Présentation de la saison Lyrique 2025 / 2026 du Théâtre des Champs Élysées
Maison de Musique - avenue Montaigne

Depuis vendredi 21 mars 2025, la première saison de Baptiste Charroing à la direction du Théâtre des Champs Élysées est officiellement dévoilée. Il succède à Michel Franck qui aura dirigé 15 saisons et laissé une empreinte personnelle forte.

Cette saison s’inscrit dans la continuité des saisons passées et comprend 5 productions d’opéras en version scénique données sur un total de 25 soirées (dont 3 avant-premières jeunes), 17 représentations d’opéras et oratorio en version concert et 10 soirées d'œuvres religieuses, 20 concerts symphoniques , 13 récitals vocaux, 20 récitals de piano, 7 concerts de l’Orchestre de chambre de Paris, 9 autres concerts de musique de chambre, 14 concerts du dimanche matin, 6 ballets dansés sur 30 soirées.

Par ailleurs, une version de ‘Roméo et Juliette’ de Charles Gounod ramenée à une durée d’une heure et trente minutes, interprétée par l’Orchestre Victor Hugo et l’Orchestre Symphonique de Bourgogne Franche-Comté, sera créée pour le jeune public et donnée en huit représentations sur le temps scolaire, ainsi que sur deux matinées et quatre après-midi tout public.

Ce spectacle sera une coproduction avec l’Opéra de Reims, l’Opéra de Massy et l’Opéra National de Bordeaux.

Un concert de l’Orchestre de chambre de Paris autour de la 'Symphonie n°39' de Mozart sera aussi donné sur le temps scolaire.

Cette ligne programmatique s’inscrit ainsi dans la ligne des saisons précédentes, avec toute fois une baisse d’un tiers des concerts du dimanche matin, ce qui bénéficie au genre vocal avec 7 soirées d’opéras et d’œuvres religieuses et 3 récitals vocaux supplémentaires par rapport à la saison dernière.

La création de 3 avant-premières jeunes lyriques découle aussi du désir de s’attacher tôt un public pour l’avenir.

Au total, ce sont 180 représentations (contre 186 cette saison) qui seront données avenue Montaigne, tous genres et tous publics confondus.

Et comme le Théâtre des Champs-Élysées coproduit ses spectacles, 62 représentations de 8 spectacles vus sur sa scène seront données en France (‘Robinson Crusoé’ à Angers, Nantes et Rennes), et à l’étranger (‘La Sonnambula’ à New-York, ‘Dialogues des Carmélites’ à Dallas, ‘Orphée et Eurydice’ à Toronto).

Opéras en version scénique

La Damnation de Faust (Hector Berlioz)
31 octobre (AvP jeunes), 3, 6, 12, 15 novembre (5 représentations)
Direction musicale Jakob Lehmann, Mise en scène Silvia Costa 
Benjamin Bernheim, Viktoria Karkacheva, Christian Van Horn, Thomas Dolié
Les Siècles, Chœur de Radio France, Maîtrise de Radio France
En collaboration avec le Palazzo Bru Zane – Centre de musique romantique française

Robinson Crusoé (Jacques Offenbach)
01 décembre (AvP jeunes), 3, 5, 8, 10,12, 14 décembre (7 représentations)
Direction musicale Marc Minkowski , Mise en scène Laurent Pelly 
Lawrence Brownlee, Julie Fuchs, Laurent Naouri, Marc Mauillon, Rodolphe Briand, Matthieu Toulouse, Adèle Charvet, Emma Fekete, Julie Pasturaud
Les Musiciens du Louvre, Accentus 
Coproduction Angers-Nantes Opéra, Opéra de Rennes, en collaboration avec le Palazzo Bru Zane – Centre de musique romantique française

La Voix humaine / Point d’Orgue (Francis Poulenc / Thierry Escaich)
9, 11, 13, 15, 17 mars (5 représentations)
Direction musicale Ariane Matiakh, Mise en scène Olivier Py
Patricia Petibon, Jean-Sébastien Bou, Cyrille Dubois
Orchestre National de France
Coproduction Opéra de Dijon, Opéra national de Bordeaux et Opéra de Saint-Étienne

La Calisto (Francesco Cavalli)
4 et 6 mai (2 représentations)
Direction musicale Sébastien Daucé, Mise en scène Jetske Mijnssen
Lauranne Oliva, Zachary Wilder, Paul-Antoine Bénos-Djian, Milan Siljanov, Dominic Sedgwick, Anna Bonitatibus, Giuseppina Bridelli, Petr Nekoranec, José Coca Loza
Ensemble Correspondances
Coproduction Ensemble Correspondances, Opéra de Rennes, Angers-Nantes Opéra, Théâtre de Caen

L’Enlèvement au Sérail (Wolfgang Amadé Mozart)
01 juin (AvP jeunes), 3, 6, 8, 10, 12 (6 représentations)
Direction musicale Laurence Equilbey, Mise en scène Florent Siaud
Jessica Pratt, Amitai Pati, Ante Jerkunica, Lunga Eric Hallam, Manon Lamaison, Uli Kirsch
Insula Orchestra, Accentus 
Coproduction Insula Orchestra

Opéras et oratorio en version de concert (Octobre - Novembre)

Pompeo Magno (Francesco Cavalli) le 01 octobre
Max-Emanuel Cenčić, Victor Sicard, Lucía Martín-Cartón, Jorge Navarro Colorado, Pierre-Antoine Chaumien, Marcel Beekman, Mariana Flores, Alois Mülhbacher, Logan Lopez Gonzalez, Valerio Contaldo, Kacper Szelążek, Dominique Visse, Valer Sabadus
Leonardo García-Alarcón, Cappella Mediterranea 

Theodora (Georg Friedrich Haendel) le 07 octobre
Lea Desandre, Hugh Cutting, Véronique Gens, Laurence Kilsby, Alex Rosen
Thomas Dunford direction, Ensemble Jupiter

Farnace (Antonio Vivaldi) le 08 octobre
Emiliano Gonzalez Toro, Key’mon W. Murrah, Deniz Uzun, Adèle Charvet, Juan Sancho, Daria Prosze, Alvaro Zambrano
Emiliano Gonzalez Toro  direction, Ensemble I Gemelli, Mathilde Étienne mise en espace

King Arthur (Henry Purcell) le 13 octobre
Hélène Guilmette, Floriane Hasler, Cyril Auvity, Robin Tritschler, Andreas Wolf
Hervé Niquet  direction, Le Concert Spirituel 

Alcina (Georg Friedrich Haendel) le 05 novembre
Kathryn Lewek, Carlo Vistoli, Lauranne Oliva, Katarina Bradić, Zachary Wilder, Nicolas Brooymans
Philippe Jaroussky direction Ensemble Artaserse

Messe en ut (Wolfgang Amadé Mozart) le 07 novembre
En première partie de programme Mozart Symphonie no 41 K. 551 « Jupiter » 
Mélissa Petit, Eva Zaïcik, Sahy Ratia, Nahuel di Pierro
Julien Chauvin direction Le Concert de la Loge, Ensemble La Sportelle

Opéras et oratorio en version de concert (Décembre - Février)

Oratorio de Noël (Camille Saint-Saëns) le 04 décembre
En première partie de programme Gounod Symphonie no 1 
Chanteurs en résidence à l’Académie de l’Opéra national de Paris
Thomas Hengelbrock  direction, Orchestre de chambre de Paris

Le Messie (Georg Friedrich Haendel) le 13 décembre
Grace Davidson, Martha McLorinan, Jeremy Budd, Jimmy Holiday
Nigel Short direction, Kammerorchester Basel, Chœur Tenebrae

Il Tamerlano (Antonio Vivaldi) le 06 janvier
Carlo Vistoli, Eva Zaïcik, Renato Dolcini, Julia Lezhneva, Anthea Pichanick, Suzanne Jerosme
Thibault Noally violon et direction, Les Accents

Norma (Vincenzo Bellini) le 08 janvier
Karine Deshayes, Eve-Maud Hubeaux, Francesco Demuro, Giorgi Manoshvili, Déborah Salazar, Ian Spinetti
Lorenzo Passerini direction, Orchestre de chambre de Paris, Le jeune chœur de Paris

Giulio Cesare (Georg Friedrich Haendel) le 06 février
Sabine Devieilhe, Jakub Józef Orliński, Yuri Minenko, Beth Taylor, Sophie Rennert, Marco Saccardin, Alex Rosen, Rémy Brès-Feuillet
Francesco Corti direction, il Pomo d’Oro

Médée (Luigi Cherubini) le 11 février
Marina Rebeka, Julien Behr, Mélissa Petit, Tassis Christoyannis, Marie-Andrée Bouchard-Lesieur, Hélène Carpentier, Margaux Poguet
Julien Chauvin direction, Le Concert de la Loge, Les Chantres du Centre de musique baroque de Versailles 

Roméo et Juliette (Charles Gounod) le 19 février
Kathryn Lewek, Charles Castronovo, Paul Gay, Philippe-Nicolas Martin, Éléonore Pancrazi, Abel Zamora, Marianna Pizzolato, Léo Vermot-Desroches, Sergio Villegas Galvain, Marc Barrard, Julien Ségol, Mathieu Gourlet, Maurel Endong
Clelia Cafiero direction, Orchestre National de France, Chœur de chambre de Rouen et Chœur Sorbonne-Université 

Opéras et oratorio en version de concert (Mars)

Orlando (Georg Friedrich Haendel) le 19 mars
Aude Extremo, Ana Maria Labin, Yuriy Mynenko, Alina Wunderlin, Edward Jowle
Marc Minkowski direction, Les Musiciens du Louvre 

Ascanio in Alba (Wolfgang Amadé Mozart) le 25 mars
Mélissa Petit, Alisa Kolosova, Anna El-Khashem, Alasdair Kent, Rocío Pérez
Christophe Rousset direction, Les Talens Lyriques, Le Jeune Chœur de Paris

Didon et Enée (Henry Purcell) le 27 mars
En première partie de programme Lully Ballet royal de la naissance de Vénus 
Véronique Gens, Luigi De Donato, Manon Lamaison, Isabelle Druet, Apolline Raï-Westphal, Marion Vergez-Pascal, Attila Varga-Tóth
Stéphane Fuget direction, Les Épopées 

Le Prophète (Giacomo Meyerbeer) le 28 mars
Marina Viotti, John Osborn, Emma Fekete, Edwin Crossley-Mercer, Jean Miannay, Christian Zaremba
Marc Leroy-Calatayud direction, Orchestre de chambre de Genève, Ensemble Vocal de Lausanne, Maîtrise du Conservatoire populaire de Genève

Messe en si (Jean-Sébastien Bach) le 29 mars
Miriam Feuersinger, Magdalene Harer, Marie Henriette Reinhold, Patrick Grahl, Tobias Berndt
Hans-Christoph Rademann  direction, Chœur et orchestre du Gaechinger Cantorey 

Requiem (Wolfgang Amadé Mozart) le 30 mars
En première partie de programme Mozart Concerto pour violon no 5 K. 219
Regula Mühlemann, Marie-Andrée Bouchard-Lesieur, Ian Castro, William Meinert
Alevtina Ioffe direction, Diana Tishchenko violon, Berner Symphonieorchester, Chor der Bühnen Bern

Opéras et oratorio en version de concert (Avril)

Passion selon Saint-Jean (Jean-Sébastien Bach) le 01 avril
Marie Lys, Marie-Nicole Lemieux, Cyrille Dubois, Guilhem Worms, Mathieu Gourlet
Camille Delaforge direction, Ensemble Il Caravaggio, Accentus

Passion selon Saint-Matthieu (Jean-Sébastien Bach) le 03 avril
Emmanuelle de Negri, Apolline Raï-Westphal, William Shelton, Mathilde Ortscheidt, Valerio Contaldo, Antonin Rondepierre, Sebastian Noack, Felix Schwandtke
Thibault Noally direction, Les Ambassadeurs~La Grande Écurie 

La Création (Joseph Haydn) le 08 avril
Regula Mühlemann, Nahuel di Pierro, Stanislas de Barbeyrac
Julien Chauvin direction, Le Concert de la Loge, Chœur de Chambre de Namur

Siegfried (Richard Wagner) le 19 avril
Clay Hilley, Ya-Chung Huang, Brian Mulligan, Samuel Youn, Tamara Wilson, Wiebke Lehmkuhl, Soloman Howard, Julie Roset
Yannick Nézet-Séguin direction, Rotterdams Philharmonisch Orkest 

Opéras et oratorio en version de concert (Juin)

Ariodante (Georg Friedrich Haendel) le 07 juin
Magdalena Kožená, Christophe Dumaux, Emiliano Gonzalez Toro, Shira Patchornik, Erika Baikoff, José Antonio López
Andrea Marcon direction, La Cetra Barockorchester Basel

Dixit Dominus, Salve Regina / Stabat Mater (Georg Friedrich Haendel / Antonio Vivaldi) le 11 juin
Distribution communiquée ultérieurement 
Marc Minkowski , Les Musiciens du Louvre 

Stabat Mater (Giovanni Battista Pergolesi) le 16 juin
En première partie de programme Pergolèse Cantates et airs d’opéras 
Fatma Saïd, Sasha Cooke
Francesco Corti direction, Les Ambassadeurs~La Grande Écurie 

Porgy and Bess (George Gershwin) le 30 juin
Pumeza Matshikiza, Bongani Justice Kubheka, Joseph DeCange, Marie-Laure Garnier, Joé Bertili, Axelle Saint-Cirel, Auguste Truel, Livia Louis-Joseph Dogué, Claudia Tagbo, Fabrice di Falco
Quentin Hindley direction, Orchestre Lamoureux, Ensemble vocal Voix d’Outre-mer 

Les Récitals vocaux (Septembre-Décembre)

Adèle Charvet chante Joséphine Baker, le 30 septembre

Gala Joséphine Baker (Pretty Yende, Luan Pommier, Precious Adams ...), le 30 septembre

Franco Fagioli, Michele d’Elia (Caccini, Lotti, Cesti, Scarlatti, Haendel...), le 11 octobre

Natalie Dessay, Neïma Naouri, Laurent Naouri, Tom Naouri - Broadway Family Show, le 11 décembre

Pretty Yende - Noël en chansons, Puccini, le 16 décembre

Philippe Jaroussky (Scarlatti, Durante, Galuppi, Porpora, Vivaldi), le 17 décembre

Les Récitals vocaux (Janvier-Juin)

Sonya Yoncheva (Puccini, Verdi), le 07 janvier

Kristina Mkhitaryan, Aigul Akhmetshina (Bellini, Donizetti, Tchaïkovski,  Rimski-Korsakov), le 09 février

Jonas Kaufmann, Malin Byström (Lehár, Kalman, Goldmark…), le 20 avril2025

Pene Pati (Sérénade Napolitaine), le 11 mai

Lea Desandre, Huw Montague Rendall (Mozart, Rossini), le 12 mai

Emmanuelle de Negri, Bruno de Sá (Il Deliro amoroso / Aminta e Fillide - Haendel) le 05 juin

Marina Viotti and Friends (Vivaldi, Haendel, Mozart, Bizet…), le 14 juin

Anna Netrebko, Pavel Nebolsin (Bellini, Leoncavallo, Tchaïkovski, Rachmaninov…), le 18 juin

Concerts (sélection subjective Septembre - Décembre)

Münchner Philharmoniker, Lahav Shani, Lisa Batiashvili (Beethoven, Schubert, Wagner), le 16 septembre
Orchestre de chambre de Paris - Alexander Melnikov, Jeroen Berwaerts (Mozart, Chostakovitch), le 02 octobre
Orchestre National de France - Cristian Măcelaru, Joyce DiDonato (Strauss, Alma Mahler, Mahler), le 10 octobre
Nikolaï Lugansky, Charles Berling (150e anniversaire de la naissance de Ravel), le 15 octobre
David Kadouch, Raphaëlle Moreau, David Aaron Carpenter, Edgar Moreau, Lorraine Campet (Tchaïkovski, Grieg, Rachmaninov, Schubert), le 02 décembre
Quatuor Diotima (Ravel, Szymanowski, Saariaho), le 07 décembre
Orchestre National de France - Cristian Măcelaru, Marina Rebeka, Pavel Petrov, Alexander Roslavets (Rachmaninov), le 18 décembre

Concerts (sélection subjective Janvier - Juin)

Les Siècles - Jakob Lehmann, Bertrand Chamayou (Wagner, Liszt), le 09 janvier
Chen Sa (Beethoven, Chopin, Franck, Messiaen), le 17 janvier
The Silence of Sound (Debussy, Bartók, Rimsky-Korsakov, Hamilton…), le 24 janvier
Quatuor Diotima, Victor Julien-Laferrière (Schubert, Beethoven, Aperghis), le 05 février
Anne Queffélec, Quatuor Hanson, Étienne Durantel (Satie, Debussy, Beethoven, Haydn), le 12 février
Orchestre de chambre de Paris - Maxim Emelyanychev, Stéphanie d’Oustrac (Fauré, Berlioz, Rameau, Lully), le 12 mars
Ensemble Matheus - Jean-Christophe Spinosi - De Jérusalem à Cordoue  - (El Din, Darwish, Monteverdi, Vivaldi), le 31 mars
Nikolay Khozyainov (Chopin, Ravel-Khozyainov, Scriabine), le 10 avril
Nelson Goerner (Bach, Schubert, Ravel, Albéniz), le 05 mai
Orchestre National de France - Juraj Valcuha, Marianne Crebassa, Clay Hilley – Le Chants de la Terre, le 04 juin
Bertrand Chamayou (Mendelssohn, Crumb, Schubert), le 17 juin

Première impression sur la saison 2025 / 2026

L’opéra français est véritablement à l’honneur cette saison avec, pour la première fois sur la scène du Théâtre des Champs-Élysées, un ouvrage de Giacomo Meyerbeer, ‘Le Prophète’, donné en version de concert, auquel se joindront deux autres opéras qui furent créés eux-aussi à Paris, ‘Médée’ de Luigi Cherubini et ‘Roméo et Juliette’ de Charles Gounod.

A ces trois ouvrages s’ajouteront pas moins de quatre opéras français interprétés en version scénique, ‘La Damnation de Faust’ d’Hector Berlioz, ‘Robinson Crusoé’ de Jacques Offenbach, ‘La Voix humaine’ de Francis Poulenc et ‘Point d’orgue’ de Thierry Escaich, si bien qu’il ne manquera finalement qu’un opéra de Lully ou de Charpentier et un opéra de Rameau pour couvrir tout le spectre des 350 ans de création lyrique française.

Avec 9 opéras en version de concert et une version scénique de ‘La Calisto’, l’opéra italien conserve une place importante, d’autant plus que cette saison Francesco Cavalli et Antonio Vivaldi seront présents à plusieurs reprises, mais seul Bellini représentera l’Italie romantique du XIXe siècle avec ‘Norma’.

Avec 10 ouvrages, 6 en italien (ses plus beaux opéras, ‘Giulio Cesare’, ‘Alcina’, ‘Ariodante’, ‘Orlando’ et les cantates ‘Il Delirio amoroso’ et ‘Aminta e Fillide’), 2 en anglais et 2 en latin (les rares Dixit Dominus, Salve Regina), les amoureux des œuvres de Haendel seront comblés comme jamais.

Et si la langue allemande, star de la dernière saison de Michel Franck, est en retrait avec toutefois une nouvelle production de ‘L’Enlèvement au Sérail’, la suite du Ring dirigée par Yannick Nézet-Séguin, ‘Siegfried’ et ‘La Création’ de Haydn, la grande surprise est le doublement de la langue latine par rapport à sa présence habituelle avec pas moins de 9 œuvres spirituelles et religieuses (Bach, Mozart et Pergolese sont indéfectiblement présents chaque saison), dont le très rare ‘Oratorio de Noël’ de Camille Saint-Saëns, ce qui fera de cette première saison de Baptiste Charroing une saison très spirituelle.

Réduit en moyenne à un ouvrage par an, le répertoire anglais est lui aussi bien mieux représenté cette saison avec deux ouvrages de Purcell, deux de Haendel et, surtout, par la présence d’une version de concert de ‘Porgy and Bess’ de George Gershwin, opéra jamais représenté sur cette scène qui joue habituellement ‘Un Américain à Paris’.

Quant aux œuvres d’Europe centrale et d’Europe de l’est, elles sont totalement absentes.

Mais globalement, cette saison renforce les fondamentaux du théâtre centrés principalement sur le répertoire du XVIIIe et XIXe siècle (80% de la programmation).

Comme la saison précédente, on retrouve à la mise en scène des valeurs sûres, Laurent Pelly, Olivier Py, mais aussi une jeune génération de metteurs en scène, Silvia Costa (‘La Damnation de Faust’), Jetske Mijnssen (‘La Calisto’) et Florian Siaud (‘L’Enlèvement au Sérail’).

Parmi les soirées très attendues, ‘ La Damnation de Faust’ avec Benjamin Bernheim, Viktoria Karkacheva et Christian Van Horn, ‘Robinson Crusoé’ avec Lawrence Brownlee, Julie Fuchs et Laurent Naouri, ‘Médée’ avec Marina Rebeka, Julien Behr et Marie-Andrée Bouchard-Lesieur, ‘Le Prophète’ avec Marina Viotti et John Osborn, ‘Siegfried’ avec Clay Hilley, Brian Mulligan et Tamara Wilson, ainsi que les soirées dédiées à Joséphine Baker, qui fit ses débuts en France sur cette scène, le récital donné par Lea Desandre et Huw Montague Rendall, l’Orchestre National de France avec Joyce DiDonato, puis avec Juraj Valcuha, Marianne Crebassa et Clay Hilley un autre soir, sont quelques exemples des incontournables.

L'intégralité de la saison c'est ici.

Katia Kabanova (Leoš Janáček – Brno, le 23 novembre 1921)
Représentations du 17 mars et 07 juillet 2025
Bayerische Staatsoper - Munich

Dikoj Milan Siljanov
Boris Pavel Černoch
Kabanicha Violeta Urmana
Tichon John Daszak
Káťa Corinne Winters
Kudrjáš James Ley
Varvara Emily Sierra (17 mars)
             Rachael Wilson (07 juillet)
Kuligin Thomas Mole (17 mars)
             Tim Kuypers (07 juillet)
Glaša    Ekaterine Buachidze
Fekluša Elene Gvritishvili
Ein Mann Samuel Stopford
Eine Frau Natalie Lewis

Direction musicale Marc Albrecht (17 mars)
                                Petr Popelka (07 juillet)
Mise en scène Krzysztof Warlikowski (2025)
Décors et costumes Małgorzata Szczęśniak
Lumières Felice Ross
Vidéo  Kamil Polak
Chorégraphie Claude Bardouil
Dramaturgie Christian Longchamp
                      Lukas Leipfinger
Bayerisches Staatsorchester, Choeur du Bayerische Staatsoper

Située à 380 km de Prague, Munich défend bien le répertoire tchèque. Mais si le public du Bayerische Staatsoper est familier avec ‘Jenůfa’ – la production de Barbara Frey fut jouée de 2009 à 2018 -, ‘Káťa Kabanová' n’avait plus été représenté depuis 25 ans, la dernière production de David Pountney, avec Catherine Malfitano dans le rôle titre et Paul Daniel à la direction musicale, n’ayant connu que 14 représentations de mars 1999 à juillet 2000.

Pour redonner vie à cette figure féminine sous pression de son environnement social, Serge Dorny s’est tourné naturellement vers Krzysztof Warlikowski qui connaît bien l’univers de Leoš Janáček pour avoir mis en scène deux de ses ouvrages, ‘Věc Makropulos’ (Opéra de Paris, 2007) et 'Z mrtvého domu' (Royal Opera House Covent Garden, 2018). Il s’agit par la même occasion de sa huitième production présentée en ce même lieu depuis ‘Eugen Onegin’ en 2007.

Le décor conçu par Małgorzata Szczęśniak peut s’apprécier avant le début du spectacle, car le rideau est déjà levé pour permettre à plusieurs couples de danseurs d’interpréter un tango au centre d’un grand hall. En apparence, les murs sont recouverts d’un bois laqué clair laissant apparaître des nervures aux drapés ondoyants, et une pièce en forme de parallélépipède est encastrée à l’arrière. Cette pièce pourra s’avancer et s’ouvrir pour recréer des scènes d’intérieur plus intimes.

L’idée du tango qui illustre une fête contemporaine autour de laquelle une vie de quartier s’anime, avec nombre de personnages ayant leur propre ligne de vie autonome très précisément articulée, peut au premier abord intriguer, mais il s’agit d’une image sereine et subtile de l’harmonie du couple très agréable à regarder pour le spectateur, et qui d’emblée ne pose pas un univers misérabiliste.

Ces danseurs réapparaîtront au cours de l’interlude du début du second acte en suivant le mouvement chaloupé et fluide de l’orchestre et des bois.

A l’écart de ce petit monde, Káťa Kabanova est d’abord présentée à travers sa propre joie intérieure. Une vidéo grand champ montre celle-ci chantant dans sa tête comme une jeune adolescente, une image qui pourrait-être celle de la jeune femme heureuse avant qu'elle ne se marie au médiocre Boris que Krzysztof Warlikowski fait entrer en étant jeté à terre avec brutalité sous les humiliations de son oncle Dikoj. 

Mais un peu plus loin, lorsqu’elle est rejointe par Varvara, sa fille adoptive qui joue le rôle de sœur confidente, un habile jeu où on la voit mimer une scarification avant d’ouvrir les bras en croix révèle les pulsions suicidaires de Káťa nées de son environnement religieux. Cette tendance sera à nouveau suggérée de façon subliminale dans la chambre des Kabakov, à travers une mystérieuse séquence de visionnage d’un film en images de synthèse prémonitoires où une jeune femme provoque un accident de voiture et décède sous les regards des badauds.

Ces regards fixes réapparaîtront sous forme d’ombres à la toute fin, lors de l'inéluctable suicide.

Car à travers la narration et les interactions vives entre protagonistes, le monde imaginaire et étrange de Káťa est aussi projeté à des moments bien choisis par l’insertion sur le décor de séquences vidéos aux teintes irréelles. L'osmose de la jeune femme avec la nature et les champs de fleurs, si bien racontée lors de sa confidence à Varvara au premier acte, recouvrira toute la scène au moment de sa mort, en contraste fort avec la vitrine d’animaux empaillés dressée côté jardin, qui traduit en revanche un rapport à la nature plus mortifère de la part de la société. 

En exposant ainsi le monde intérieur de Káťa, Krzysztof Warlikowski fait ressentir à quel point son esprit vit dans un monde parallèle, et son rapport aux désirs du corps est également décrit avec beaucoup de sensibilité, par exemple lorsqu’en nuisette elle semble vouloir éveiller Tichon.

Mais Boris, le futur amant, est dès son entrée décrédibilisé à travers sa perruque orange et bouclée, le metteur en scène choisissant de ne pas l’épargner au troisième acte en masquant son visage afin de pointer la lâcheté de son humanité, et montrer l’aveuglement de l’héroïne. Leur rencontre chez Varvara est ici transposée dans un bar branché, lui aussi incrusté dans la partie mobile et recadrée du décor. Et les variations de couleurs et de lumières (Felice Ross) sont toujours nuancées avec une extrême justesse dans cette alcôve confidentielle.

S’admire également l’excellente caractérisation de Tichon et de sa mère Kabanicha par deux grands artistes, John Daszak et Violeta Urmana. Le premier, affublé comme une employé tout à fait dans la norme, use de son grand sens déclamatoire claquant et puissant, alors que la mezzo-soprano lituanienne est fascinante par l’expressivité du regard, l’animalité du chant et sa façon flambante d’imposer son autorité et ses attentes sur son entourage. D’ailleurs, loin d’être uniquement froide et cassante, il ressort aussi beaucoup d’ironie dans son personnage très bien joué.

Quant à la relation entre Kabanicha et Dikoj - Milan Siljanov campe un Dikoj redoutable -, elle virera à un rapport purement physique et pragmatique au corps, la disparition de la sensualité solaire de leur jeunesse étant pathétiquement soulignée en mettant en miroir celle d’un couple d’amoureux extrait d’un film glamour.

Tout au long du spectacle, l’auditeur s’imprègne ainsi de l’âme de Káťa tout en jaugeant le comportement des autres personnages, jusqu’au troisième acte où une fracture nette se forme : toute la communauté se réunit, même les individus les plus anodins, pour s’installer sur plusieurs rangs latéraux, comme lors d’un jury populaire, afin de pointer leur regard sur Káťa Kabanova laissée seule avec sa culpabilité sur une simple chaise située au centre de la scène. 

Cette question du regard des autres traverse toutes les couches sociales, car le conformisme est généralement perçu comme le meilleur moyen de survie de l’homme, surtout qu’il est très confortable de s’afficher dans le camp du ‘bien’.

Dans sa grande scène finale, à la solitude poignante de Káťa Kabanova s’oppose toute une société semblant unie en apparence contre celle qui a osé ignorer les règles.

Au fur et à mesure que la jeune femme s’enferre dans l’attente de la mort, son rapport spirituel à la nature est sublimé à travers une très belle projection d’un tapis de fleurs, Krzysztof Warlikowski prenant bien soin d’élaguer le conditionnement religieux qui s’entend aussi dans les paroles.

Et c’est à un Boris au visage masqué qu’elle s’adresse, celui-ci étant dans l’impossibilité d’être lui-même. Pavel Černoch, chanteur tchèque d’une grande sincérité expressive, est ici totalement idiomatique dans son répertoire de prédilection qui lui colle à la peau. Les modulations slaves de son chant permettent facilement de l’identifier au-delà du maquillage qui en recouvre les plus beaux traits.

Dans le rôle principal qu’elle défend régulièrement – elle en est à sa septième production de 'Kat'a Kabanova' depuis Seattle en 2017 -, Corinne Winters est absolument irradiante avec son apparence si fragile et son beau timbre aux inflexions subtilement sombres et finement filées. Elle peut délier une ligne vocale d’une souplesse très harmonieuse, même dans les moments les plus intenses, sans pour autant exagérer le sentiment de souffrance. Cette unité vocale imperturbable contribue ainsi à affirmer une constance dans sa personnalité.

En Varvara, Emily Sierra est d’une grande fraîcheur, avec des couleurs aux reflets changeants et une pétillance qui contraste avec la nature plus hors du temps de Káťa, et son duo drôle avec James Ley, un éloquent Kudrjáš, est un grand moment de respiration de la soirée.

Et pour lier cet univers à la fois poétique et chaotique, Marc Albrecht insuffle à l’écriture de Leoš Janáček une lecture très sensuelle, tout en restant très souple dans la charge dramatique, ce qui donne l’impression de vivre en phase avec l’intériorité de Káťa Kabanova. Dans cette production qui voit l’héroïne se fondre dans l’absolu de la nature, le sentiment de communion prédomine.

Il sera alors très intéressant de découvrir la lecture qu’en fera le jeune chef d’orchestre tchèque Petr Popelka qui dirigera cette production pour un seul soir le 07 juillet prochain.

Der Spieler (Sergueï Prokofiev –
La Monnaie de Bruxelles, le 29 avril 1929)
Représentation du 15 mars 2025
Staatstheater Stuttgart

General Goran Jurić
Polina Aušrine Stundyte
Alexej Daniel Brenna
Babulenka Véronique Gens
Marquis Elmar Gilbertsson
Mr. Astley Shigeo Ishino
Mlle. Blanche Stine Marie Fischer
Fürst Nilski Robin Neck
Baron Wurmerhelm Peter Lobert
Potapytsch Jacobo Ochoa

Direction musicale Alexander Vitlin
Mise en scène Axel Ranisch (2025)
Staatsorchester Stuttgart, Staatsopernchor Stuttgart

Lors du festival d’été 2024, le Festival de Salzbourg avait présenté une version du ‘Joueur’ de Prokofiev qui n’avait franchement pas convaincu, le couple mise en scène / interprétation orchestrale manquant considérablement de souffle.

La nouvelle production proposée par l’opéra Stuttgart en ce début d’année 2025 est cette fois bien plus convaincante même si le premier acte reste difficile à rendre captivant.

Axel Ranisch déplace en effet le cadre de la petite ville allemande imaginaire de Roulettenbourg dans une zone désertique qui évoque naturellement le site de Las Vegas entouré de massifs montagneux. Les vestiges d’une roulette géante émergent du sol sablonneux et se soulèvent pour faciliter les entrées et sorties des différents caractères.

L’image de ruine est accentuée par la manière dont le Général et le Marquis sont affublés de façon décadente en shorts courts et collants-résilles – chapeau! à la basse Goran Jurić, d'une imperturbable noirceur monocorde, et à Elmar Gilbertsson, ténor tranchant, pour jouer le jeu avec une telle aisance -, mais le personnage de Polina, incarné par une Aušrine Stundyte toujours aussi physiquement magnétique avec sa noirceur de timbre aux accents fêlés, préserve sa fraîcheur et son humanité.

Rare intervenant bien mis en valeur par son soyeux costume jaune, le discret Astley est ennobli par la très belle ligne vocale de Shigeo Ishino, baryton japonais qui est l’une des valeurs très sûres de la troupe de l’opéra depuis 18 ans.

Une touche d’absurde est rajoutée par un ensemble de serviteurs à têtes de snack-cocktail qui interagissent avec les protagonistes, et l’on ne sait dire exactement à ce moment là si ce monde en ruine précède, sous forme de flash-back, la grande scène finale flamboyante qui sera la cause de la perte de cet univers décomposé, où bien si elle est le point de départ d’une nouvelle folie du jeu.

Quoi qu’il en soit, l’arrivée de Véronique Gens en Babulenka marque un véritable tournant, non seulement à cause du personnage charismatique imaginé par Dostoïeski, mais parce que la soprano française fait forte impression par les fulgurances de son empreinte vocale et par sa manière d’incarner cette femme délurée et fortement sexualisée avec une gestuelle brillamment stylisée.

Quand on ne connaît Véronique Gens qu’à travers des tragédies lyriques, c’est véritablement un choc que de la voir prendre un tel plaisir dans cette production assez radicale. Son arrivée coïncide avec le lever d'un astre planétaire dans le ciel nocturne.

Le personnage d’Alexej, interprété par Daniel Brenna qui le dépeint de toute sa largeur vocale ombrée et animée d’une puissante onde vibrante, n’est, lui, pas ridiculisé, car il porte un amour sincère pour Polina. Mais il restera vêtu de noir tout au long du drame satirique. Le ténor américain donne en effet une présence forte au jeune précepteur, mais c’est surtout dans la seconde partie qu’il va se livrer à la frénésie du jeu dans une débauche d’énergie totalement étourdissante.

Mais avant cela, Axel Ranisch conclura la première partie en sourire par une amusante insertion, en fond de décor, de la fusée d’’Objectif Lune’ du ‘Tintin’ d'Hergé pour montrer la fuite vers un ailleurs sous des au revoir de badauds amusants - une allusion malicieuse à ces milliardaires rêvant de conquérir l'espace, mais que le simple être humain aimerait voir partir pour de bon sur une autre planète -.

Une fois quitté cet univers aux lumières martiennes, nous nous retrouvons dans une salle de jeu resplendissante avec un arrière fond sombre bardé d’arcades. Tout le monde est superbement habillé pour faire bonne figure et espérer récupérer beaucoup d’argent. Le monde déchu de la première partie est à nouveau pris dans l’ivresse du jeu pour retourner finalement à sa ruine. L’immense roulette au sol sur laquelle joue et danse Alexej symbolise l’engrenage infernal d’un monde obnubilé par l’argent. A l'instar de la virtuosité du jeu du chœur et des solistes, les jeux de lumières et de couleurs, en dégradés de teintes roses et violettes, sont saisissants et d’une grande complexité afin de restituer un éclat visuel à la hauteur de l’emballement musical si bien imaginé par Prokofiev.

Sur cet inexorable dérèglement des esprits, le metteur en scène illustre sensationnellement la folie qui gagne Alexej en le faisant exposer, au sol et une fois l’argent gagné, une scène sensuelle comme s’il faisait l’amour seul avec la profusion de billets virevoltants dans tous les sens, pensant ainsi s’attacher Polina qui, bien entendu, ne pourra que prendre ses distances avec quelqu'un qui confond le vent de l'argent avec la chaleur du corps humain.

Ce spectacle est donc étonnant par l’inversion d’images qu’il engendre en jouant sur le sex-appeal de Daniel Brenna tout en faisant d’Aušrine Stundyte un personnage très sage, et tout en montrant une Véronique Gens au glamour hypnotisant.

A cela s’ajoute l’interprétation haut en couleur d’Alexander Vitlin qui vitalise l’orchestre de l’opéra de Stuttgart avec une volubilité phénoménale qui dessine des volutes orchestrales rutilantes au rythme acéré, tout en faisant un usage endiablé des percussions sans saturer le son ou écraser sa dynamique.

Il en résulte une version particulièrement incisive qui déclenchera au final l’enthousiasme du public dans une salle comble, prompte à saluer l’ensemble de la distribution pour son énergie et son engagement sans faille.

Depuis le dimanche 16 mars 2025 10h, la saison 2025/2026 du Bayerische Staatsoper est rendue publique en direct via la chaîne Staatsoper.tv.

Il s'agit de la 5e saison de Serge Dorny à la direction de ce théâtre de référence, saison qui marque une étape intermédiaire puisque le directeur a été prolongé pour 5 saisons de plus jusqu’en 2031.

Cependant, du fait que le Théâtre national sera fermé pour travaux de début août à fin octobre 2025, cette saison lyrique sera un peu plus courte avec seulement 152 représentations pour 36 ouvrages, contre un peu plus de 170 représentations et 40 ouvrages habituellement. Et seules 6 nouvelles productions seront créées dans les grandes salles, et une septième sera donnée par l’Opéra Studio.

Par ailleurs, les opéras des XXe/XXIe siècles (hors Puccini) ne représenteront que 15% des soirées, en net retrait par rapport à l’édition en cours, mais une création mondiale sera à l’affiche, ‘Of one Blood’ de Brett Dean.

Et comme chaque saison, Serge Dorny propose une nouvelle production d’un grand ouvrage dramatique italien du XIXe siècle, ‘Rigoletto’ de Giuseppe Verdi. 

Mais le fait le plus flagrant est que toutes les reprises concernent des spectacles vus au cours des 3 dernières années (toutes ont été jouées après ‘Der Freischütz’ donné en janvier 2023), et 40% des soirées sont dédiées à des spectacles déjà programmés cette saison.

Toutefois, si seulement 6 ouvrages du XX et XXIe siècles seront présentés sur 23 soirées au total, 2 nouvelles productions leurs seront associées.

Après ‘Hamlet’ qui fut créé en 2017 au Festival de Glyndebourne sous la direction de Vladimir Jurowski, ‘Of one Blood’ de Brett Dean est le second opéra du compositeur australien.

A nouveau, le directeur musical du Bayerische Staatsoper dirigera cette nouvelle création mondiale – dont le Garsington Opera et le State Opera South Australia sont également commanditaires -, dans une mise en scène de Claus Guth en coproduction avec le Santa Fe Opera.
Johanni van Oostrum et Vera-Lotte Boecker incarneront respectivement Elizabeth Tudor et Marie Stuart.

Par ailleurs, en début de saison, le Théâtre Cuvilliés accueillera une nouvelle production des artistes de l’Opéra Studio, ‘Die englische Katze’ de Hans Werner Henze, ouvrage originellement basé sur un texte en anglais, mais qui fut créé en allemand en juin 1983 au Schwetzingen Festival, puis à l’Opéra de Paris (Salle Favart) en février 1984 dans une traduction française.

Faute de grande salle ouverte avant novembre, ‘Ariane à Naxos’ sera donné en version de concert pour deux soirs en octobre 2025 au Herkulessaal (1270 places assises) au sein du Münchener Residenz, sous la direction de Daniele Rustioni.

Également, deux autres opéras de Richard Strauss seront repris, ‘Salome’ dans la production de Krzysztof Warlikowski, avec Asmik Grigorian sous la direction de Thomas Guggels, et ‘Elektra’ dans la production d’Herbert Wernicke et sous la direction de Vladimir Jurowski.
Enfin, ‘Rusalka’ d’Anton Dvorak sera repris dans la production de Martin Kušej, avec Petr Popelka à la direction et Asmik Grigorian dans le rôle titre.

Comme chaque saison, le répertoire des compositeurs italiens du XIXe siècle est une composante solide et fondamentale qui va occuper 40% des représentations grâce à 14 ouvrages répartis sur 60 soirées, dont 5 de Giuseppe Verdi (‘La Traviata’, ‘Nabucco’, ‘Macbeth’, ‘Il Trovatore’ et la nouvelle production de ‘Rigoletto’ mise en scène par la réalisatrice polonaise Barbara Wysocka), et 4 de Giacomo Puccini (‘La Bohème’, ‘Tosca’, ‘Madame Butterfly’, ‘Turandot’) déjà repris cette saison

Ces grands classiques italiens seront complétés par la reprise de la ‘La Cenerentola’ de Gioachino Rossini, du diptyque ‘Cavalleria Rusticana / Il Pagliacci’ de Pietro Mascagni et Ruggero Leoncavallo, de ‘Norma’ de Vincenzo Bellini et de ‘L’Elixir d’Amour’ de Gaetano Donizetti.

Quant à Mozart, toujours bien représenté à Munich, il peut compter sur 4 de ses ouvrages les plus courus, ‘Les Noces de Figaro’, ‘Don Giovanni’, ‘L’enlèvement au Sérail’ et ‘La Flûte enchantée’ pour contribuer à la vitalité du théâtre.

Mais Wagner tombe à un minimum critique avec seulement 8 soirées que devront se partager la reprise de ‘Parsifal’, avec Clay Hilley, Nina Stemme et Sebastian Weigle à la direction, et la nouvelle production de ‘La Walkyrie’ mise en scène par Tobias Kratzer et dirigée par Vladimir Jurowski au cours du festival d’été 2026.

Toutefois, pas moins de 4 compositeurs germanophones du XIXe siècle vont se partager 16 soirées, Johan Strauss avec ‘Die Fledermaus’, Engelbert Humperdinck avec ‘Hänsel und Gretel’, Ludwig von Beethoven avec ‘Fidelio’, et Carl Maria von Weber avec la reprise de ‘Die Freischutz’ mis en scène par Dmitri Tcherniakov.

Et si le répertoire russe n’est représenté que par un seul ouvrage, ce sera une nouvelle production de ‘La nuit de Noël’ de Nikolaï Rimsky-Korsakov, un opéra rarement monté qui vient de connaître une excellente version à l’opéra de Frankfurt. La mise en scène sera confiée à Barrie Kosky en coproduction avec le Komischen Oper Berlin, et Vladimir Jurowski en assurera la réalisation musicale avec une distribution qui réunira Violeta Urmana, Sergei Leiferkus, Dmitry Ulyanov, Elena Tsallagova et Ekaterina Semenchuk.

Deux opéras tchèques compléteront ce portrait de famille slave, ‘Rusalka’ et ‘La fiancée vendue’ (direction Tomáš Hanus) ce qui fera au total 13 soirées dédiées à l’Europe centrale et orientale.

A l’instar de cette saison, la langue française sera également bien défendue avec la nouvelle production de ‘Faust’ confiée à la mise en scène de Lotte de Beer et la direction musicale de Nathalie Stutzman, et par les reprises de ‘La Fille du régiment’ de Donizetti sous la direction d’Antonino Fogliani, et de ‘Carmen’ sous la direction de Karel Mark Chichon.

Enfin, les baroqueux auront le plaisir de découvrir la nouvelle production d’’Alcina’ mise en scène par Johanna Wehner et dirigée par Stefano Montanari, ouvrage de Haendel qui n’avait plus été joué depuis juillet 2007 dans la précédente version de Christof Loy.

Cette programmation fait toutefois se détacher le rôle de Vladimir Jurowski, le directeur musical, qui dirigera 5 ouvrages ( les nouvelles productions de ‘La nuit de Noël’, ‘Of one blood’ et ‘La Walkyrie’, et les reprises de ‘Hansel und Gretel’ et ‘Elektra’), et met à nouveau en évidence la confiance accordée à Antonino Fogliani qui se réservera quatre opéras de compositeurs italiens, ‘Cavalleria Rusticana & Il Pagliacci’, ‘La fille du régiment’ et 'La Cenerentola'.

Par ailleurs, cette saison marquera les débuts de Nathalie Stutzmann au Bayerische Staatsoper afin d’assurer la direction de la nouvelle production de ‘Faust’ - le chef-d'œuvre de Charles Gounod n'avait plus été joué à l'opéra de Munich depuis 2005 - , 20 ans après y avoir incarné en tant que contralto le rôle d’Amastre dans l’opéra de Haendel ‘Xerxes’, ainsi que le retour après 8 ans d’absence d’Eun Sun Kim à la direction de ‘Madame Butterfly’.

Autre chef qui fera ses débuts dès l’été 2025 en dirigeant pour un soir ‘Katia Kabanova’ mis en scène par Krzysztof Warlikowski, Petr Popelka assurera la reprise de ‘Rusalka’ au festival d’été 2026.

Et pour ceux qui scrutent les distributions de grands chanteurs, on pourra entendre cette saison Krassima Stoyaniova (Ariane à Naxos), Elina Garanca (Cavalleria Rusticana), Vittorio Grigolo (Cavalleria Rusticana), Wolfgang Koch (Il Pagliacci, Salome), Lisette Oropesa (La Traviata), Pretty Yende (La Fille du régiment), Xabier Anduaga (La Fille du régiment), Sonya Yoncheva (La Bohème, Norma), Benjamin Bernheim (La Bohème), Bogdan Volkov (La Flûte enchantée), Jessica Pratt (La Flûte enchantée), Rolando Villazon (Die Fledermaus), Rachel Willis-Sørensen (Die Fledermaus, Il Trovatore), Diana Damrau (Die Fledermaus, Les Noces de Figaro), Martin Winkler (Die Fledermaus), Pavol Brelisk (Die Fledermaus, La Fiancée vendue), Georg Zeppenfeld (Nabucco), Eleonora Buratto (Madame Butterfly, Carmen), Gerhard Siegel (Salome), Asmik Grigorian (Salome, Macbeth, Rusalka), Milan Siljanov (Fidelio), Ryan Speedo Green (Fidelio, Carmen), Johanni von Oostrum (Fidelio, Of one Blood), Camilla Nylund (Fidelio), René Pape (Fidelio), Nina Stemme (Elektra, Parsifal), Vida Miknevičiūtė (Elektra), Charles Workman (Elektra), Peter Mattei (Parsifal), Christof Fischesser (Parsifal, Rusalka, Don Giovanni, La Flûte enchantée), Clay Hilley (Parsifal), Ailyn Pérez (Faust, Tosca), Ludovic Tézier (Rigoletto, Tosca), Amartuvshin Enkhbat (Macbeth), Gerald Finley (Macbeth, Les Noces de Figaro), Saioa Hernández (Macbeth), Ambrogio Maestri (L’Elixir d’Amour), Arthur Rucinski (Il Trovatore), Judit Kutasi (Il Trovatore), Piot Beczala (Il Trovatore, Faust), Elena Stikhina (Norma), Aigul Akhmetshina (Norma, Carmen), Sondra Radvanovsky (Turandot), Dmitry Ulyanov (Turandot, La Nuit de Noël), Jonas Kaufmann (Turandot), Ermonela Jaho (Turandot), Golda Schultz (Turandot, Der Freischütz), Charles Castronovo (Carmen), René Barbera (La Cenerentola), Pavel Cernoch (Rusalka), Malyn Biström (Rusalka), Kyle Ketelsen (Der Freischütz, Faust), Stanislas de Barbeyrac (Der Freischütz), Violeta Urmana (La Nuit de Noël), Sergei Leiferkus (La Nuit de Noël), Elena Tsallagova (La Nuit de Noël), Ekaterina Semenchuk (La Nuit de Noël), Jonathan Tetelman (Faust), Florian Sempey (Faust), Nadine Sierra (Rigoletto), Ain Anger (La Walkyrie), Nicholas Brownlee (La Walkyrie), Ekaterina Gubanova (La Walkyrie), Jeanine De Bique (Alcina)

Un focus sur les grands chanteurs français invités cette saison permet enfin de mettre en valeur Ludovic Tézier (13 ans de maison en continu depuis ‘Don Carlo’ en juillet 2013), Stanislas de Barbeyrac, Florian Sempey et Benjamin Bernheim.

Enfin, seuls trois spectacles, ‘Hänsel et Gretel’, ‘L’Enlèvement au Sérail’ et ‘La Cenerentola’ auront une tarification qui ne dépassera pas 100 euros en première catégorie (il y en avait 6 au cours de la saison 2023/2024), mais la représentation de 'La Walkyrie' du 04 juillet 2026 sera projetée en direct sur la Max-Joseph Platz, avec saluts des artistes sur le parvis de l'opéra à la fin du spectacle.

Le détail de la saison 2025/2026 du Bayerische Staatsoper peut être consulté sous le lien suivant : Season 2025/2026 : Der Mensch ist, wozu er sich macht.

Phèdre (Jean-Baptiste Lemoyne
26 octobre 1786, Fontainebleau et
21 novembre 1786, Opéra de Paris)
Représentation du 14 mars 2025
Badisches Staatstheater Karlsruhe

Phèdre Ann-Beth Solvang
Hippolyte Krzysztof Lachman
Thésée Armin Kolarczyk
Oenone Anastasiya Taratorkina
Un Grand de l’État Oğulcan Yılmaz
Acamas Phillip Hohner

Direction musicale Attilio Cremonesi
Mise en scène Christoph von Bernuth (2025)
Badischer Staatsopernchor & Badische Staatskapelle

Compositeur français qui ambitionnait d’assurer à travers ses premières tragédies l’héritage de Gluck, Sacchini et Piccinni - ce que ne lui reconnut pas Gluck lui-même -, Jean-Baptiste Lemoyne a cependant obtenu son plus grand succès avec une comédie lyrique, ‘Les Prétendus’, qui sera jouée plus de 220 fois entre 1789 et 1827 à l’Opéra de Paris.

Sa première tragédie lyrique, ‘Electre’, ne connut qu’une dizaine de représentations en 1782, mais les deux suivantes, ‘Phèdre’ et ‘Nephté’, eurent bien plus de succès et furent reprises.

‘Phèdre’ connut ainsi une soixantaine de représentations de 1786 à 1796, mais ne réapparut que pour deux soirs à la Salle Montansier, rue de Richelieu, en 1813. 

Le librettiste qui s’est inspiré de la célèbre pièce de Racine, François Benoît Hoffmann, sera ultérieurement l’auteur du livret de ‘Médée’ (1797) pour Luigi Cherubini.

Il est ainsi tout à fait étonnant et réjouissant que ce soit la scène de l’opéra de Karlsruhe qui ressuscite scéniquement, en langue originale et avec un plein effectif de 30 musiciens, un ouvrage français oublié depuis plus de 200 ans.

Certes, la nouvelle production élaborée par Christoph von Bernuth privilégie la lisibilité et l’économie de moyens. Après une première scène suggérant une forêt par quelques piquets ondulants plantés sur la scène dans une ambiance nocturne, le plateau tournant fait alterner deux décors, l’un représentant le grand escalier austère du palais de Trézène, qui sera aussi celui du temple de Neptune, l’autre l’intérieur mental resserré, obsessionnel et recouvert du nom d’’Hippolyte’ où s’enferme Phèdre.

L’espace transitoire entre ces deux plateaux est aussi utilisé pour des scènes de foules, notamment à l’arrivée de Thésée.

Quant à la direction d’acteurs, elle oscille entre convention pour le mouvement du chœur, bien chantant et bien unifié, ainsi que pour les personnages de la cour, et une théâtralité plus expressive dans les grands moments de coups de sang.

C’est le cas notamment de l’extraordinaire invocation à Neptune que clame Thésée au troisième acte, dont l’écriture vocale rageuse est déployée de façon impressionnante par le baryton italien Armin Kolarczyk, membre de la troupe du Badisches Staatstheater depuis 2007. Ce fantastique chanteur, doué d’un noble métal vocal d’une puissance pénétrante, est capable de s’approprier la salle entière de son charisme autoritaire au point de démontrer comment la théâtralité d’une scène peut puiser toute sa force uniquement à travers le talent d’un artiste auquel est confiée une prosodie nerveuse.

Mais les trois autres interprètes principaux ont eux aussi de très grandes qualités expressives. 
Ann-Beth Solvang, soprano norvégienne qui avait fait une première apparition parisienne au Théâtre du Châtelet en 2012 dans ‘Le Bal’ d’Oscar Strasnoy, possède une voix noire aux graves amples, un solide médium corsé, et des aigus ardents qui lui permettent de dépeindre Phèdre en un torrent passionnel que seule son éducation royale semble pouvoir contenir pour un temps. 

Cette somptuosité sonore avec laquelle elle enrobe un pathétisme éploré lui permet cependant de laisser émerger l’intelligibilité du verbe, et l’actrice se révèle surtout lors de sa confrontation avec Hippolyte. La scène finale, jouée sur un fond marin déchaîné par le seul moment où la vidéo se projette sur le grand escalier, lui permet de donner ce grand effet dramatique attendu en conclusion tragique.

Sa confidente, Œnone, est elle aussi interprétée par une chanteuse éblouissante, la soprano germano-russe Anastasiya Taratorkina. Elle affiche une fraîcheur rayonnante et de jolies nuances de timbre qui personnalisent avec beaucoup de charme ses interventions, et sa diction est si impeccable qu’elle donne vraiment l’impression d’avoir de très fortes connexions avec la langue française. Par ailleurs, tout en elle évoque la candeur, si bien que sa nature manipulatrice au troisième acte face à Thésée en devient inattendue.

Il est celui qui ouvre la première scène avec son premier air ‘Ô Diane, chaste déesse’, le jeune ténor polonais Krzysztof Lachman donne de sa voix homogène, à la fois légère et virile, un phrasé soigné qui rend une image très élégante d’Hippolyte. Étrangement, le metteur en scène le confine dans un jeu très retenu et innocent où rarement on sent le sang monter, sauf dans le duo avec Phèdre où sa gestuelle prend un sens théâtral plus fort.

Ces quatre stupéfiants artistes sont bien entourés et peuvent compter sur la verve d’Attilio Cremonesi qui tire de l’orchestre une vivacité qui ne dépareille jamais les couleurs lustrées des instruments, et qui fait corps avec l'éloquence des solistes. En effet, si elle n’ajoute pas de dimension dramaturgique ou d’expression de sentiments prononcées, l’écriture musicale de Jean-Baptiste Lemoyne colle à l'énergie du texte de façon vivifiante, sans pompe ni trivialité, ce qui entraîne les chanteurs et permet d’aboutir à de grands moments de vérité humaine.

On sort ainsi de ce spectacle autant impressionné par la profondeur d’engagement de l’ensemble de la distribution que par le temps et l’énergie qu’ils ont consacré à la préparation de cette résurrection, tout en sachant que les chanteurs principaux auront probablement peu d’occasions de revenir à cette œuvre oubliée du répertoire français.

Et le fait que le Badisches Staatstheater bénéficie d’une aide de 508 Millions d’euros, dont la moitié financée par l’État, pour engager sur douze ans des travaux de rénovations dédiés à de nouvelles salles de répétitions et plusieurs scènes de 150 à 400 places, offre une image d’espérance en l’avenir qui fait énormément plaisir à voir.

Philippe Martin, L’opéra comme aventure  - Fragments d’un portrait de Stéphane Lissner 
Coédition France Musique - Éditions Gallimard – Sortie le 24 novembre 2024
ISBN : 978-2-07-308180-3
Nombre de pages 167

Au mois de juillet 2023, France Musique diffusa une passionnante interview de Stéphane Lissner structurée en quatre parties d’une heure trente chacune et respectivement intitulées ‘La vocation du théâtre’, ‘Le Festival d’Aix-en-Provence : le théâtre à l’opéra’, ’La Scala et la voix’ et ‘Diriger l’Opéra de Paris’. Elles furent enregistrées au Teatro San Carlo di Napoli de mars à juin 2023, hormis les dix dernières minutes qui furent captées à Paris au moment où Giorgia Meloni cherchait à se séparer prématurément du directeur.

Philippe Martin, alors jeune producteur de cinéma, découvrit au début des années 90 le travail de Stéphane Lissner au Théâtre du Châtelet. Il sera en charge de 2016 à 2021 de la direction artistique de la 3e scène, plateforme numérique de l’Opéra de Paris, et produira ensuite la série des quatre interviews du directeur menées pour France Musique.

Ce livre hommage se veut comme un complément de ces échanges dont il ne reprend que partiellement les éléments tout en ajoutant de nombreux éléments contextuels.

Ainsi, Philippe Martin commence par un hommage à Charles Dullin, metteur en scène qui s’installa en 1941 au Théâtre de la Cité, devenu depuis le Théâtre de la ville de Paris. Pensant toucher un public populaire, il finira criblé de dettes et disparaîtra en 1949 totalement ruiné.

A la même époque, Claude Regy s’était passionné pour son travail et fut marqué par la mise en scène de ‘L’Amante anglaise’ de Marguerite Duras, où le simple dialogue entre deux personnes avait su créer des images chez les spectateurs. C’est cette pièce, dirigée cette fois par Claude Régy, que découvrit à Chaillot Stéphane Lissner en 1968, alors âgé de 15 ans, qui lui donna l’envie de faire de la mise en scène. Il formera ensuite sa culture théâtrale en s’ouvrant aux influences de Robert Wilson, Klaus Michael Grüber, Jean Louis Barrault, Ariane Mnouchkine qui marqueront une rupture avec l’ancienne génération après 1968. Le théâtre devint militant.

En France, Michel Guy, créateur du Festival d’automne en 1972, fédèrera ces énergies.

Stéphane Lissner, mis à la porte de chez ses parents après avoir arrêté ses études, crée en plein Paris le Théâtre Mécanique. Il y invite Alain Françon, Robert Gironès, Bernard Sobel, Albert-André Lheureux, André Engel, mais il perd beaucoup d’argent et se retrouve endetté à l’âge de 22 ans de 400.000 francs! II mettra dix ans à les rembourser.

Cependant, le théâtre est devenu sa vie, et peu après il devient codirecteur du Théâtre de Nice et se met en contact avec Giorgio Strehler, puis Pina Bausch, Lucinda Childs qui viendront se produire dans la métropole méditerranéenne.

Philippe Martin brosse à ce moment là le portrait de Rolf Lieberman, un directeur d’opéra qui cherchait à réconcilier l’opéra et le théâtre, et qui a su surmonter à la fois le conservatisme du public, les limites de financement, et la difficulté à programmer des titres peu connus.

Ce portrait annonce le destin qui attend Lissner quand il sera contacté en 1983 par Jean-Albert Cartier, directeur du Théâtre du Châtelet, pour l’assister à la production des ‘Indes Galantes’. Connaissant mal l’opéra qu’il considère comme un art bourgeois et dépassé, Lissner va aimer ce genre qui mélange musique et théâtre grâce à Pierre Boulez qu’il considère comme un grand artiste contemporain.

Lissner s’intéresse peu au répertoire du XIXe siècle, hormis Wagner et le Verdi schillérien de la maturité, et se concentre sur les compositeurs du XXe siècle, Webern, Berg, Schoenberg, Kagel, Reich, Strauss, Janacek, Bartok, c’est à dire sur son époque.

Il découvre alors qu’il peut tisser un lien entre le baroque et le contemporain de par l’esprit de récréation qui anime des chefs tels William Christie ou Nikolaus Harnoncourt.

Dans le même esprit, son excellente relation avec William Forsythe permettra de sortir la danse du carcan classique.

L’aventure du Théâtre du Châtelet est l’occasion pour Philippe Martin de rappeler sa grande histoire d’amour avec l’opérette, attachée au sens de la démesure de Maurice Lehmann qui le dirigera jusqu’en 1965, et pour lequel une nouvelle page est à écrire. Stéphane Lissner va y faire ce qu’il veut, tout Mahler, mais aussi ‘Les Maîtres chanteurs de Nuremberg’ dirigé par Claude Regy, à la façon d’un Dmitri Tcherniakov d’aujourd’hui. Pour Lissner, le théâtre doit sublimer l’opéra, et s’enchaînent alors les grands succès, ‘Don Carlos’ par Luc Bondy, le ‘Ring’ par Pierre Strosser, malgré toutes les contraintes des temps de répétitions.

Mais la politique s’en mêle, l’opposition entre Landowski et Boulez est prégnante, le soutien du maire de la ville, Jacques Chirac, est formidable, jusqu’à la nomination de Jean Tiberi en 1995 dont la vision très différente entraînera le départ de Lissner en 1998.

Philippe Martin revient à sa propre expérience personnelle et se souvient d’avoir découvert en 1992 le livre de Michel Leiris ‘Operratiques’ qui lui suggère de prendre des notes sur les spectacles qu’il voit afin de s’en souvenir. En partageant ses notes de 1993 à 1998, il offre un témoignage sur les œuvres programmées par Stéphane Lissner au Châtelet: ‘Wozzeck’, ‘Le Ring’, Elektra’, ‘Le Grand Macabre’, ‘The Rake’s Progress’, décrivant aussi bien ce qu’il se passe sur scène que dans la salle.

Et de conclure que la mégalomanie et le goût du directeur auront fait émerger des nouvelles générations de chefs d’orchestre et de metteurs en scène. Par ce constat, Philippe Martin souligne la faille qui sépare Lissner d’une certaine frange de passionnés d’opéras qui se focalisent principalement sur la voix et le grand répertoire du XIXe siècle, plutôt que sur la force de la théâtralité et le sens des œuvres. Les amateurs de belcanto italien, dévoués à l’hédonisme vocal,  seront ses plus farouches opposants, surtout qu’à Paris ils ont la dent dure.

Au même moment qu’il est appelé au Festival d’Aix-en-Provence pour rétablir sa situation financière, Stéphane Lissner est sollicité par le Teatro Real de Madrid. Il pense pouvoir mener les deux institutions en même temps, mais il ne reste qu’un an et demi en Espagne après que le nouveau Secrétaire d’État à la culture lui ait demandé de déprogrammer ‘Peter Grimes’, perçu comme un opéra homosexuel.

Également nommé à la direction du Théâtre des Bouffes du Nord auprès de Peter Brook, il peut continuer à programmer du théâtre. ‘Le Dibbouk’ par Krzystof Warlikowski laissera en 2004 un grand souvenir artistique.
A Aix, lieu que choisit après la guerre Lily Pastré pour y donner des représentations d’opéras, Stéphane Lissner cherche à faire construire un nouveau théâtre pour y jouer ‘La Tétralogie’. La nouvelle maire élue en 2001, Maryse Joissans, le reçoit et annonce, peu après, la création d’un théâtre où l’on jouera Wagner. En 2006, le Grand Théâtre de Provence ouvre.

Stéphane Lissner y invite ses grands metteurs en scène fétiches, Claude Régy, Luc Bondy, Klaus Michael Gruber, Patrice Chéreau, Peter Brook, mais aussi de nouveaux chefs d’orchestre tel Daniel Harding. La coopération entre Pierre Boulez et la chorégraphe Pina Bausch autour du ‘Château de Barbe-Bleue’ tournera cependant à l’échec.

Puis, alors qu’il codirige également le Théâtre de la Madeleine à Paris, il reçoit au printemps 2005 un appel du vice-président de La Scala qui lui conseille de candidater à la direction du célèbre temple milanais.

Avant de passer à cette nouvelle étape, Philippe Martin publie ses mémoires des représentations d’Aix-en-Provence, ‘Don Giovanni’, ‘L’Orfeo’, ‘Le Château de Barbe-bleue’, ‘Le Couronnement de Poppée’, ‘Cosi fan tutte’, ‘L’Or du Rhin’, et mesure l’écart de sensations entre le cinéma et le genre opératique.

La nomination en avril 2005 de Stéphane Lissner à la direction de la Scala ne se fera pas sans accroches. Peter Brook soupçonne que c’est pour cette raison que son codirecteur l’a quitté en 2004 à la direction des Bouffes du Nord, Vienne ne croit pas qu’il aura le temps de s’occuper de la programmation musicale du Wiener Festwochen qu’a rejoint Lissner en appui de Luc Bondy, et la maire d’Aix lui en veut énormément, le ‘Ring’ ne devant s’achever qu’en 2009.

Loin de se plier aux attentes du public le plus conservateur, Stéphane Lissner s’empare de la Scala, lieu façonné au début du XIXe siècle par les intuitions de Domenico Barjaba, comme une magnifique machine théâtrale. Dmitri Tcherniakov, Claus Guth, Patrice Chéreau, Deborah Warner, Guy Cassiers, Robert Carsen sont invités à la mise en scène, mais c’est ici que la relation avec Daniel Barenboim s’approfondit au quotidien lorsqu’il devient le directeur musical de la maison en 2007.

La confrontation spectaculaire entre Roberto Alagna et les loggionistes au cours d’une représentation d’'Aida' montrera aussi la difficulté que représente cette scène même pour les plus grands chanteurs.

Stéphane Lissner est cependant nommé à la direction de l’Opéra de Paris en 2012, et son mandat devient effectif en 2015 pour redonner de l’élan à une institution retombée dans la routine après le départ de Gerard Mortier.
Il prolonge la collaboration avec Philippe Jordan, engage Benjamin Millepied à la direction de la danse, et est solidement appuyé par son directeur adjoint Jean Philippe Thiellay jusqu’à son départ au Centre national de la Musique.

Les spectacles sont très ambitieux, ‘Moses und Aaron’, ‘Lear’, ‘Lady Macbeth de Mzensk’, ‘Iolanta/Casse-noisette’, ‘Snegourochka’ avec les plus grands metteurs en scène, Romeo Castellucci, Krzysztof Warlikowski, Dmitri Tcherniakov, Calixto Bieito, et le succès public des ‘Indes Galantes’ mis en scène par Clément Cogitore et Bintou Dembélé est l’occasion pour Philippe Martin de rappeler le rôle de la 3e scène comme moyen de rencontre entre l’opéra et le cinéma.

L'interview ne revient pas sur la consternante polémique de la rénovation des cloisons des loges du Palais Garnier qui, à elle seule, disait tout du conservatisme forcené parisien.

Mais la maison est en ébullition et les relations avec les syndicats vont devenir très difficiles. Elles dégénèrent à l’occasion de la réforme des retraites.

L’établissement n’étant plus subventionné qu’à hauteur de 40% (contre 60% à l’époque d’Hugues Gall), la crise du covid portera un coup encore plus dur.

Stéphane Lissner prévient le Ministère de la culture en 2020 qu’il quittera l’Opéra de Paris avant la fin de l’année, ce qui précipite l’arrivée d’Alexander Neef. 

Dès le 29 juillet 2020, Stéphane Lissner donne son premier opéra en plein air à Naples, et Philippe Martin en décrit l’ambiance si particulière.

L’énergie de la ville séduit le nouveau directeur du San Carlo, mais la politique va s’en mêler après l’élection de Giorgia Meloni en septembre 2022.

Au moment où l’interview s’achève, Stéphane Lissner ne sait pas qu’il va gagner son procès pour rester à la direction du théâtre jusqu’à la fin de son mandat en mars 2025.

Une réflexion est engagée avec son interviewer sur les formes nouvelles de l’opéra, l’obstacle premier étant, d’après Stéphane Lissner, le nombre réduit de bons livrets susceptibles d’intéresser le public. C’est pourquoi il estime que ce sont surtout les œuvres du XXe siècle qui racontent des histoires passionnantes. Obtenir des prix de places très attractifs pour les jeunes est aussi beaucoup plus difficile que dans une Philharmonie par exemple.

Mais dans l’ensemble, le public d’opéra change difficilement en France, ce qui n’est pas le cas en Allemagne qui a opté pour la radicalité théâtrale et un modèle économique et des conventions sociales plus souples.

Ainsi, à travers ‘L’opéra comme aventure’, Philippe Martin réussit à recontextualiser le parcours exceptionnel de Stéphane Lissner pendant plus de 55 ans, et montre comment il a su catalyser à travers son travail un demi-siècle d’aventure théâtrale européenne qui, à la lumière de ce document, permet de comprendre le sens profond et les convictions fortes qui ont sous-tendu sa programmation à la direction de l’Opéra de Paris.

Le plus étonnant est que son parcours démontre qu'il s'est déroulé en parallèle et sans rencontre avec la ligne de Gerard Mortier (Lissner fit connaitre Krzysztof Warlikowski au théâtre à Paris en 2004, alors que Mortier ne le fit débuter à l'Opéra qu'en 2006), ce qui prouve qu'il n'était pas le seul à avoir cette réflexion sur la place du théâtre à l'opéra, et que toute une nouvelle génération de directeurs s'apprête dorénavant à prendre le relai. Le retour en arrière n'est dorénavant plus possible.

A écouter également les podcats de France Musique : Stéphane Lissner, fragments d'un portrait.

https://www.radiofrance.fr/francemusique/podcasts/stephane-lissner-fragments-d-un-portrait

Golem (Amos Gitaï)
Représentation du 08 mars 2025
Théâtre national de La Colline

Acteurs Bahira Ablassi, Irène Jacob, Micha Lescot, Laurent Naouri, Menashe Noy, Minas Qarawany, Anne-Laure Ségla
Chanteuses Dima Bawab, Zoé Fouray, Marie Picaut
Voix et harpe Sophie Leleu

Musiciens Alexey Kochetkov (violon et synthétiseurs), Kioomars Musayyebi (santour) et Florian Pichlbauer (piano)

Texte Amos Gitaï et Marie-José Sanselme
Mise en scène Amos Gitaï (2025)

Scénographie Amos Gitaï, assisté de Sara Arenberg Gitaï     Minas Qarawany et Laurent Naouri
Lumières Jean Kalman, assisté de Juliette de Charnacé

A travers le mythe du Golem né, selon la légende, par la magie de Rabbi Loew, grand Rabin de Prague au XVIe siècle, Amos Gitaï présente au Théâtre de la Colline une composition théâtrale qui croise plusieurs formes artistiques, le cinéma, le chant, la musique, avec une approche plastique qui vise à plonger le spectateur au plus profond du cœur humain de la culture Yiddish.

Langue poétique apparue il y a un millénaire dans l’espace du Saint-Empire germanique, elle s’est étendue à travers l'Europe pour atteindre aussi bien les actuels Pays-Bas et l’Est de la France, que les actuels Etats-Baltes, la Roumanie et l’intégralité du territoire ukrainien.

Cette forte influence de la langue germanique est très frappante au cours du spectacle lorsque l’on entend, par exemple, le baryton Laurent Naouri s’exprimer et chanter dans sa langue d’origine.

Mais il s’agit surtout pour le réalisateur israélien de confronter une communauté, perpétuellement persécutée, à sa plus grande tragédie qui, à partir de la Seconde Guerre mondiale, l’a menée sur la voie de l’extinction au point de passer de 11 millions de locuteurs à moins de 2 millions aujourd’hui.

Le contact avec l’âme Yiddish se fait dès l’ouverture de la pièce à l’écoute de Sophie Leleu chantant de sa voix chaude une émouvante lamentation judéo-espagnole, ‘¿Porke Llorax Blanca Niña?', tout en jouant de la harpe avec infiniment de délicatesse.

Puis, une fois le noir totalement installé, débute une projection d’images d’archives de jeunes juifs n’ayant pas encore conscience du drame qui se prépare, et d’un extrait de ‘Tsili’ (2015), film d’Amos Gitaï inspiré du roman éponyme d’Aharon Appelfeld (1983), qui montre une jeune femme déambulant dans un hangar délabré au milieu de morts et de survivants de pogroms.

Des restes de vêtements chutent des cintres, d'une évidente signification.

A travers un mélange d’actions théâtrales et d’interprétations musicales – le dispositif comprend un piano flanqué côté cour d’un synthétiseur et d’un violon, et côté jardin d’un orientalisant santour -, le Golem apparaît comme un moyen imaginaire de défense face à l’oppression et les préjugés – une scène de tribunal parodique censée se dérouler à Prague au temps de Rodolphe II, avec Micha Lescot en juge chrétien débridé, s’inspire de la pièce ‘Golem’ (1969) d’Isaac Bashevis Singer pour lancer une accusation mensongère et monstrueuse contre un banquier juif -.

Le Golem naît en lançant un cri de souffrance; l’acteur israélien Minas Qarawany incarne la créature d’argile à travers une attitude courbée qui évoque autant le poids de sa condition que son rapport humble à la vie. Les autres acteurs se recouvriront également de glaise à l’approche du climax de la représentation qui décrira les tortures insoutenables que subiront des victimes livrées aux barbares.

Les textes, d’une dureté inouïe, sont mis en scène à travers une scénographie d’une esthétique stupéfiante montrant les corps se déformant devant sept stèles magnifiées par des lumières vivantes et colorées et des jeux d’ombres irréels fortement contrastés. La musique et les chants traditionnels omniprésents ajoutent une dimension poétique qui aide l’auditeur à supporter l’insupportable, et à surmonter la crainte que les témoignages n’aillent encore plus loin dans l’horreur.

La figure du Golem ainsi dessinée devient un moyen de résistance à la destruction, une force qui permette au corps d’endurer le pire, tout en étant également un agrégat des tortures infligées à l’être humain. De par sa résilience, le Golem prend ici une dimension christique.

La capacité de tous ces artistes à travailler eux-mêmes sur les torsions de leurs corps et à les exposer sur scène, tout en montrant des qualités musicales magnifiques que ce soit tant la luminosité du quatuor féminin que l’impressionnante résonance de Laurent Naouri, ajoute un sentiment d’admiration devant la beauté fragile qu’ils induisent ainsi.

Puis, en dernière partie, nous quittons la dimension théâtrale pour laisser les acteurs et chanteurs se présenter et raconter, avec détachement et humour, leurs liens avec la judaïté, mais aussi la diversité de leurs origines qui rend ainsi la catégorisation des personnalités impossible. Le discours s’élargit ainsi aux questions de sociétés d’aujourd’hui en cherchant à montrer que l’intolérance ne peut se combattre que par une prise de conscience de la complexité humaine. Cependant, sur ce dernier point, l’évolution de nos sociétés laisse planer quelques craintes.

Pelléas et Mélisande (Claude Debussy –
Opéra Comique, le 30 avril 1902)
Répétition générale du 22 février et représentation du 28 février 2025
Opéra Bastille

Pelléas Huw Montague Rendall
Mélisande Sabine Devieilhe
Golaud Gordon Bintner
Arkel Jean Teitgen
Geneviève Sophie Koch
Yniold Soliste de la Maîtrise de Radio France
Un médecin Amin Ahangaran
Vidéo : Axel Olliet (Pelléas), Delphine Gilquin (Mélisande), Azilis Arhan (Mélisande), Xavier Lenczewski (Golaud), Geneviève (Daria Pisareva)

Direction musicale Antonello Manacorda
Mise en scène Wajdi Mouawad (2025)
Nouvelle production en coproduction avec l’Abu Dhabi Festival
Retransmission en direct le 20 mars 2025 à 19h30 sur POP – Paris Opera Play, la plateforme de l’Opéra national de Paris, diffusion sur Medici.tv à partir du 20 avril 2025, et diffusion sur France Musique le 26 avril 2025 à 20h dans l’émission de Judith Chaîne ‘Samedi à l’Opéra’.

Après vingt ans de représentations, d’abord sur la scène du Palais Garnier où elle fut créée le 07 février 1997, puis sur la scène Bastille où elle fut reprise à partir de septembre 2004, la production emblématique de ‘Pelléas et Mélisande’ par Robert Wilson se retire du répertoire de l’Opéra national de Paris pour laisser place à une nouvelle vision élaborée par Wajdi Mouawad, homme de théâtre et actuel directeur du Théâtre national de la Colline.

Et ce qu’il propose, lui qui fut l'auteur en septembre 2021 d’une mise en scène d’’Œdipe’ de George Enescu qui remporta le Grand Prix du syndicat de la critique, est une fascinante mise en valeur du texte de Maurice Maeterlinck qui traduit une compréhension extrêmement fine de la symbolique de l’ouvrage au point de réussir à la transmettre au spectateur avec une surprenante sensibilité.

Pour y arriver, Wajdi Mouawad dresse un décor unique représentant en avant-scène un bassin baigné par la brume qui sera autant la fontaine de la forêt au premier acte, que la fontaine des aveugles au second, ou bien le souterrain au troisième, derrière lequel s’élève un talus et un écran sur lequel est projeté en ouverture la forêt d’Allemonde défilant lentement par effet de travelling.

Une étrange créature à tête de sanglier traverse lentement la scène avant que la musique ne débute, la bête traquée par Golaud, représentée comme un mystérieux esprit de la nature.

Mélisande est ce petit être pleurant au sol et perdu dans cette atmosphère nocturne si bien dépeinte par la musique, Golaud est figuré en jeune chasseur sûr de lui et conquérant, tel que décrit dans le texte, alors que Pelléas, son demi-frère, apparaît comme un jeune homme à peine sorti de l’adolescence, un être encore en construction.

Tout au long du spectacle, la vidéo évolue de simples représentations paysagères à des images où l’eau omniprésente devient l’élément de l’abstraction dans lequel les mots du texte de Maurice Maeterlinck sont utilisés par Wajdi Mouawad pour créer des images poétiques.

Ainsi, la couronne d’or est une lumière vaguement troublée par l’eau d’un étang, plus loin les vagues de la mer visibles depuis le palais balayent une plage, la tour du château et les arbres de la forêt sont montrés sous forme de reflets afin d’ajouter à l’irréalité du moment, l’ombre de Mélisande et Pelléas se détache en surimpression au quatrième acte, et l’hiver du dernier acte est évoqué par la nature recouverte de neige.

Et très régulièrement, le texte du livret s’incruste de toute part sur la vidéo pour mieux en imprégner l’auditeur.

Mais le metteur en scène ne se contente pas d’illustrer, il raconte aussi l’enjeu symbolique à travers des séquences surnaturelles qui montrent d’abord la chute de Mélisande, d’un blanc fantomatique, qui est le point de départ de l’œuvre, puis son aspiration à remonter vers le ciel et la lumière – le moment où elle mime le jet de sa bague en hauteur est très joliment décrit par l’orchestre ce qui renforce cet enjeu vertical qui parcoure les cinq actes -.

On retrouve d’ailleurs une similitude avec les vidéos de Bill Viola créées pour ‘Tristan und Isolde’ sur cette scène dès 2005 pour évoquer le rapport du couple amoureux à l‘infini de l’océan, mais ici l’image ne prend pas le dessus sur l’action théâtrale, car le dispositif est fait de façon à permettre aux chanteurs de traverser l’écran fait de multiples lamelles fixées au sol et en hauteur, et de s’évanouir dans l’ombre alors que de petites vignettes pré-filmées prennent la relève sous forme de traces imaginaires. 

Et quelle splendide scène lorsque Pelléas semble nager et se perdre dans la fantastique chevelure irréelle de Mélisande habilement déployée par l’image autour de Sabine Devieilhe!

Cette façon de faire permet ainsi de percevoir beaucoup plus flagramment ce désir de lumière, et cela change la perception de la scène d’observation du couple par Golaud et Yniold, car il ne s’agit plus d’un simple drame bourgeois et de jalousie amoureuse. La lueur de la fenêtre qu’atteint le jeune garçon est subtilement projetée à l’emplacement de l’écran où il se trouve, une lumière fluette qui reflète la quête existentielle de Mélisande et Pelléas, et donc la raison de ce qui les unit mentalement, c’est à dire sortir de leur condition pour retrouver le Soleil.

A l’inverse, l’attirance de Golaud pour le sang et la mort le différencie totalement de ces deux êtres destinés à un ailleurs salvateur. Wajdi Mouawad montre le corps du cheval de Golaud, qui avait été mystérieusement effrayé au milieu de la forêt, descendre vers le sol pour y être éviscéré par des paysans.

Des carcasses de moutons les rejoindront plus tard, l’ensemble dressant un tableau de nature morte qui sera utilisé dans la scène du souterrain pour justifier l’odeur mortelle qui y règne et le malaise qui saisit Pelléas. C’est à cet endroit qu’il perdra la vie.

Et au dernier acte, Wajdi Mouawad met en scène la mort de Mélisande avec sobriété en dissociant la réalité que vit Golaud, effondré sur le lit de mort de sa femme, alors qu’en arrière plan, l’ascension de Mélisande, rejointe par l’âme de Pelléas, parachève, sous la lumière, leur union à la nature.

A cette mise en valeur des mouvements verticaux alternant entre ciel et bas-fond tout au long du texte, un jeu sensible anime les principaux chanteurs en respectant le rythme lent de la musique, mais sans atténuer les moments où la violence surgit, les poses des regards de chacun et leur intensité transmettant toujours des sentiments profonds au spectateur.

Pour faire vivre ce poème dramatique, tous les chanteurs réunis sont des artistes qui ont récemment défendu le répertoire français sur la scène de l’Opéra de Paris, ce qui se ressent sur l’intelligibilité du texte, mais un seul d’entre eux fait une prise de rôle majeure à cette occasion, Gordon Bintner.

Le baryton-basse canadien, qui sera la saison prochaine invité à deux reprises à la Canadian Opera Company de Toronto pour défendre le répertoire français dans ‘Werther’ (Albert) et ‘Roméo et Juliette’ (Mercutio), interprète un Golaud jeune et nerveux, l’arc et les flèches dans le regard. Son élocution acérée, plus vigoureuse que dépressive et ténébreuse, lui donne de l’allure, et il trouve le plus de douceur feutrée dans sa tessiture basse.

En Mélisande, Sabine Devieilhe fait très forte impression, elle qui fréquente ce rôle depuis 10 ans, car tout le charme coloré de son timbre de voix facilement identifiable s’entend parfaitement dans l’immensité de Bastille, et une telle luminosité fait beaucoup penser à l’Ange du ‘Saint-François d’Assise’ d'Olivier Messiaen. Elle incarne un être gracile mais très expressif qui rend palpable son éphémérité.

Elle forme un magnifique couple avec Huw Montague Rendall, fils de deux artistes qui chantaient à l’Opéra de Paris au début des années 1990, Diana Montague à Garnier (‘Les Noces de Figaro’, ‘Benvenuto Cellini’) et David Rendall à Bastille (‘La Flûte enchantée’, ‘Les Contes d’Hoffmann’).

Le baryton britannique est un Pelléas renversant par l’idéalisme qui en émane, la finesse enjôleuse d’un timbre bien affermi, et l’envoûtant relief du visage qui fait vivre un romantisme à fleur de peau. En outre, il se plie à merveille au caractère très poétique, presque Pierrot lunaire, qu’il est amené à faire évoluer.

Toujours aussi doué d’un métal résonnant d’une solennité splendide, Jean Teitgen offre à Arkel une grandeur excellemment bien tenue, alors que Sophie Koch fait ressentir les tressaillements émotionnels de Geneviève avec des respirations très marquées qui ajoutent de la tension à chacune de ses phrases.

Enfin, Amin Ahangaran, membre de la troupe lyrique, est un médecin chantant avec une parfaite noirceur, et le jeune soliste de la Maîtrise de Radio France est lui aussi très juste et sensible dans son incarnation d’Yniold.

A la direction musicale, Antonello Manacorda s’inscrit pleinement dans cette approche singulière de la poésie de Maurice Maeterlinck. On sent de sa part un plaisir jubilatoire à faire discourir les enchevêtrements de dessins orchestraux avec acuité et une finesse de trait qui respecte la souplesse mélodique.

Il sollicite beaucoup la tension des cordes aiguës, réalise un travail véritablement plastique sur la clarté des cuivres et la légèreté de leur galbe, mais n’assombrit pas trop l’atmosphère générale, si bien qu’il arrive à entretenir un rapport très intime à la scène par l’attention de l’oreille qu’il suscite. On pourrait presque ressentir le caractère charnel de chaque instrument.

Sa signature n’est toutefois pas dénuée de sécheresse dans les instants théâtraux soudains qu’il conclut assez froidement, mais l’osmose avec les musiciens de l’Orchestre de l’Opéra national de Paris est prégnante pour arriver à développer une peinture paysagiste aussi précise et détaillée.

C’est donc cet alliage réussi entre poésie, matière musicale, incarnation et onirisme scénique qui fait vraiment la valeur de ce spectacle, une très grande réussite sensible et la confirmation des grandes qualités de Wajdi Mouawad à mettre en scène des œuvres lyriques basées sur des textes littéraires.

Une ample reconnaissance du public pour l'ensemble des artistes s'exprime au rideau final, et cela fait plaisir à vivre!

Chaînes publiques

Dimanche 02 mars 2025 sur France 3 à 00h20
Nadine Sierra & Pretty Yende à la Philharmonie de Paris

Dimanche 02 mars 2025 sur Arte à 18h10
Ravel en mille éclats - Orchestre de Paris - dm Klaus Mäkelä

Lundi 03 mars 2025 sur Arte à 00h45
Violoncellistes virtuoses et voyageuses intréprides - Sol Gabetta sur les traces de Lise Cristiani

Lundi 03 mars 2025 sur Arte à 01h40
L'heure espagnole & Pulcinella (Stravinsky) - Opéra Comique - dm Langrée - ms Gallienne 

Mercredi 05 mars 2025 sur France 3 à 21h05
Les 32es Victoires de la musique classique depuis l'Opéra de Rouen Normandie

Dimanche 09 mars 2025 sur Arte à 00h15
Amor, Furor - Marina Viotti

Dimanche 09 mars 2025 sur France 5 à 14h35
Les clefs de l'orchestre de Jean-Francois Zygel - Daphnis et Chloé (Ravel)

Dimanche 09 mars 2025 sur Arte à 18h10
Ukrainian Freedom Orchestra à Varsovie - "Symphonie n° 9" de Beethoven - dm Keri-Lynn Wilson

Lundi 10 mars 2025 sur Arte à 00h00
Samson (Rameau) - Aix-en-Provence 2024 - dm Pichon - ms Guth

Mardi 11 mars 2025 sur France 4 à 21h00
Requiem de Mozart - Palau de la Musica Catalana

Mardi 11 mars 2025 sur France 4 à 23h15
L'Orchestre de chambre de Paris, Alexandre et Jean-Jacques Kantorow

Dimanche 16 mars 2025 sur France 3 à 00h15
George Balanchine - Ballet impérial : «Who Cares ?»

Dimanche 16 mars 2025 sur Arte à 18h40
Michelangeli et Celibidache interprètent Ravel

Lundi 17 mars 2025 sur Arte à 00h10
L'alchimie du piano - Francesco Piemontesi

Lundi 17 mars 2025 sur Arte à 01h05
Bruce Liu - Festival de piano de la Ruhr 2024

Vendredi 21 mars 2025 sur Arte à 01h30
Young Euro Classic 2021 - dm Herbert Böck, Andris Poga, Elias Grandy

Dimanche 23 mars 2025 sur France 3 à 00h20
Requiem de Mozart - Palau de la Musica Catalana

Dimanche 23 mars 2025 sur France 5 à 14h35
Hommage à Patrick Dupond - Opéra de Paris

Dimanche 23 mars 2025 sur Arte à 18h25
Klaus Mäkelä dirige Ravel - Avec Yuja Wang & l'Orchestre de Paris

Lundi 24 mars 2025 sur Arte à 00h05
Pierre Boulez - Le chemin vers l'inconnu

Lundi 24 mars 2025 sur Arte à 01h00
Pierre Boulez dirige Gustav Mahler - Symphonie "Résurrection"

Lundi 24 mars 2025 sur Arte à 02h30
Bach, musiques sacrées - Nativité, passion, résurrection

Mardi 25 mars 2025 sur France 4 à 21h00
Pierre Boulez présente L'Oiseau de Feu ( Stravinsky)

Mardi 25 mars 2025 sur France 4 à 22h00
Concours Long-Thibaud 2023 : Le concours international de violon

Mardi 25 mars 2025 sur France 4 à 22h55
La Garde Républicaine à Assas

Dimanche 30 mars 2025 sur France 5 à 14h35
Les clefs de l'orchestre de Jean-François Zygel - «Scheherazade» de Nikolai Rimski Korsakov

Dimanche 30 mars 2025 sur Arte à 18h40
Alice Sara Ott et Francesco Tristano, pianos duo

Lundi 31 mars 2025 sur Arte à 00h35
Play it Again! La répétition musicale

Lundi 31 mars 2025 sur Arte à 01h30
Pierre Boulez : Sur incises

Mezzo et Mezzo HD

Samedi 01 mars 2025 sur Mezzo à 20h30
Jonas Kaufmann chante 'Werther' de Massenet à l'Opéra de Paris

Samedi 01 mars 2025 sur Mezzo HD à 21h00
Haendel: Giulio Cesare - Jaroussky, Arquez, Devieilhe

Dimanche 02 mars 2025 sur Mezzo à 17h45
Tchaïkovski : La Dame de Pique - Bayerische Staatsoper

Lundi 03 mars 2025 sur Mezzo à 20h30
Monteverdi de Mantoue à Venise - John Eliot Gardiner

Mercredi 05 mars 2025 sur Mezzo à 20h30
Mozart : Idomeneo - Opéra Royal de Wallonie-Liège

Vendredi 07 mars 2025 sur Mezzo HD à 22h30
Stravinsky : Le Rossignol - Poulenc: Les Mamelles de Tirésias - Théâtre des Champs-Elysées

Vendredi 07 mars 2025 sur Mezzo à 22h55
Strauss : Salome - Opéra national de Paris

Samedi 08 mars 2025 sur Mezzo à 20h30
'Le nozze di Figaro' de Mozart au Festival de Salzbourg

Dimanche 09 mars 2025 sur Mezzo HD à 21h00
Tchaïkovski: Eugène Onéguine - Teatro Real, Madrid

Lundi 10 mars 2025 sur Mezzo à 22h05
Claudio Abbado 10 ans après

Mardi 11 mars 2025 sur Mezzo à 23h55
Rameau : Hippolyte et Aricie - Simon Rattle

Mercredi 12 mars 2025 sur Mezzo à 20h30
'Ernani' de Verdi au Palau de les Arts de Valence

Vendredi 14 mars 2025 sur Mezzo HD à 21h00
'Les Contes d'Hoffmann' au Staatsoper d'Hambourg avec Benjamin Bernheim et Olga Peretyatko

Vendredi 14 mars 2025 sur Mezzo à 23h15
Tchaïkovski : La Dame de Pique - Bayerische Staatsoper

Samedi 15 mars 2025 sur Mezzo à 20h30
Verdi : Le Trouvère - Maggio Musicale Fiorentino

Dimanche 16 mars 2025 sur Mezzo HD à 21h00
Stravinsky : Le Rossignol - Poulenc: Les Mamelles de Tirésias - Théâtre des Champs-Elysées

Lundi 17 mars 2025 sur Mezzo à 20h30
Musicmakers : Bertrand Chamayou sur Ravel

Mardi 18 mars 2025 sur Mezzo à 23h30
'The Perfect American' de Philip Glass au Teatro Real de Madrid

Mercredi 19 mars 2025 sur Mezzo à 20h30
Verdi: I Lombardi alla prima crociata - Opéra Royal de Wallonie-Liège

Vendredi 21 mars 2025 sur Mezzo HD à 21h00
Haendel: Giulio Cesare - Jaroussky, Arquez, Devieilhe

Vendredi 21 mars 2025 sur Mezzo à 23h00
Jonas Kaufmann chante 'Werther' de Massenet à l'Opéra de Paris

Samedi 22 mars 2025 sur Mezzo à 20h30
Puccini : Turandot - Vérone

Dimanche 23 mars 2025 sur Mezzo HD à 21h00
'Les Contes d'Hoffmann' au Staatsoper d'Hambourg avec Benjamin Bernheim et Olga Peretyatko

Lundi 24 mars 2025 sur Mezzo à 20h30
La vie que j'aime - Le pianiste Menahem Pressler

Mardi 25 mars 2025 sur Mezzo à 23h30
Mozart : Idomeneo - Opéra Royal de Wallonie-Liège

Mercredi 26 mars 2025 sur Mezzo à 20h30
Bellini: I Capuleti e i Montecchi - Opéra Royal de Wallonie Liège

Jeudi 26 mars 2025 sur Mezzo et Mezzo HD à 20h00 (en direct)
Ravel : L'Heure espagnole & L'Enfant et les sortilèges - Opéra de Monte-Carlo

Vendredi 28 mars 2025 sur Mezzo HD à 21h00
Tchaïkovski: Eugène Onéguine - Teatro Real, Madrid

Vendredi 28 mars 2025 sur Mezzo à 23h30
'Le nozze di Figaro' de Mozart au Festival de Salzbourg

Samedi 29 mars 2025 sur Mezzo à 20h30
Wagner : Das Rheingold - Opernhaus Zurich

Dimanche 30 mars 2025 sur Mezzo HD à 21h00
'La Femme sans ombre' de Strauss à Baden-Baden

Lundi 31 mars 2025 sur Mezzo à 20h30
Itzhak Perlman, violoniste virtuose

Web : Opéras en accès libre (cliquez sur les titres pour les liens directs avec les vidéos)

Sur Operavision, Culturebox, Arte Concert etc...

                            Accès illimité dans le temps

Placido Domingo, l'homme aux mille vies

La Traviata (Chorégies d'Orange 2016) avec Domingo, Jaho, Meli

Le Requiem de Verdi (Chorégies d'Orange)

Le Barbier de Séville (Chorégies d'Orange 2018) avec Peretyatko, Sempey, Hotea

Roberto Alagna - Ma vie est un opéra

Le Royaume des Deux-Siciles (Roberto Alagna)

Patrick Dupond, un danseur chez les étoiles

Michaël Denard, le « prince » de l'Opéra de Paris

Le Lac des Cygnes, l'Ambitieux projet de Tchaïkovski

Maria Callas - Il était une voix

Body and Soul (Opéra national de Paris)

Dans les coulisses de Casse-Noisette

Dans les coulisses de Roméo et Juliette

Dans les coulisses de La Fille mal gardée

Dans les coulisses de Don Quichotte

Dans les coulisses de Mayerling

Martha Graham, danser avec l'âme

Accès Live à l'Opéra Bastille pour « Le Lac des Cygnes »

Accès live à l'Opéra Garnier dans les coulisses de « La Cenerentola »

                           Mars 2025

La Vestale (Opéra national de Paris) jusqu'au 06 mars 2025

L'Ange de Feu (Teatro Real de Madrid) jusqu'au 06 mars 2025

Jonas Kaufmann - Les plus belles musiques de film jusqu'au 07 mars 2025

Sandrine Piau et Les Talens Lyriques (Bayreuth Baroque Opera Festival 2024) jusqu'au 08 mars 2025

La Forza del destino (La Scala de Milan) jusqu'au 08 mars 2025

Ravel, la grande soirée de ballets (Les ballets de Monte-Carlo) jusqu'au 10 mars 2025

Nuria Rial & Fahmi Alqhai (Bayreuth Baroque Opera Festival 2024) jusqu'au 12 mars 2025

La Chauve-Souris (Opéra de Lille) jusqu'au 13 mars 2025

Fauteuils d'orchestre (Opéra Comique) jusqu'au 13 mars 2025

Moise et Aaron (Opéra national de Paris) jusqu'au 14 mars 2025

Fauteuils d'orchestre (Anne Sinclair) jusqu'au 19 mars 2025

Aladin de David Bintley (Nouveau Théâtre/Ballet national de Tokyo) jusqu'au 20 mars 2025

Car/Men (Théâtre municipal de Béthune) jusqu'au 22 mars 2025

"Peter I. Tschaikowski", ballet de Cayetano Soto jusqu'au 22 mars 2025

Maria Callas au cinéma jusqu'au 23 mars 2025

Noël en Bavière jusqu'au 23 mars 2025

Un Noël musical avec la famille Kanneh-Mason jusqu'au 23 mars 2025

Vivaldi et Mozart au musée du Louvre jusqu'au 24 mars 2025

Gala Puccini (La Fenice) jusqu'au 28 mars 2025

Anna Netrebko et Jonas Kaufmann chantent Puccini (Scala de Milan) jusqu'au 28 mars 2025

"La bohème" avec Anna Netrebko et Piotr Beczala (Festival de Salzbourg 2012) jusqu'au 28 mars 2025

Nixon in China (Opéra d'Etat Hongrois) jusqu'au 29 mars 2025

Un Lac des Cygnes (Semperoper Ballet) jusqu'au 30 mars 2025

Concert de la Saint-Sylvestre 2024 des Berliner Philharmoniker (Kirill Petrenko et Daniil Trifonov) jusqu'au 31 mars 2025

L'heure espagnole & Pulcinella (Opéra Comique) jusqu'au 31 mars 2025

                           Avril 2025

Madame Butterfly  (Opéra national de Paris) jusqu'au 01 avril 2025

Concert du Nouvel An à la Fenice de Venise jusqu'au 01 avril 2025

D'ARC (Opéra national de Varsovie) jusqu'au 01 avril 2025

Le Messie (Festival de Pâques d'Aix-en-Provence) jusqu'au 03 avril 2025

Max Emanuel Cencic & les Talens Lyriques) jusqu'au 04 avril 2025

Finale IVC 2024 2024 jusqu'au 05 avril 2025

Finale du concours Neue Stimmen 2024 jusqu'au 11 avril 2025

Vienne célèbre Beethoven - Philippe Jordan et l'Orchestre symphonique de Vienne jusqu'au 11 avril 2025

The Shell Trial (Opéra national des Pays-Bas) jusqu'au 14 avril 2025

Mikael Karlsson : Melancholia (Opéra Royal de Suède, Stockholm) jusqu'au 20 avril 2025

Oper! Awards 2025 (Théâtre Royal de la Monnaie) jusqu'au 21 avril 2025

Finale de chant du concours de Genève 2024 jusqu'au 22 avril 2025

Norma (Theater an der Wien) jusqu'au 24 avril 2025

Le Bohème (Opéra de Montpellier) jusqu'au 25 avril 2025

Benjamin Millepied à l'Opéra de Paris jusqu'au 30 avril 2025

                            Mai 2025

Le convenienze ed inconvenienze teatrali (Wexford Festival Opera) jusqu'au 02 mai 2025

La Flûte enchantée (Théâtre des Champs-Elysées) jusqu'au 07 mai 2025

La Traviata (Théâtre national de Mannheim) jusqu'au 09 mai 2025

Mayerling (Opéra national de Paris) jusqu'au 10 mai 2025

Ifigenia in Auline (Opéra national de Paris) jusqu'au 15 mai 2025

Platée (Garsington Opera) jusqu'au 15 mai 2025

Felix Mendelssohn - Le Sonde d'une nuit d'été à Sanssouci jusqu'au 16 mai 2025

The Rake's Progress (Opéra et Ballet national de Norvège) jusqu'au 22 mai 2025

Guercoeur (Opéra national du Rhin) jusqu'au 24 mai 2025

Guillaume Tell (Opéra de Lausanne) jusqu'au 27 mai 2025

Médée (Opéra national de Paris) jusqu'au 29 mai 2025

Le Monde de Hans Zimmer jusqu'au 30 mai 2025

La Forza del destino (Gran Teatre del Liceu) jusqu'au 30 mai 2025

La Chauve-Souris (Opéra de Lille) jusqu'au 31 mai 2025

Giselle (Dutch National Ballet) jusqu'au 31 mai 2025

                           Juin 2025

Les Voyages de monsieur Broucek (Théâtre national de Brno) jusqu'au 04 juin 2025

Etre noir à l'Opéra (Opéra de Paris) jusqu'au 07 juin 2025

Le Mariage (Opéra de Poznan) jusqu'au 08 juin 2025

264, That One Star (Daegu Opera House) jusqu'au 13 juin 2025

Adriana Lecouvreur (Opéra national de Lettonie, Riga) jusqu'au 15 juin 2025

L'Enlèvement au Sérail (Opéra Royal de Versailles) jusqu'au 17 juin 2025

Eugène Onéguine (Opéra national de Finlande) jusqu'au 20 juin 2025

Jour de fête chez Offenbach (Radio France) jusqu'au 22 juin 2025

Sonya Yoncheva, un Noël à Versailles jusqu'au 24 juin 2025

Rigoletto (Teatro Real de Madrid) jusqu'au 26 juin 2025

Une journée (extra)ordinaire : 24h à l'opéra Garnier jusqu'au 29 juin 2025

                       Juillet 2025

Salomé (Opéra de Hambourg) jusqu'au 03 juillet 2025

Alain Altinoglu et Stéphane Degout (Festival de Colmar) jusqu'au 04 juillet 2025

Judith (Théâtre national Croate de Zagreb) jusqu'au 17 juillet 2025

Être noir à l'Opéra jusqu'au 22 juillet 2025

Afanador (Ballet Nacional de España) jusqu'au 23 juillet 2025

Finale du Concours Tenor Viñas (Gran Teatre del Liceu) jusqu'au 24 juillet 2025

Echo 72 (Opéra d'Etat de Hanovre) jusqu'au 25 juillet 2025

Les Noces de Figaro (Festival de Salzbourg 2023) jusqu'au 28 juillet 2025

Maria Callas chante Tosca (Royal Opera House - Covent Garden) jusqu'au 30 juillet 2025

Gala d'anniversaire, 150 ans du Palais Garnier jusqu'au 30 juillet 2025

Gala Lyrique (Opéra Orchestre national Montpellier Occitanie) jusqu'au 31 juillet 2025

                       Août 2025

INO Studio Showcase (Irish national Opera)jusqu'au 01 août 2025

Salomé (Opera Ballet de Flandre) jusqu'au 07 août 2025

Marina Viotti - Amor, Furor jusqu'au 10 août 2025

Der Prozess (MusikTheater an der Wien au Kammeroper Wien) jusqu'au 14 août 2025

Wozzeck (Festival d'Aix-en-Provence 2023) jusqu'au 19 août 2025

Götterdämmerung (Théâtre Royal de la Monnaie) jusqu'au 23 août 2025

                         Septembre 2025

Le Ring sans paroles (Philharmonique de Strasbourg) jusqu'au 06 septembre 2025

Angelin Preljocaj : La visite (Picasso Danse) jusqu'au 19 septembre 2025

The Fairy Queen (Opéra Royal de Versailles) jusqu'au 23 septembre 2025

Zimmer90 (Reeperbahn Festival 2024) jusqu'au 26 septembre 2025

La Reine des neiges (Théâtre des Champs-Elysées) jusqu'au 29 septembre 2025

                         Novembre 2025

On Danse Chez Vous : Mehdi Kerkouche (Chaillot) jusqu'au 07 novembre 2025

Une soirée de ballet à l’Opéra national dʼUkraine jusqu'au 10 novembre 2025

Orphée et Eurydice (Festival Pulsations) jusqu'au 28 novembre 2025

                         Décembre 2025

Camille Saint-Saëns : Oratorio de Noël (Orchestre philharmonique de Strasbourg) jusqu'au 16 décembre 2025

La Fête de la chanson orientale jusqu'au 17 décembre 2025

                           Janvier 2026

Fidelio courte animation jusqu'au 09 janvier 2026

Klaus Mäkelä et Gustavo Dudamel dirigent Boulez, Beethoven et Poulenc (10 ans de la Philharmonie de Paris) jusqu'au 10 janvier 2026

Iphigénie en Aulide - Iphigénie en Tauride (Festival d'Aix-en-Provence 2024) jusqu'au 11 janvier 2026

Leevi Madetoja : Les Ostrobothniens (Opéra national de Finlande, Helsinki) jusqu'au 12 janvier 2026

Didon et Enée (Opéra Royal de Versailles) jusqu'au 28 janvier 2026

                           Février 2026

Alexander Rodin : Kateryna (Création mondiale à l'Opéra d'Odessa) jusqu'au 9 février 2026

Voix des Outre-Mer 2023 (Amphithéâtre Bastille) jusqu'au 22 février 2026

                           Mars 2026

Concert en soutien au peuple ukrainien (Maison de Radio France) jusqu'au 04 mars 2026

                           Mai 2026

Barry Lyndon Tribute jusqu'au 13 mai 2026

Michel Legrand, la musique enchantée (Dessay, Bertault) jusqu'au 13 mai 2026

                           Juillet 2026

Kiev, un opéra en guerre (1/4) - Danser pour résister jusqu'au 12 juillet 2026

                           Septembre 2026

Kiev, un opéra en guerre (2/4) - Exister ou disparaître jusqu'au 12 septembre 2026

JR, Damien Jalet & Thomas Bangalter : Chiroptera (Parvis du Palais Garnier) jusqu'au 30 septembre 2026

                           Octobre 2026

Barbara Hannigan dirige Ligeti et Stravinsky jusqu'au 10 octobre 2026

                         Novembre 2026

Kiev, un opéra en guerre (3/4) - Exilés jusqu'au 14 novembre 2026

Les trois ballets de Stravinsky (Théâtre des Champs-Elysées) jusqu'au 25 novembre 2026

                         Décembre 2026

Concert du nouvel an de l'Orchestre national de France (Radio France) jusqu'au 30 décembre 2026

                          Janvier 2027

Samson (Festival d'Aix-en-Provence 2024) jusqu'au 11 janvier 2027

Madame Butterfly (Festival d'Aix-en-Provence 2024) jusqu'au 13 janvier 2027

                        Février 2027

Kiev, un opéra en guerre (4/4) - Transmettre jusqu'au 08 février 2024

                         Avril 2028

Wartime Elegy - Ballet national d'Ukraine  jusqu'au 01 avril 2028

                         Juin 2028

Dream Requiem - Rufus Wainwright (Radio France) jusqu'au 13 juin 2028

                         Novembre 2028

Mikko Franck dirige Dutilleux, Mahler et Strauss (chant Marie-Nicole Lemieux) jusqu'au 21 novembre 2028