Venise révélée – Grand Palais Immersif à l’Opéra Bastille
Exposition ‘Venise révélée’
Du 21 septembre 2022 au 19 février 2023
Vernissage du 20 septembre et visite du 18 octobre 2022
110, rue de Lyon – Paris 12
Opéra Bastille

L’exposition ‘Venise Révélée’ s’inscrit dans la continuité des expositions ‘Sites éternels’ (14 décembre 2016 au 09 janvier 2017) et ‘Pompéi’ (01 juillet au 29 octobre 2020) qui furent organisées par la Réunion des musées nationaux et le Grand Palais afin de présenter des reconstitutions 3D de sites archéologiques.

Elle se déroule dans un tout nouvel espace qui était originellement prévu pour accueillir de nouvelles formes musicales, la salle modulable de l’Opéra Bastille, projet cher à Pierre Boulez, Massimo Bogianckino et Gerard Mortier initié en 1984.

Les vicissitudes historiques ont reporté ce projet à des horizons inconnus, mais l’espace brut existe toujours, si bien que c’est dans ce volume de 1600 m² et 40 m de hauteur, réservé pour moitié à l’espace d’exposition et pour l’autre moitié à l’accueil du public, que les visiteurs peuvent venir apprécier ce lieu inachevé et profiter dorénavant de la première exposition à s’y dérouler.

Pour réaliser cette prouesse virtuelle, le Grand Palais s’est associé à la société Iconem qui a développé des technologies de numérisations innovantes à grande échelle éprouvées en 2017 pour évaluer les dommages subis par l’ancienne ville d’Alep, en Syrie, à partir d’images satellites UNOSAT à finalité humanitaire.

En collaboration avec la Fondazione Musei Civici di Venezia, ils ont pu démontrer l’intérêt de ces modèles numériques pour la conservation de la Sérénissime, si bien qu’en plein covid, les équipes techniques ont eu accès à l’intérieur de tous les palais de la ville.

Il en résulte une banque de données de plus de 300 000 images à très haute résolution récoltées en scannant à partir d’avions, de drones, de photos prises au sol, l’ensemble de la ville et le Grand Canal, qui ont ensuite été traitées afin de reconstituer un modèle unique de toute la cité, y compris l’intérieur des Palais principaux, jusqu’aux détails millimétriques des peintures.

La hauteur sous plafond réservée à la salle modulable permet ainsi de créer de très grandes projections qui invitent chacun à voyager de manière inédite à travers la cité. Pour ce faire, il suffit d’un peu de laisser-aller, et de s’installer sur l’un des bancs de l’espace d’exposition tout en fixant les grands écrans où défilent de splendides façades. Et soudain, le spectateur a alors l’impression que c’est lui-même qui est en mouvement et navigue le long des canaux, des escaliers et des salles des monuments, l’illusion se déstructurant au fil de l’avancée.

Dès l’entrée, d’ailleurs, cette impression de survol au-dessus des toits de la ville peut être expérimentée à partir d’une projection étalée légèrement en contrebas qui s’élève ensuite en arrière-plan.

La disposition de tous les écrans n’est donc pas laissée au hasard, car elle cherche à créer de la perspective et augmenter l’impression d’immersion.

La musique du compositeur David Chalmin, relaxante et parcellée d’effets  liquides, aide aussi à se laisser aller à un état d’esprit contemplatif.

Certains espaces, plus confinés, permettent d’entrer dans un état d’esprit analytique à partir de tableaux numériques qui aident à comprendre l’architecture de la ville, la construction des rues sur l’eau, l’origine du bois et des matières premières, ou invitent à suivre les différentes étapes de construction des bateaux à l’Arsenal. Une vue ouverte sur un palais comprenant un double escalier qui évite aux deux familles y habitant de se croiser est même montrée. Sa description se trouve dans un manuscrit de Léonard de Vinci datant de 1490.

Il est également possible de comparer des peintures de Venise par Francesco Guardi ou Antonio Canaletto avec les modèles réels d’Iconem grâce à des impressions lenticulaires qui permettent, par un simple mouvement de tête de quelques centimètres, de modifier l’image vue.

A cette expérience qui mêle réalité objective et perception artistique, s’ajoute une étonnante section dédiée au jeu d’Ubisoft ‘Assassin’s Creed’ qui est une manière interactive de voyager dans la Venise de la Renaissance, telle que les historiens de la société de jeu vidéo ont pu la reconstituer.

L’analyse des œuvres d’art est également renforcée en mettant à disposition du visiteur des photographies haute résolution de peintures habituellement inaccessibles, car trop éloignées des regards, et qui sont ainsi mises en valeur par l’utilisation de grands écrans digitaux tactiles qui deviennent de formidables outils de navigation à travers les détails les plus fins de ces œuvres, et qui permettent même de s’affranchir de la vue générale.

L’intérêt scientifique devient mieux palpable, car le but est d’identifier des microfissures dans des toiles perchées à 12 mètres de haut dans les salons du Palais des Doges, ou de voir des phénomènes d’érosion sur les Palais du Grand Canal – on peut remarquer, par exemple, des statues ébréchées lors de la navigation dans les modèles -, ainsi que des caractéristiques topographiques en cas d’inondation.

Et même si cette exposition rend compte à quel point la cité est un miracle d’architecture qui résiste à tous les changements et les menaces actuelles, et notamment écologiques, la numérisation de la ville est utilisée à des fins artistiques et visionnaires en proposant un voyage à travers une Venise noyée sous les eaux dans une lumière bleuâtre irréelle.

Enfin, un grand espace sert à reconstituer à l’échelle réelle les grands lieux de pouvoir, la Place Saint-Marc et sa Basilique pour le pouvoir religieux, le Palais des Doges pour le pouvoir politique et militaire, afin de montrer l'importance de l’architecture.

Et au pied des trois grands écrans, une maquette du luxueux bateau du Doge (‘Bucintoro’ en italien) reproduit la magnificence de ce vaisseau galérien qui servait aux dignitaires de la Venise afin de parader aux yeux de tous.

Ce voyage virtuel peut donner envie à ceux qui ne connaissent pas Venise de s’y rendre, mais il est aussi un intéressant outil qui peut modifier notre regard, le rendre plus acéré, lors de nos visites dans des lieux anciens.

Pour en savoir plus sur la salle modulable : La salle modulable et les ateliers de l'opéra Bastille - Historique et projet d'achèvement (1982 - 2023)

Exposition de la collection Mikhaïl (1870-1903) et Ivan (1871-1921) Morozov
Du 22 septembre 2021 au 03 avril 2022
Fondation Louis Vuitton - avenue Mahatma Gandhi, Paris
Visites du 18 et 22 janvier 2022

Cinq ans après avoir consacré une exposition à la collection Chtchoukine, la Fondation Vuitton présente l’autre grande collection russe qui réunissait aussi des œuvres de l’art contemporain moderne, la collection Morozov. Toutes deux permirent l’émergence de l’art expressionniste français à un moment où, en France, on ne souhaitait pas trop acheter des œuvres de peintres modernes.

Une première salle présente les portraits de la famille Morozov dont les deux frères principaux et leur mère. 
Mikhaïl Morozov, l’aîné, né en 1870, et dépeint par un immense portrait gris-anthracite de Valentin Serov, était originaire d’une des plus riches familles de Russie, composée de vieux croyants orthodoxes, qui possédait des manufactures de coton. Cette famille avait le goût du travail car le fondateur de cette dynastie avait été serf.

Mikhaïl était un entrepreneur russe avisé et fut même le sujet d’une pièce de Soumbatov-Youjine « Un gentleman » (1897). Il mourut jeune en 1903 à l’âge de 33 ans, et c’est lui qui va démarrer cette collection avec 39 œuvres d’art françaises et 44 œuvres russes. Car si à Saint-Pétersbourg les Tsars et les aristocrates collectionnaient déjà les œuvres des artistes les plus célèbres, à Moscou, ce sont des investisseurs privés et des entrepreneurs qui se mirent à collectionner des œuvres d’art et à ouvrir des galeries.

Yvan, son jeune frère cadet d’un an, avait commencé à apprendre à dessiner dès l’âge de 9 ans, et eut comme professeurs plusieurs peintres très connus dont Constantin Korovine qui est représenté dans une pose décontractée par Valentin Serov. Yvan ne sera pas peintre, car après des études à Zurich il devra revenir en Russie pour reprendre la direction des manufactures à Tyer.
C’est seulement en 1900 qu’il s’installe à Moscou où habitait son frère Mikhaïl, sa présence n’étant plus nécessaire à Tver

Il va rencontrer chez lui des peintres russes contemporains et se mettre lui aussi à collectionner des œuvres d’art. Il s’intéresse ensuite à la peinture française moderne, et c’est cette fusion avec la peinture moderne russe qui va faire la vie d’Ivan Morozov.

Sa collection comprenait des œuvres de Vincent Van Gogh, Auguste Renoir, Paul Cézanne, Pablo Picasso ou encore Henri Matisse.
Il y avait aussi des peintres russes parmi lesquels Mikhaïl Vroubel, Alexandre Golovine, Natalia Gontcharova, Constantin Korovine ou Valentin Serov.

La salle suivante intitulée « l’invention d’un regard » pose les bases du goût pour le portrait. On y trouve des œuvres achetées par les deux frères, des Renoir,  mais aussi la chanteuse et artiste de cabaret « Yvette Guilbert » par Toulouse-Lautrec.

Un peu à l’écart, dans un espace sombre, le visiteur est immédiatement plongé dans l’univers de l’Hôtel particulier qu’Ivan Morozov transforma à Moscou en galerie privée où tous les murs étaient couverts de toiles. Des photographies noir et blanc rendent avec force la densité incroyable de chefs-d’œuvre réunis en un espace aussi réduit.

Ivan Morozov commence à se rendre très régulièrement à Paris à partir de 1907 pour dénicher de nouvelles peintures au Salon d’automne et au Salon des indépendants. Il logeait en face du Palais Garnier, mais n’avait pas le temps d’aller à l’Opéra, car il était attiré par le quartier Montmartre où se trouvait notamment la boutique du marchand d’art Ambroise Vollard. Les carnets où il notait méticuleusement les prix de tout ce qu’il achetait sont conservés aujourd’hui au Musée des Beaux-Arts Pouchkine à Moscou.

Une vaste salle présente la richesse de couleurs de peintures de paysages et de moments de vie parisiens, thèmes autour desquels artistes français et russes sont mis en correspondance. La fascination pour Paris et sa région, avec Louveciennes, Fontainebleau, Montgeron, et aussi le pays d’Aix est superbement mise en valeur. L’intelligence d’Ivan consistait à savoir réunir des œuvres dispersées sur le marché tels ces deux Claude Monet, "Un Coin de jardin à Montgeron" et "L’Étang à Montgeron", dont ce dernier peut être considéré comme une matrice des Nymphéas.

Un peu plus loin, d’autres tableaux montrent les quais de Seine parisiens peints par André Marquet - certains sont à Moscou, d'autres à Saint-Pétersbourg - qui permettent de découvrir Notre Dame de Paris l’année de la crue historique de 1910 dans une atmosphère triste et désolée.

Puis, l’univers polynésien de Paul Gauguin mélange nature fleurie, exotisme et mysticisme, un monde que la France, à cette époque, ne voulait pas voir, et donc qui était encore plus étrange vu depuis la Russie. Dans « Le grand Bouddha », qui n’en n’est pas un, le dernier repas du Christ s’invite même pour annoncer la Mort, en arrière plan d’un couple autochtone.

Dans un autre espace, c’est la fascination pour Paul Cézanne qui est magnifiée avec les visions de la montagne Sainte-Victoire d’Aix-en-Provence dont il va acquérir nombre de tableaux pour la rigueur de leur construction. 

Il y a celui qui représente Paul Cézanne se baignant avec Emile Zola ou Baptistin Baille quand ils allaient se baigner dans l’Arc, et aussi le splendide tableau bleu qu’attendit pendant des années Ivan Morozov. On peut apprécier au cours du temps, par des comparaisons avec des tableaux de Cézanne plus anciens, comment son style s’est affiné avec le fondu des couleurs et la géométrie des lignes.

S’ouvre ensuite une salle avec les peintres des années 1910 et nombre de portraits cubistes.
Au cours des années 1910-1913, de jeunes artistes moscovites tels Ilia Machkov et Piotr Kontchalovski vont lancer un mouvement pictural futuriste assez violent, le "Valet de Carreau". Un tableau les représente s’autoparodiant en boxeur en culottes. Ils se présentaient comme les successeurs de Cézanne ou de Picasso.

Un peu plus haut, un écrin sombre, comme un petit temple mortuaire, est dédié à une seule œuvre, « La ronde des prisonniers » de Vincent Van Gogh, peint lorsqu’il fut interné à l’hôpital psychiatrique de Saint-Remy de Provence à partir de photographies et gravures transmises par son frère. 

Les nuances vert et bleu de cet univers de claustration carcérale sont incroyablement mises en valeur par un éclairage subtil qui permet de les apprécier dans de bien meilleures conditions qu’au Musée Pouchkine de Moscou. On se croirait plongé dans la vie absurde de la "Maison des Morts".

L’étage supérieur réunit les œuvres d’Henri Matisse qui avait été présenté à Ivan Morozov par l’intermédiaire de Sergueï Chtchoukine. Lors de son second voyage à Tanger, le peintre se mit à élaborer un triptyque, une nature morte devant un paysage, une nature morte avec un portrait, et un paysage avec portrait, au moment où il élaborait un langage proto-cubiste dominé par le bleu-ciel et le bleu turquoise.

Par ailleurs, la fusion entre l’art russe et l’art français se retrouve dans le portrait d’Ivan réalisé par Valentin Serov à travers une peinture qui représente Ivan Morozov assis devant la toile d’Henri Matisse, « Fruits et bronze ».

Les nus étaient choquants pour l’époque, ce qui plaisait aux frères Morozov issus de milieux croyants, et une salle toute en longueur mixe des sculptures de Rodin et des œuvres de Bonnard ou de Degas, où la femme est peinte de manière non idéalisée.

Enfin, la dernière salle, située au sommet des quatre étages de l’exposition, est une immense reconstitution du mythe de Psyché par Maurice Denis dans un style néoclassique qu’Ivan Morozov percevait comme avant-gardiste. Les couleurs pastels de ces tableaux font écho au plafond du Théâtre des Champs-Élysées qui fut réalisé en 1912, la même année que l’achèvement de cet ensemble. Ici, les toiles sont réunies avec quatre bronze féminins d’Aristide Maillol sur le thème des quatre saisons qui, dorénavant, sont au Musée Pouchkine, dissociées des peintures qui ornent les murs de l’Ermitage.

La contemplation se fait sur des musiques de Lully, Mondoville, Thomas, Franck, Bach ou Scriabine.

Au début de la première guerre mondiale, en 1914, Morozov ne put plus se rendre à Paris, et il se focalisa exclusivement sur les peintres russes. Au total, Morozov acheta 278 toiles et 23 sculptures françaises pour 1,410,665 francs, soit 5,7 millions euros (une valeur estimée aujourd'hui à 4 milliards d’euros).

Mais après l’arrivée des Bolcheviks au pouvoir en 1917, les manufactures de Morozov furent nationalisées ainsi que son hôtel particulier et sa collection privée.

La collection Morozov fut ainsi fusionnée avec la collection de Sergueï Chtchoukine, et le gouvernement soviétique fit de ces deux collections le Musée d’État de l’Art occidental moderne qui fut installé dans l’ancien hôtel particulier des Morozov, réfugiés dorénavant en France puis en Suisse sans prendre un seul tableau.

Ivan Morozov mourut en 1921 du fait d’une insuffisance cardiaque.

Dans les années 1930, les tableaux des collections Morozov et Chtchoukine furent réparties entre le Musée des Beaux-Arts Pouchkine à Moscou et le Musée de l’Ermitage à Leningrad (l’ancien nom de Saint-Pétersbourg entre 1924 et 1991).

Puis, au cours de la Seconde Guerre mondiale, les collections des musées furent transférées à Novossibirsk. Certains tableaux seront abîmés. 

Après la fin de la Seconde Guerre mondiale, les tableaux purent revenir à Moscou, mais en 1948, le gouvernement soviétique commença une lutte contre le cosmopolitisme. Les tableaux d’art moderne français entraient dans cette catégorie.

Accusées de représenter des valeurs bourgeoises, les collections Morozov et Chtchoukine furent réparties entre le Musée des Beaux-Arts Pouchkine à Moscou et le Musée de l’Ermitage à Leningrad. Mais une fois arrivées dans ces musées, les toiles ne furent pas montrées au public avant 1955.

C’est pourquoi l’exposition Morozov à la Fondation Louis Vuitton est si exceptionnelle et aussi très attachante, car elle reconstitue l’unité de cette collection pour un temps éphémère, dans un cadre de visualisation grandiose saisissant, tout en faisant ressentir les mouvements de l'histoire du XXe siècle.

Anselm Kiefer - Paul Celan
Du 17 décembre 2021 au 11 janvier 2022
Grand Palais Ephémère (RMN)
Visite du 30 décembre 2021

Né en 1920 en Roumanie et mort à Paris dans la nuit du 19 au 20 avril 1970 suite à son suicide dans la Seine probablement depuis le pont Mirabeau, Paul Celan est un poète d’après-guerre qui a profondément inspiré Anselm Kiefer au point que le Grand Palais dédie un espace d’exposition monumental aux œuvres nées de cette fascination pour une âme traumatisée par les heures les plus épouvantables de l’histoire de l’Europe du XXe siècle.

Une vingtaine de tableaux pouvant atteindre 10 mètres de haut sont simplement installés sur des supports à roulettes dans cet immense hangar sombre uniquement illuminés par quelques spots et la lumière naturelle provenant de la façade vitrée du hall.

Leur force prodigieuse repose autant sur le sentiment de petitesse qu’ils nous renvoient que sur la multiplicité des détails perdus dans les perspectives de ces paysages ou espaces en apparence inanimés qui évoquent des champs de bataille dévastés, déshumanisés en plein hiver, parfois de nuit au bord de l’océan, où se mêlent des restes de vêtements humains, des faisceaux de paille ou de blés à la place des corps, et des étoiles qui luisent ou des galaxies qui se devinent.

Matériaux métalliques, gris de plomb, dorés ou cuivrés parsemés de glacis de verre bleutés forment un alliage d'une complexité impressionnante.

Parfois, des images subliminales émergent comme face à ce premier tableau situé à l’entrée et semblant représenter une fontaine aux traits abrupts et précis à la fois, surmontée d’un jet de lumière concentré, qui révèle petit à petit un visage animal en surimpression.

Des textes allemands extraits des poèmes se mêlent aux peintures, mais, du fait qu’ils sont en lien avec la densité picturale, un non germanophone capte de toute façon la noirceur des visions d’horreurs mentales qui sont ainsi restituées.

Et il a y cet avion spectaculaire issu d’un temps révolu, qui supporte sur ses ailes des volumes de pages anonymes pouvant être autant des partitions de musique que, peut-être, des recueils de récits idéologiques ayant menés à la tragédie.

La fascination de la France pour l’Allemagne est également suggérée par le grand tableau Madame de Staël : de l’Allemagne, et si la noirceur de notre époque y trouve des résonances, ce rappel à la mémoire est aussi une façon de mieux apprécier ce qui forme les valeurs de nos vies.

Pour aller plus loin :

De Byzance à Istanbul, un port pour deux continents
Exposition au Galeries Nationales du Grand Palais
Du 10 octobre 2009 au 25 janvier 2010

Au cœur de la saison turque en France, le Grand Palais trace une passionnante traversée du temps à travers une exposition dédiée à Istanbul.
Le sujet est brûlant d’actualité particulièrement en France, un des pays les plus sensibles à la question de l'intégration de la Turquie à l'Union Européenne.

Après une brève ouverture sur la préhistoire du détroit du Bosphore (-6000 av J.C), la première section est une mise en valeur de l’époque romaine, dès le rattachement de Byzance à la province de Bithynie (-146 av J.C).

Les objets présentés montrent de fascinantes formes arrondies, telle une bouteille à panse globulaire en verre nacré translucide, ou bien un bol à pied en terre cuite et au fond incurvé (Ier siècle).
Comme preuve de l’héritage artistique grec, un échantillon des statues de Silahtaraga en marbre et calcaire montre des personnages, des femmes drapées ou bien un corps d’homme idéalisé et en léger déhanché (200 ap J.C).

En 395, sur volonté de l’Empereur Constantin, le christianisme devient religion officielle de l’Empire et la capitale est transférée de Rome à Byzance, renommée Constantinople.
L’Empire est partagé en deux, l’Est pour Arcadius, l’Ouest pour Honorius.

Dès le Vième siècle, l’Empire de l’Ouest s’effondre, alors que l’Empire Byzantin va durer plus de 1000 ans.Les monnaies d’Or de Honorius, Theodose II Et Justinien constituent le point de départ d’un chemin parsemé au fil de l’exposition des monnaies d’Or de toutes les époques jusqu’à Abdülhamid II (1909).

Un magnifique plat en argent et or, le Missorium avec Héraclès combattant le lion de Némée, illustre la persistance de l’art classique grec au sixième siècle, mais les colonnes en marbre et pierres précieuses de l’Eglise Saint Polyeucte, fondée par la patricienne Anicia Juliana, annoncent l’influence d’un art décoratif  plus oriental.

Les forces extérieures vont cependant mettre en péril la survie de Constantinople. Il va lui falloir repousser les sièges avars et sassanides en 626, puis deux sièges arabes (674-678 puis 717-718), jusqu’au VIIIième siècle. A l’abris des remparts bien entretenus, la population chute à 40.000 habitants.

Il ne reste quasiment rien de la période iconoclaste qui suivit, mais l’influence extérieure supposée est improbable. Il s’agit plus d’un mouvement qui voyait dans les images humaines une forme empêchant l’âme de croire au Christ.

Une des plus belles illustrations de la renaissance artistique sous la dynastie macédonienne (857-1057) est donc le Triptyque Harbaville : Deesis et saints, tout en ivoire, qui mêle représentation du Christ et raffinement antique (dans le détail des drapés par exemple).

Prise lors de la quatrième croisade en 1204, Constantinople se libère de la domination latine 60 ans plus tard, mais les Turcs d’Asie et les Serbes des Balkans progressent.
La nouvelle monnaie d’Or d’Andronicus II et Andronicus III, l’hyperpère, devient plus fine et concave.

L’ère byzantine s’achève avec la magnifique cloche en bronze de la Tour de Galata « la Tour du Christ ».

Ainsi, la capitale tombe en décrépitude, énormément endettée vis à vis de Gênes et Venise.

La conquête ottomane est proche : un espion vénitien dessine, en 1453, une Vue Cavalière de la forteresse de Rumeli Hisar. Le Sultan Mehmed II a fait construire l’édifice pour empêcher tout renfort venant de la Mer Noire.
Au pied de l’escalier menant à la seconde partie de l’exposition, une copie d’un canon de la fin du XVième siècle pointe une représentation de la ville, de quoi faire revivre l’ouverture déchaînée de l’Otello de Verdi.
On apprend à cette occasion que l’artillerie lourde des Ottomans a été mise au point par l’ingénieur hongrois Urbain.

Dès la prise de la capitale, Mehmed II (qui est le sujet de l’opéra de Rossini Maometto II) convertit l’église Sainte Sophie en Mosquée.

En haut de l’escalier, le visiteur passe sous les Dômes de l’actuelle Istanbul, et peut découvrir une carte de la Méditerranée du XIVième siècle, reprise des travaux du géographe grec Claude Ptolémée (90-168) par les scientifiques ottomans, et enrichie des connaissances de l’époque (notamment des citadelles existantes).

Le peintre Jean-Baptiste van Mour (1671-1737), né à Valenciennes, s’attacha à dépeindre la vie de Constantinople, art de l’orientalisme aux teintes ocres qui va influencer de nombreux peintres.
On peut contempler le charme de ces coloris dans la scène du « Grand Vizir traversant l’hippodrome ».

Madame Verdurin sera alors ravie de découvrir un fabuleux bijou provenant du trésor du Palais de Topkapi, une émeraude rectangulaire d'un vert profond assortie à un rubis clair ornant une aigrette de perles, de plumes et de diamants.

Avec la religion musulmane, Constantinople devient totalement multiculturelle, et pour bien se représenter à quel point la foi du prophète Mahomet est une continuité de la foi chrétienne, le grand livre L’essence de l’Histoire (Zübdetü’ t- Tevârîh) est ouvert sur une page montrant l’ascension du Christ, élevé par des anges en présence des Apôtres (1583).

A partir du XVIIIième siècle, la création de jardins sur les bords du Bosphore marque le développement des loisirs.
La scène de Kagithane, que peint à la gouache Enderunlu Fazil dans son Livre des femmes, évoque les jardins de la princesse Eboli.

Tant d’opéras dans la tête rendent la moindre image susceptible de déclencher toutes sortes de réminiscences musicales.

L’Empire Ottoman trouve cependant dans l‘Europe une source d‘inspiration pour se moderniser.
En 1838, l’Edit des Tanzimats officialise cette politique.
Mais sous le règne du Sultan Abdülhamid II (1876-1908), les nationalismes s’exacerbent et la violence gagne tout l’Empire. L’état des finances ne permet pas de tenir les engagements libéraux. Le Sultan réplique par des massacres contre les Arméniens.

La révolution jeune-turque (1908), censée apporter une véritable libération politique, ne va pas permettre de sauver l’Empire des conflits dans les Balkans, en Tripolitaine, et pendant la Première Guerre Mondiale.

Lorsque la résistance nationaliste parvient à prendre le contrôle de l’Anatolie et d’Istanbul, Mustafa Kemal Pacha transfère la capitale à Ankara.

L’exposition s’achève sur la projection sur grand écran de photographies issues de la collection d’Omer Koç

Un siècle de la vie d’Istanbul jusqu’à aujourd’hui, les moments historiques, la belle époque avec ses cafés, la jeunesse, les moments de détentes et la religion, la modernité et la tradition s’y côtoient en illustrant l’impressionnante complexité de l’identité turque.

Les réactions des visiteurs à haute voix devant les objets d’arts valent le détour, car elles rendent compte également de la diversité des jugements. Les frémissements de peur devant le moindre voile fleuri se superposent à l’ironie la plus mordante vis à vis de l’actuel gouvernement français.

En préface du catalogue de l'exposition, on peut lire deux textes écrits par chaque président, Abdullah Gul et Nicolas Sarkozy.
Le président français écrit avec une passion visible : « Istanbul me fascine par cette diversité culturelle. Elle me fascine par son identité et son rayonnement. Elle me fascine par sa beauté, ses symboles, ses richesses artistiques mais aussi par ses contrastes ».

Une rétrospective savamment orchestrée qui brouille tous nos repères, mais vraiment tous...

La modernité à l’Opéra : Jacques Rouché (1914-1945)

 

Seul le Chevalier à la Rose se place parmi les dix meilleurs succès de l’Opéra (peinture de décor ci-contre).

Visions de l’Ouest – Photographies de l’exploration américaine, 1860-1880.

L’âge d’or de l’Inde classique. L’Empire Gupta.