Die Gezeichneten (Franz Schreker)
Représentation du 10 février 2018
Komische Oper Berlin

Adorno Joachim Goltz
Tamare Michael Nagy
Lodovico Jens Larsen
Carlotta Ausrine Stundyte
Alviano Peter Hoare
Guidobald Adrian Strooper
Menaldo Ivan Turšić
Michelotto Tom Erik Lie
Gonsalvo Denis Milo

Direction musicale Stefan Soltesz
Mise en scène Calixto Bieito (2018)

Peter Hoare (Alviano) et Ausrine Stundyte (Carlotta)

Pour l'anniversaire des cent ans de la création des Stigmatisés, le Komische Oper de Berlin porte sur scène une nouvelle production de l’œuvre la plus connue de Franz Schreker en la livrant au regard saillant et sans indulgence de Calixto Bieito, un de ces metteurs en scène qui n'a pas peur de porter au cœur du théâtre des problématiques sociales crues, surtout quand il s'agit de montrer à quel point la dignité humaine peut subir les pires oppressions de la part de ceux qui détiennent le pouvoir.

Il choisit ici de représenter Alviano, un riche génois difforme qui a créé une île paradisiaque dans l’idée de dépasser les souffrances infligées par sa maladie, sous les traits d'un homme affectivement déséquilibré, en proie à une attirance sexuelle pour les enfants.

C'est donc ce qui se passe sur cette île, utilisée par des notables de la ville pour y organiser des orgies, qui est au cœur du sujet.

Pousser à ce point l'interprétation en confrontant le spectateur à la violence de cette folie déforme incontestablement la structure dramatique originelle de l’œuvre, mais la radicalité théâtrale avec laquelle ce point de vue est analysé pour aboutir à une conclusion qui fait sens est d'une telle vérité psychologique, que tout se comprend sans qu'il n'y ait besoin de se rattacher au texte.

Des visages d'enfants, parfois tuméfiés, s'affichent en grand de toute part. En avant scène, Alviano se débat avec ses souffrances, une poupée à la main, alors que des hommes attachent et attirent des jeunes hors du plateau.

Carlotta, elle, n'est plus une artiste peintre, mais une femme atteinte de nymphomanie. Le portrait qu'elle dessine de celui qui la fascine est cependant découpé au couteau sur un fond uniforme, sous forme d'un contour anguleux.

Au fur et à mesure que le mystère se désépaissit, ce jeu d'échanges entre Alviano et Carlotta laisse place à la représentation de l'île enchantée, un univers où des jouets gigantesques, train qui tourne en boucle et peluches inertes multicolores, évoquent les manques affectifs des hommes et leur compensation par leurs déviances sexuelles. Les enfants ne sont plus que des objets à fantasmes.

La rivalité entre Alviano et Tamare ne fait plus sens selon ce propos, et c'est Carlotta elle même qui tue ce dernier, comme un exutoire au traumatisme qu'elle a connu dans sa jeunesse et qui l'a totalement déséquilibrée. Un meurtre pour vengeance d'un viol.

Ausrine Stundyte, athlétique et puissamment féline, use de sa voix expressive et sauvage, pleine et sensuelle dans la tessiture médiane, pour incarner sans ambages la présence et les pulsions sexuelles de cette héroïne écorchée. Elle connaît déjà bien Calixto Bieito depuis Tannhäuser et Lady Macbeth de Mzensk à l'opéra des Flandres, et c'est sur une nouvelle production de cette Lady de Chostakovitch qu'elle retrouvera Krzysztof Warlikowski la saison prochaine pour faire ses débuts à l'Opéra de Paris.

Les rôles masculins, eux, ont tous de ce vérisme musical que revendique Schreker et qui donne une tonalité froide et perçante à leur chant, et parmi eux, Peter Hoare s'investit totalement avec un sens de l'urgence glaçant. Il faut véritablement une forte capacité d'effacement de soi pour pousser aussi loin ce jeu de torpeurs misérables.

Mais finalement, peu le différencie de Michael Nagy qui, toutefois, a meilleure emprise scénique pour imprimer à Tamare un aplomb viril et inquiétant.

Et loin de reproduire la luxuriance fantastique d'Ingo Metzmacher qui dirigeait l'été dernier l'orchestre du Bayerische Staatsoper dans la production des Stigmatisés de Krzysztof Warlikowski, Stefan Soltesz propose une lecture plus compacte mais tout aussi complexe, qui sert formidablement l'engagement violemment théâtral des artistes, si bien que l'on se trouve complètement happé par ce délire d'adultes dans un monde d'enfant à en finir profondément estomaqué.

Die Gezeichneten / Les stigmatisés (Franz Schreker)
Représentation du 01 juillet 2017
Bayerische Staatsoper - München

Herzog Antoniotto Adorno Tomasz Konieczny
Graf Andrea Vitellozzo Tamare Christopher Maltman
Lodovico Nardi Alastair Miles
Carlotta Nardi Catherine Naglestad
Alviano Salvago John Daszak
Guidobaldo Usodimare Matthew Grills
Menaldo Negroni Kevin Conners
Michelotto Cibo Sean Michael Plumb
Gonsalvo Fieschi Andrea Borghini
Julian Pinelli Peter Lobert
Paolo Calvi Andreas Wolf
Capitano di giustizia Tomasz Konieczny
Ginevra Scotti Paula Iancic
Martuccia Heike Grötzinger
Pietro Dean Power
Ein Jüngling Galeano Salas
Dessen Freund Milan Siljanov
Ein Mädchen Selene Zanett

Direction musicale Ingo Metzmacher
Mise en scène Krzysztof Warlikowski (2017)
Décors et costumes Małgorzata Szczęśniak                     Catherine Naglestad (Carlotta)

Avant d’ouvrir la troisième saison de Stéphane Lissner à la direction de l’Opéra de Paris par une nouvelle production de la version parisienne intégrale de Don Carlos, Krzysztof Warlikowski a choisi de mettre en scène, en quelques mois, trois ouvrages dont l’intrigue est construite sur la rivalité entre deux hommes épris de la même femme, et qui s’achève par la mort de celle-ci et l’éclatement de la folie meurtrière de l’amant éconduit.

Cette trilogie, initiée par Wozzeck d’Alban Berg – l’oeuvre fut jouée à l’Opéra d’Amsterdam en mars dernier -, s’achèvera par les représentations de Pelléas et Mélisande au Festival de la Ruhrtriennale à Bochum, cet été. 

Entre temps, le régisseur polonais est invité au Bayerische Staatsoper pour l’ouverture du Festival lyrique 2017 de Munich, afin de diriger la nouvelle production de Die Gezeichneten.

Il s'agit d'un opéra créé en 1918 qui impressionna tellement le monde musical par sa structure opulente et la qualité de son livret, qu'un critique musical installé à Frankfurt, Paul Bekker, déclara que le musicien autrichien était le successeur le plus crédible de Richard Wagner. Ce sera le point de départ d'une campagne antisémite qui s'insinuera dans la vie de Schreker, qui n'était pas juif mais qui avait beaucoup d'amis juifs, au point de causer sa mort en 1934 et stopper net la reconnaissance de son oeuvre.

Un tel contexte ne pouvait que toucher profondément Krzysztof Warlikowski et l'inciter à y faire référence dans son travail de mise en scène.

Ainsi, la présence d'une imposante paroi réfléchissante, dressée au milieu du décor glacé conçu par Małgorzata Szczęśniak, est le signe avant-coureur que la conscience du public sera directement frappée.

Alviano, ce riche génois difforme qui a créé une île paradisiaque dans l’idée de dépasser les souffrances infligées par sa maladie, prend ici les traits de Joseph Merrick, dit Éléphant Man.

Il appartient bien à la même classe des hommes d'affaires de la cité, dissimule son visage autant que possible, et boit.

John Daszak en restitue un portrait d'une franchise vocale entièrement extériorisée, ni lisse, ni séductrice, sinon révélatrice de la violence de sa détresse.

Carlotta, somptueuse sous les traits de Catherine Naglestad, apparaît enveloppée d’un long manteau sombre et, d'emblée, exprime des sentiments d'une sensualité écorchée torride et animale. 

Si les premières scènes sont jouées avec un sens absolu du dénuement intimiste, l'art vidéographique de Warlikowski et de son comparse, Denis Guéguin, prend par la suite une dimension fantastique et envahissante. Un film, représentant une famille aux visages de souris vivant dans son petit intérieur, fait alors écho aux révélations mystérieuses de Carlotta. 

Aux doutes et aux interrogations, cette imagerie laisse place à l'évocation d'un judaïsme qui s'immisce dans cette histoire, et se renforce au fil du drame. Ainsi, parmi la saisissante projection d'extraits de films du cinéma expressionniste d’entre deux-guerres - tels Frankenstein, The Phantom of the Opera ou Nosferatu, qui montrent l'attirance mortelle des héroïnes pour ces monstres -, un extrait de l'adaptation du Golem de Paul Wegener, diffusé devant un chœur d'enfants grimés, eux aussi, en souris, suggère les origines juives de Carlotta.

Son amour pour Alviano paraît fatalement résulter d'un conditionnement culturel - une croyance en une créature nouvelle, symbole de la création surhumaine.

Mais les souris, directement inspirées de la bande dessinée d'Art Spiegelman, Maus, évoquent surtout la perspective mortelle des camps de concentration et le climat délétère que connut Franz Schreker dès les années 1920.

Warlikowski profite ensuite du début du troisième acte, avant que la musique ne commence, pour régler les comptes du compositeur avec l'antisémitisme et le nazisme.

Il fait réciter par le personnage d'Alviano, dans le silence et la solitude théâtrale de la salle, un autoportrait qu'écrivit Schreker pour une revue musicale autrichienne : 'Je suis impressionniste, expressionniste, futuriste, adepte du vérisme musical. Je me suis élevé grâce à la puissance du judaïsme, chrétien, je suis 'arrivé' soutenu par une clique catholique sous le haut patronage d'une princesse viennoise ultra-catholique’.

C'est sans aucun doute cette volonté de déborder du cadre même des profondeurs de l'oeuvre, pour revenir à la personnalité de Schreker, que ne lui pardonnera pas une partie du public au rideau final.

Le propos s'allège avec la révélation des magnificences de l'île. Le rapport à l'érotisme est figuré par un groupe de danseurs sur pointes et d'apparence nue, chorégraphiant des pas sous la forme d’un divertissement de luxe qui ne constitue donc pas une vision artistique signifiante. 

L'esprit de cette scène est ainsi très proche de la danse des corps séniles que Warlikowski introduisit dans sa mise en scène de Krol Roger à l'Opéra Bastille.

L'ultime tableau, lui, est terriblement fascinant. En fond de scène, une grotte en forme de cage de verre surmontée de cinq piliers froidement lumineux cristallise l’instant de la catastrophe imminente. Tamare en surgit tout en tentant maladroitement de se rhabiller.

Carlotta se réveille ensuite dans une atmosphère indiscernable et fantastique, telle une Lucia ou une Lady Macbeth devenue folle, et tend une pomme rouge au moment du meurtre de son amant. 

A ce moment précis, la puissante stupeur de Catherine Naglestad, décuplée par la violence de l'orchestre, donne à cette scène théâtrale une force incroyablement irrésistible et d'une noirceur insondable. Un immense soleil, rougeoyant dans l’instant de la passion, et glacé quand l’âme n’est plus qu’en perdition, symbolise dans sa totalité l’état des pulsions vitales en jeu. 

Krzysztof Warlikowski resserre ainsi le climat psychologique sur la relation étouffante entre ces trois protagonistes non conventionnels, et élude totalement la représentation d'architectures démesurées ou bien d'orgies démonstratives contenues dans le livret, mais de valeur secondaire. 

Il est aidé par le lyrisme unifiant et envoûtant de la direction d'Ingo Metzmacher, qui surmonte magnifiquement la difficulté de lier l'enchaînement des ambiances orchestrales, passant de l'enjôlement nostalgique à l'agressivité, plongeant dans les méandres subliminaux, et exultant soudainement en une vague de luxuriance délirante.

Beauté des coloris, patine sculpturale, impression de luxe sonore et fluidité vive et    inaltérable, l'entière interprétation est dépassée par un art de la modulation merveilleux qui traverse l'auditeur de son énergie insidieuse.

Tous les chanteurs, absolument tous, ne cèdent rien à la force expressive de leurs caractères. Christopher Maltman, en Tamare, imprègne une inflexible maturité par sa voix incisive plus percutante qu'à Amsterdam où il incarnait Wozzeck peu avant. Il est un chanteur dramatique, puissant, et arrive à résister face à l'Adorno de Tomasz Konieczny dont la noirceur carnassière fortement séductrice est légèrement retenue pour cette première représentation.

Catherine Naglestad, inattendue dans un rôle à la fois sensible et démesuré, donne des accents de Walkyrie débordants de lyrisme et pénétrants, et démontre qu'elle est toujours une des artistes les plus accomplies du grand répertoire allemand.

John Daszak, comme décrit plus haut, joue sans ambages le naturalisme expressif éclatant d'effroi.

Et chaque rôle secondaire a naturellement son mot à dire et une présence à affirmer, comme le talent de Warlikowski permet de les faire vivre dans les moindres détails.

Une  noirceur omniprésente, un énorme engagement de l'ensemble des artistes, Franz Schreker est réhabilité dans toute son audace créative et sa contemporanéité individualiste et tragique.

Der Schatzgräber (Franz Schreker)
Représentation du 01 septembre 2012
De Nederlandse Opera (Amsterdam)

Der König Tijl Faveyts
Die Königin Basja Chanowski
Der Kanzler/Der Schreiber Alasdair Elliott
Herold / Der Graf André Morsch
Der Magister/Der Schultheiss Kurt Gysen
Der Narr Graham Clark
Der Vogt Kay Stiefermann
Der Junker Mattijs van de Woerd
Elis Raymond Very
Der Wirt Andrew Greenan
Els Manuela Uhl
Albi Gordon Gietz
Ein Landsknecht Peter Arink
Erster Bürger Cato Fordham
Zweiter Bürger Richard Meijer
Mezzo Sopran Solo Marieke Reuten
Alt Solo Inez Hafkamp
Alt Solo Hiroko Mogaki                                                    Manuela Uhl (Els)

Mise en scène Ivo van Hove    
Direction musicale Marc Albrecht

Au cours de la première décennie de ce siècle, la réhabilitation scénique des œuvres d’un compositeur allemand dénigré par Hitler, Paul Hindemith, révéla sa richesse d’écriture musicale et littéraire. L’Opéra National de Paris lui a même dédié deux productions à l’esthétique magnifique pour Cardillac et Mathis Le Peintre.

Selon le même mouvement de renaissance sur les cendres du nazisme, la seconde décennie pourrait bien être celle d’un autre compositeur juif autrichien, Franz Schreker.
Cette saison, l’Opéra de Strasbourg redécouvre Der Ferne Klang, et il en sera de même, bientôt, pour Der Gezeichneten (Les Stigmatisés) à Paris, alors qu’Amsterdam ouvre la saison 2012/2013 avec Der Schatzgräber.

Le chercheur de trésor est un conte de fée centré sur le personnage d’Els, jeune femme qui a pu récupérer et conserver pour elle même les bijoux volés de la Reine.
Engagé par le Roi, un chanteur ambulant et joueur de luth, Elis, la rencontre, et l’histoire d’amour qui se noue entre eux deux se trouve contrariée par nombres d’embûches, nombres de prétendants, et par le rapport obsessionnel qu’entretient Els malgré tout avec les joyaux.

A travers sa mise en scène, Ivo van Hove décrit l’évolution intérieure d’Els en la présentant comme une adolescente rebelle, arborant une collection de crucifix provocateurs, et élevée de surcroît dans un milieu masculin grossier et dominateur.

Cette quête d’elle-même passe par le regard d’Elis, mais aussi par des phases de doute, de peur et de régression, ce que le régisseur exprime avec une justesse et une précision théâtrale rare à l’Opéra.
Et il a la chance de pouvoir travailler cette vision avec Manuela Uhl, une fabuleuse chanteuse dans un rôle qu‘elle s‘approprie entièrement.

Belle femme à l’allure naturelle, un caractère écorché mais les yeux perdus, ses expressions vocales raisonnent autant de douleur intense et lumineuse que de délicatesse, un art de la diction et de la vérité intérieure dont on ne décroche à aucun instant.
Cette vitalité se transmet aussi par l’éclat des couleurs et la profondeur d'émission qui en font le cœur rayonnant de toute la représentation.

Le décor repose sur un grand plan vertical, brisé vers l’intérieur de la scène, une disposition qui favorise encore plus la projection des voix dans une salle à l’acoustique intrinsèquement aérienne et enveloppante.

Abondamment utilisée, la vidéographie, reprenant la symbolique de la forêt que l’on discerne au second plan de la scénographie du premier acte, renvoie à l’histoire de la jeune femme, sa rupture avec ses origines, puis à ce grand moment d’unité avec elle-même qu’elle retrouve dans la scène d’amour du troisième acte, jusqu’à la naissance de la vie.  L’imagerie mélange amour physique et imaginaire cosmique avec un trop grand écart de niveau pour ne pas en sourire.

Ce troisième acte est d’un lyrisme étourdissant car l’on se trouve plongé dans le flot qui immerge les amants tels Tristan et Isolde, sans toutefois la noirceur qui caractérise l’état d’âme de ces derniers.

Ainsi, la musique de Schreker est un écoulement continu régénérant soulevé de grands mouvements épiques, lisibles quand ils soulignent le caractère oppressant des protagonistes masculins, et qui se recueille sur des instants poétiques très sensibles, d’où se délient les motifs d’instruments sur les frémissements des cordes.

Ces passages sollicitent les ressources de l’orchestre situées à gauche, plus proche du cœur, et c’est peut être pour cela que les moments intimes se jouent la plupart du temps de ce côté ci de la scène.

Marc Albrecht y engage une fougue et un sens de l’unité qui permettent ainsi de lier avec naturel toute les dimensions d’une musique immédiate d’accès, et où l’on pressent la récurrence de motifs, même s’ils n’ont pas la même accroche pénétrante et obsédante comme dans la musique de Wagner.

Bien que Manuela Uhl soit véritablement l’étoile de la soirée, la distribution ne comporte aucune faille et permet d’apprécier des caractères aussi différents que le Bouffon de Graham Clark d’une clarté mordante, voir cinglante, l’impressionnant Kay Stiefermann maître d’un personnage à la fois glacial et fascinant, l’élocution faussement suave d’Alasdair Elliott, remarquable par le poids écrasant de son regard menaçant, et, à contre courant de tous ces hommes profondément empreints de leur vanité sociale, Raymond Very livre une interprétation humaine d’Elis d’une très grande maturité, totalement axé sur l’empathie avec l’autre et d'une très belle sensibilité.

Ivo van Hove a tiré de ces artistes le meilleur d’eux-mêmes, montré dans son approche scénique et vidéographique la foi qu’il a en la vie, et ce sont ces images là qui rendent aussi fondamental un tel théâtre.

Le chœur, dans un rôle à la fois spectateur et consolateur, fut d’une unité impeccable.