de septembre 1838, moyennant plusieurs coupures dont certaines importantes réalisées pour Weimar, mais incorpore également des éléments écrits pour la version Paris I (l'air de Balducci de la scène I) et la version de Weimar (l'introduction orchestrale qui précède le carnaval).

Le fond orange désigne les passages de la version Paris I et non modifiés à la création de version Paris II de septembre 1838
Le fond rose clair désigne les passages de la version Paris I qui disparurent dès la création
Le fond vert désigne les nouveaux passages Paris II créés au cours des répétitions de 1838
Le fond rouge-marron désigne les passages qui furent coupés, ou déplacés, pour la version de Weimar (1852)
Le fond violet désigne les passages totalement nouveaux dans la version de Weimar (1852)
Le fond bleu ciel est utilisé pour les coupures de la version de Bastille 2018

La version la plus longue est celle d'entrée en répétition dite Paris I (février 1838)
Elle comprend trois passages qui seront supprimés au cours des répétitions entre février et septembre 1838. Ces passages sont :

- L'air de Balducci 'Ne regardez jamais la Lune' (1er tableau)
- La romance de Teresa 'Ah! que l'amour ...' (1er tableau)
- Un court épisode du ballet des ombres (2d tableau)

Par ailleurs, l'ouverture originale de cette version est plus longue que celle révisée pour  la première représentation.

Durée approximative : 2h50

La version parisienne officielle est celle de la première du 10 septembre 1838 (Paris II), en incluant les modifications apportées au cours des représentations jusqu'en 1839.
Les airs supprimés depuis les répétitions sont compensés par l’ajout des passages suivants :

- Ajout de l'air de Teresa 'Entre l'amour et le devoir' (1er tableau)
- Ajout de la romance de Cellini 'Une heure encore' au début du second tableau
- Ajout de l'air d'Ascanio 'Tra, la, la, la ,la la .. mais qu'ai-je donc', au début du quatrième tableau, précédé par un entracte

L'ouverture est par ailleurs révisée, et le Pape est remplacé par un Cardinal.

Durée approximative : 2h40mn

La nouvelle version réécrite avec Franz Liszt pour Weimar comprend bon nombre de simplifications notamment dans le quatrième tableau, si bien que la version parisienne en deux actes et quatre tableaux devient à Weimar une version trois actes, le dernier acte regroupant des éléments des deux derniers tableaux.

Par rapport à la version Paris II, les passages suivants furent supprimés :

- L'ensemble de la scène 2 du premier tableau
- Des récitatifs dans la scène 5 du premier tableau
- Un chœur dans la scène 11 du second tableau
- Quelques échanges dans la scène 12 du second tableau
- Des scènes de comédie du dernier tableau

Par ailleurs, certaines scènes, dont l'air d'Ascanio et le chœur des matelots passent au début du tableau 3. De fait, l'entracte précédent l'air d'Ascanio est supprimé.

Les passages suivants furent cependant ajoutés :

- L'introduction orchestrale de la scène 12
- L'ouverture du Carnaval Romain au début du dernier tableau

Enfin, la reprise du trio du premier tableau est identique au trio initial par soucis de simplification.

Durée approximative : 2h25mn

Au disque, la version de référence reste celle de Colin Davis (1972). Elle correspond à la version Paris II - tout en rétablissant le Pape à la place du Cardinal - à laquelle est ajoutée l'introduction orchestrale du carnaval composée pour Weimar, et remplace par des dialogues parlés les récitatifs et passages arioso, comme cela fut envisagé en 1856 pour retrouver une forme adaptée à l'Opéra Comique.

Par ailleurs, John Nelson et l'Orchestre National de France enregistrèrent en 2003 à la Maison de la Radio pour Virgin Classics (racheté en 2013 par Erato) la version des répétitions Paris I, qui permet donc d'entendre la romance de Teresa, tout en y ajoutant l'air d'Ascanio et l'introduction orchestrale de la scène de carnaval.

Chaînes publiques

Jeudi 03 mai 2018 sur France 2 à 23h55
Gala des 10 ans de la Neemrana Music Foundation - Philar. de Radio France

Dimanche 06 mai 2018 sur Arte à 18h40
Juan Diego Florez chante Mozart

Lundi 07 mai 2018 sur France 3 à 00h30
Psyché (Ratmansky) - Opéra de Paris

Lundi 07 mai 2018 sur France 3 à 01h30
Dances at a Gathering (Robbins) - Opéra de Paris

Lundi 07 mai 2018 sur France 3 à 02h40
Dona Francisquita (Vives)

Dimanche 13 mai 2018 sur Arte à 18h30
Chantons la libération

Lundi 14 mai 2018 sur Arte à 00h20
Concert au Royal Festival Hall - Einaudi (piano)

Vendredi 17 mai 2018 sur France 3 à 00h05
Tosca (Puccini) - Opéra de Paris - dm Oren - ms Audi
Serafin, Alvarez, Tézier, Smilek, Bosi

Dimanche 20 mai 2018 sur France 3 à 00h30
Carmen (Bizet) - Chorégies d'Orange - dm Franck
Aldrich, Mula, Guilmette, Karall, Kaufmann, Ketelsen, Teitgen

Dimanche 20 mai 2018 sur Arte à 18h20
Œuvres de Verdi, Puccini, Donizetti - BadenBaden & Fribourg - dm Korsten
Blue, Giordano, Schrott

Dimanche 20 mai 2018 sur Arte à 23h10
Peirani (accordéon)

Lundi 21 mai 2018 sur Arte à 00h20
Benvenuto Cellini (Berlioz) - DNO - dm Elder - ms Gilliam
Osborn, Sicilia, Naouri, Muraro, Losier, Anastassov, Spence, Conner

Dimanche 27 mai 2018 sur Arte à 18h20
Une nuit de Tango depuis le Hollywood Bowl - Philham. Los Angelas - dm Dudamel

Dimanche 27 mai 2018 sur Arte à 22h30
Astor Piazolla - Tango Nuevo

Mezzo et Mezzo HD

Mercredi 02 mai 2018 sur Mezzo à 20h30
Don Giovanni de Mozart à la Monnaie de Bruxelles

Vendredi 04 mai 2018 sur Mezzo HD à 21h00
Mitridate de Mozart au Théâtre des Champs-Elysées

Samedi 05 mai 2018 sur Mezzo à 20h30
La Wally de Catalani au Grand-Théâtre de Genève

Dimanche 06 mai 2018 sur Mezzo HD à 21h00
Alcina de Haendel au Festival d'Aix en Provence

Mercredi 09 mai 2018 sur Mezzo à 20h30
Dardanus de Rameau au Grand-Théâtre de Bordeaux

Vendredi 11 mai 2018 sur Mezzo HD à 21h00
Il Trionfo del Tempo e del Disinganno de Haendel au Festival d'Aix

Dimanche 13 mai 2018 sur Mezzo HD à 21h00
Mitridate de Mozart au Théâtre des Champs-Elysées

Lundi 14 mai 2018 sur Mezzo à 20h30
Juditha Triumphans de Vivaldi à La Fenice de Venise

Mercredi 16 mai 2018 sur Mezzo à 20h30
Lulu d'Alban Berg à la Monnaie de Bruxelles

Vendredi 18 mai 2018 sur Mezzo HD à 21h00
Don Giovanni de Mozart au Festival d'Aix-en-Provence

Samedi 19 mai 2018 sur Mezzo à 20h30
Cavalleria Rusticana et Pagliacci au Met de New York

Dimanche 20 mai 2018 sur Mezzo HD à 21h00
Alcina de Haendel au Festival d'Aix en Provence

Mercredi 23 mai 2018 sur Mezzo à 20h30
Jérémie Rohrer dirige Il Monde della Luna de Haydn à l'Opéra de Monte-Carlo

Vendredi 25 mai 2018 sur Mezzo HD à 21h00
Il Trionfo del Tempo e del Disinganno de Haendel au Festival d'Aix

Samedi 26 mai 2018 sur Mezzo à 20h30
Lady Macbeth de Chostakovitch à l'Opéra de Lyon

Dimanche 27 mai 2018 sur Mezzo HD à 21h00
Don Giovanni de Mozart au Festival d'Aix-en-Provence

Mercredi 30 mai 2018 sur Mezzo à 20h30
La Bohème de Puccini à Paris

Web : Opéras en accès libre (cliquez sur les titres pour les liens directs avec les vidéos)

Sur Concert Arte, Medici.Tv et Br Klassik

Die Meistersinger von Nüremberg (Bayreuth) - ms Barrie Kosky

Sur Operavision, Culturebox, ConcertArte etc...

Les Noces de Figaro (Garsington Opera) jusqu'au 02 mai 2018

Lucio Silla (La Monnaie) jusqu'au 09 mai 2018

La Walkyrie (Opera North) jusqu'au 17 mai 2018

Faust (Opéra de Lettonie) jusqu'au 21 mai 2018

Tannhäuser (Staatsoper Berlin) juqu'au 24 mai 2018

La Chauve-Souris (Opéra de Marseille) jusqu'au 27 mai 2018

Benvenuto Cellini (Opéra d'Amsterdam) jusqu'au 27 mai 2018

Juliette (Opéra de Prague) jusqu'au 02 juin 2018

Siegfried (Opera North) jusqu'au 08 juin 2018

Le chant de la Terre (Festival de Saint-Denis) jusqu'au 09 juin 2018

Legenda Baltyku (Poznan Opera House) jusqu'au 09 juin 2018

Le songe d'une nuit d'été (Alexandre Ekman) jusqu'au 14 juin 2018

Dialogues des Carmélites (La Monnaie de Bruxelles) jusqu'au 14 juin 2018

La Bohème (Opéra National de Paris) jusqu'au 15 juin 2018

Le Barbier de Séville (Théâtre des Champs-Élysées) jusqu'au 14 juin 2018

Hänsel und Gretel (Hungarian State Opera) jusqu'au 21 juin 2018

Götterdämmerung (Opera North) jusqu'au 21 juin 2018

Otello (Opéra Royal de Wallonie) jusqu'au 27 juin 2018

Le Comte Ory (Opéra Comique) jusqu'au 30 juin 2018

La Folie Offenbach (Folies Bergères) jusqu'au 02 juillet 2018

L'Orfeo (New Belgrade Opera) jusqu'au 03 juillet 2018

Rigoletto (Chorégies d'Orange) jusqu'au 11 juillet 2018

Erismena (Festival d'Aix en Provence) jusqu'au 12 juillet 2018

Dans les coulisses du Festival d'Avignon jusqu'au 21 juillet 2018

Turandot (Teatro Regio Torino) jusqu'au 24 juillet 2018

Les Contes d'Hoffmann (Opéra de Monte-Carlo) jusqu'au 01 août 2018

The second violonist (Irish National Opera) jusqu'au 01 août 2018

Et in Arcadia ego (Opéra Comique) jusqu'au 09 août 2018

Eros et Psychée (Polish National Opera) jusqu'au 20 août 2018

Guerre et Paix (Théâtre Mariinsky) jusqu'au 25 août 2018

Roméo et Juliette et Le Château de Barbe-Bleue (Helsinski) jusqu'au 13 septembre 2018

Cavalleria Rusticana & Pagliacci (La Monnaie) jusqu'au 13 septembre 2018

Aida (Royal Swedish Opera) jusqu'au 16 septembre 2018

Blaubart (Komische Oper) jusqu'au 16 septembre 2018

La Légende du roi Dragon (Opéra de Lille) jusqu'au 18 septembre 2018

Tristan und Isolde (Staatsoper de Berlin) jusqu'au 18 septembre 2018

Parsifal (Opera Ballet Vlaanderen) jusqu'au 20 septembre 2018

Le Radeau de la Méduse (Opéra d'Amsterdam) jusqu'au 25 septembre 2018

La Favorite (Maggio Musicale Fiorentino) jusqu'au 25 septembre 2018

Philippe Jordan dirige les symphonies n°2 & 4 de Tchaïkovski - jusqu'au 28 septembre 2018

Manon Lescaut (Opéra Royal de Wallonie) jusqu'au 29 septembre 2018

Lucia di Lammermoor (Opéra de Lausanne) jusqu'au 05 octobre 2018

Il Corsaro (Palau de las Reina Sofia) jusqu'au 07 octobre 2018

La Traviata (Den Norske Opera & Ballet) jusqu'au 13 octobre 2018

Il Terremoto (Festival Misteria Paschalia) jusqu'au 18 octobre 2018

Fra Diavolo (Théâtre de l'Opéra de Rome) jusqu'au 20 octobre 2018

Don Giovanni (Teatro La Fenice) jusqu'au 21 octobre 2018

Lohengrin (Théâtre Royal de la Monnaie) jusqu'au 25 octobre 2018

La Donna del Lago (Opéra de Lausanne) jusqu'au 26 octobre 2018

Norma (Opéra Royal de Wallonie) jusqu'au 29 octobre 2018

Le Devin du village (Opéra de Versailles) jusqu'au 29 décembre 2018

La Passion selon Saint-Jean (Philharmonie) jusqu'au 31 décembre 2018

Carmen (Opéra Royal de Wallonie) jusqu'au 03 février 2019

Butterfly (Opéra de Limoges) jusqu'au 11 mars 2019

Le Couronnement du Roi à Versailles (Chapelle du Château de Versailles) jusqu'au 12 mars 2019

Les Noces de Figaro (Opéra Royal de Wallonie) jusqu'au 11 avril 2019

Orlando Furioso (Teatro de la Fenice) jusqu'au 12 avril 2019

Norma (Teatro de la Fenice) jusqu'au 19 mai 2019

The Rake'sProgress (Festival d'Aix-en-Provence) jusqu'au 10 juillet 2020