Fomalhaut

Theodora (Haendel)

Concert du 19 octobre 2006 au Théâtre des Champs Elysées

Direction Emmanuelle Haïm

Theodora Geraldine Mc Greevy
Iréne Anne Sophie Von Otter
Dydimus Stephen Wallace
Septimus Paul Agnew
Valens Matthew Rose

Orchestre et Choeurs du Concert d'Astrée

Je suis venu écouté un oratorio de Haendel et immanquablement il devait s’y trouver un passage extraordinaire. Alors merci encore à Stephen Wallace et Geraldine McGreevy pour avoir interprété le duo de la fin du second acte avec une réelle profondeur spirituelle, l’orchestre s’étant montré particulièrement attentif et inspiré sur le coup.

Deux voix absolument faites pour s’allier ensemble.

Anne Sophie Von Otter se révèle un peu rude dans les forte, en revanche elle retrouve dans les piani toute la sensualité de son timbre.

Paul Agnew, chanteur très expressif, réussir à émouvoir au premier acte alors que Matthew Rose, deux à trois plus sonore que ses partenaires, jure également d’un point de vue stylistique.

Chœurs en phase et riches en couleurs.

Belle ovation pour l’ensemble au final.

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La Création (Haydn) à Pleyel

Publié le 11 Juillet 2007

La Création (Haydn)

Concert du 22 septembre 2006 (Salle Pleyel)

Version anglaise

Sandrine Piau Soprano

Mark Padmore Ténor

Neal Davies Basse

Gabieli Consort & Players

Direction Paul McCreesh

Inspiré des oratorios qu’il avait entendu en Angleterre, Haydn compose le sien en 1798.

Le vieux BurgTheater de la place Saint Michel de Vienne (voir L'Opéra à Vienne) accueille la première exécution publique le 19 mars 1799.

La publication de la partition en 1800 comprend les textes en anglais et en allemand.

Les sensations, lors du prélude bien mystérieux, sont aussi émouvantes que surprenantes lorsque l’on découvre la nouvelle acoustique de la salle Pleyel.

La distribution spatiale du son crée un effet d’immersion même aux derniers rangs du second balcon.

L’atmosphère méditative, le foisonnement des motifs n’empêchent pas totalement de s’interroger sur les intentions de la direction de Paul Mc Creesh. Le style léger mais avec peu de profondeur fait de cette création dans l’ensemble un moment bien paisible (à moins qu’un état de fatigue personnelle brouille la perception).

Les trompettes sont excellentes, les cors plus approximatifs.

Les solistes réservent tous de bonnes surprises surtout dans la troisième partie : Neal Davies est une voix de basse non dénuée de clarté, Mark Padmore réussit les passages les plus lyriques et Sandrine Piau, en petite voix ce soir, trouve couleurs et souplesse.

La création d’Adam et Eve est un moment extraordinaire de lumière dont les murmures des chœurs soulignent les contrastes .

Une soirée qui donne envie de découvrir les interprétations au disque.

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Missa Solemnis (Beethoven)

Concert du 19 septembre 2006 au Théâtre des Champs-Élysées

Camilla Nylund Soprano

Birgit Remmert Mezzo-Soprano

Charles Workman Ténor

Franz Josef Selig Basse

Orchestre de la Suisse Romande

Chœur de la Radio de Berlin

Direction Marek Janowski

Durant 1h30 le Théâtre des Champs-Élysées a enveloppé son public pour l’entraîner dans des élans épiques ou le plonger dans des moments de gravité intenses.

La manière dont le capitaine Janowski maîtrise l’orchestre de la Suisse Romande est admirable, d’autant plus que les tempi choisis atteignent une rapidité que les musiciens soutiennent sans la moindre désynchronisation. Les chœurs limpides et aériens se mêlent à l’ensemble avec un souffle qui inspire au cœur comme une délivrance.

Mais l’effet recherché par les solistes est ambigu : s’ils ont tous une réelle personnalité vocale, l’impression globale est sans éclat, trop humaine, Birgit Remmert ayant sans doute prodigué la plus belle musicalité lors de l’Agnus Dei, le passage le plus saisissant.

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Die Walküre (Richard Wagner)

Représentation du 02 février 2006 (Fenice de Venise)

Siegmund Christopher Ventris

Sieglinde Petra Lang

Hunding Kristinn Sigmundsson

Brünnhilde Janice Baird

Wotan Greer Grimsley

Fricka Doris Soffel

Direction musicale Jeffrey Tate

Mise en scène Robert Carsen

Deux mots me paraissent suffire à caractériser le style de direction de Jeffrey Tate : fascinant et frustrant. Il signe là une lecture très raffinée (à l’ouverture, l’effet des bois qui s’entrelacent est magnifique) sans jamais céder au déchaînement même lors de la chevauchée des Walkyries (qui regrette à ce moment précis l’emballement un peu hors de contrôle d’Eschenbach au Châtelet? Moi oui).

C’est à se demander si cette limpidité ne s’harmoniserait pas mieux avec la mise en scène de Bob Wilson.

Le premier acte démarre bien tranquillement : Sigmundsson nous propose un Hunding pas vraiment imposant.

Si Christopher Ventris fait montre d’accents vaillants et d’un timbre clair quelque chose manque : du lyrisme. L’accueil est enthousiaste. Le problème semble donc venir de mon oreille.

Heureusement Petra Lang est d’une musicalité sublime avec une ligne de chant très liée et graduée dans les effets. Son timbre est la seule source de chaleur de cette partie. Elle s’épanouie complètement au 3ième acte.

Finalement nos trois premiers protagonistes sont d’un format vocal véritablement humain, car avec le deuxième acte on a plutôt l’impression d’atterrir dans la cage aux fauves.

La scène, à croire fortement inspirée des « Damnés » de Visconti, commence avec la Brünnhilde de Janice Baird qui balance nonchalamment ses hoïotoho ! Scéniquement elle affiche la même désinvolture qu’Helmut Berger dans le film. Sa voix est puissante, les couleurs fortement métalliques ce qui retire un peu d’humanité à son personnage notamment au 3 ième acte.

De l’humanité et de l’autorité Greer Grimsley en a en réserve. C’est un Wotan d’une force douce dont la voix bien dirigée est très enveloppante. Peu de graves caverneux, il est presque trop charmeur. Très émouvant au 3ième acte.

Face à lui Doris Soffel anime une Fricka d’un indescriptible tempérament autoritaire et agressif. Excellente actrice, sans doute rodée aux emplois de femmes machiavéliques, sa voix d’une grande richesse de couleurs et d’irrégularités traduit une sauvagerie stupéfiante.

N’ayant pas vu l’intégralité du Ring de Carsen, mieux vaut faire preuve de réserve, mais l’intérêt de ce qu’il a fait dans ce 2ième volet me semble assez limité. Sieglinde cherchant Siegmund parmi les corps des guerriers morts au combat est une des rares images marquantes du 3ième acte.

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Eclipse partielle vers 1h15 du matin (heure locale)

Si une éclipse de lune ne recèle que peu d’importance scientifique, un photomontage ne relate que bien peu de cette merveille naturelle. L’œil nu remarque l’assombrissement vague du bord de l’astre sélène quand une courbe nette avance sur le disque croqué par l’ombre de la Terre.

Mais la clarté du satellite noie encore les subtiles rougeurs de la face sombre si bien qu’il nous faut attendre la disparition de toute trace de réflexion lumineuse directe pour que seule demeure la lueur des rayons solaires tamisés par notre atmosphère.

Dés cet instant il est possible de se représenter le spectacle vu d’abord depuis la frange brillante – le globe terrestre treize fois plus étendu que « Diane Séléné » et hérissé d’une auréole éclatante surplombe l’horizon – puis depuis la bande la plus sombre – la même sphère palpitant de faibles éclats vermillions dans un ciel constellé.

Dimanche 9 novembre 2003, la lune est entrée dans l'ombre de de la Terre à 00h30 pour intégralement s’éclipser entre 2h05 et 2h30. Elle n'a retrouvé son éclat total qu'à 4h05.
La trajectoire de la Lune est passée en bordure de l'ombre, ce qui explique la faible durée du phénomène (25 minutes).

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Il Trittico (Puccini)

Représentation du 07 mai 2006 (Capitole de Toulouse)

Direction Musicale Marco Armiliato

Mise en scène Stéphane Roche

Il Trittico fût crée à New York en décembre 1918 (Guerre oblige) puis monté pour la première fois à Paris en 1967 (Opéra Comique).

Cette saison, le Capitole reprend la production de 1997.

Il Tabarro

Michele Juan Pons Luigi Nicola Rossi Giordano

Giorgetta Doina Dimitriu Talpa Michele Bianchini

Une péniche toute en bois stationne sur la Seine devant les vannes d’une écluse.

Fidèle au souvenir de son Rigoletto à Bastille (mai 2000), Juan Pons se distingue par la crédibilité de ses personnages. Alors ce rôle d’homme qui bascule du pathétique vers la cruauté ne lui pose aucune difficulté.

Nicola Rossi Giordano campe un Luigi assuré, et un peu rude vocalement, auquel répond une Doina Dimitriu vive mais sans douceur. D’ailleurs la force et la dureté de ses aigus déchirent un peu trop le tissu orchestral.

Car Marco Armiliato nous propose une richesse de motifs raffinés, une tension grandissante portée par des sonorités cuivrées sans la moindre brutalité : un vrai plaisir.

Suor Angelica

Suor Angelica Tamar Iveri Suor Genovieffa Eunyee You

La zia principessa Marjana Lipovsek La suora infermiera Cécile Galois

La maestra delle Novizie Nona Javakhidze

Une chapelle intégralement blanche percée en son centre d’une croix d’argent et surplombée d’un vitrail (très connu) dont les couleurs éclairent l’enfant qu’il représente.

En 1989 Marjana Lipovsek édite un disque d’air d’opéra chez Orphéo (Gluck/Haëndel/Mozart/Verdi/Bizet/Massenet/Saint-Saens) à signaler aux amateurs d’altos dramatiques. C’est donc enfin l’occasion de l’entendre sur scène.

Sans doute la voix doit être bien usée : pas du tout. La chanteuse impose une princesse inquiétante et d’une superbe noirceur.

Il faut attendre l’air « Senza Mamma » pour entendre Tamar Iveri faire évoluer Suor Angelica d’un rôle plutôt effacé vers celui d’une femme qui libère ses tensions à travers une expression théâtrale inattendue (surtout lorsque l’on n’a jamais entendu l’œuvre intégralement).

Je n’ai capté que quelques éclats de voix de Cécile Galois mais c’était bien beau.

Gianni Schicchi

Gianni Schicchi Juan Pons Zita Cinzia De Mola

Lauretta Anne-Catherine Gillet Rinuccio Ismael Jordi

Nella Eunyee You

Sur fond noir, un lit se détache, flanqué de part et d’autre de deux escaliers.

Il faut reconnaître la présence écrasante de Juan Pons, étrange inspiration d’un Jean Philippe Laffont et d’un RuggeroRaimondi (mais avec sa voix d’aujourd’hui !).

La pièce est drôle, et tout le monde en fait des tonnes.

Eunyee You (remarquée récemment en Oscar lors de la télédiffusion du Bal Masqué de Lieptzig) dispense une gaîté extrêmement communicative.

Et elle met énormément du cœur tout comme sa Suor Genovieffa dans la nouvelle précédente.

Anne-Catherine Gillet interprète une Lauretta sensible et espiègle.

De bout en bout, Marco Armiliato et l’orchestre du Capitole auront maintenu une atmosphère très chaleureuse.

Tout le public est heureux, même une certaine personnalité de l’administration de l’Opéra National de Paris présente à l’orchestre. Il fallait au moins cela pour récupérer de la toute dernière production iconoclaste de Monsieur Mortier.

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Les Noces de Figaro (Mozart)

Répétition générale du 09 mars 2006 (Garnier)

Mise en scène Christoph Marthaler

Direction musicale Sylvain Cambreling

Figaro Lorenzo Regazzo

Suzanne Heidi Grant Murphy

La comtesse Dwayne Croft

Chérubin Christine Schäfer

Bartolo Roland Bracht

Marcelline Helene Schneiderman

Une générale à Garnier se savoure dés l’ouverture des portes. Il y règne une décontraction inhabituelle, l’on retrouve les visages connus, certains sourires sont charmants.

Puis la lumière faiblit et un petit homme arrive sur scène : j’apprend qu’il s’appelle Gerard Mortier et qu’il est le directeur de la maison. Avec nostalgie son hommage à Strehler, qui fit l’ouverture de la première saison Liebermann, nous prépare à un tournant historique dans la mise en scène des Noces de Figaro. Mais cette fois il paraît que l’on va rire.

Alors effectivement, l’entrée d’une grande maison où toute l’action va se dérouler constitue l’univers unique. Un grenier surplombe l’ensemble.

Loin de chercher à éclairer l’œuvre, la pièce est prétexte à un déploiement de gags, de scènes cocasses pour le plaisir du non-sens. Mais je laisse à chacun d’aller apprécier directement au théâtre surtout que la première n’a pas encore eu lieu.

Sur scène, bien que ce ne soit qu’une répétition, il nous est donné une occasion d’entendre une interprétation de bonne qualité à quelques réserves prés :

Lorenzo Regazzo est un Figaro vocalement soigné mais qui doit faire face à un Peter Mattei qui survole tout avec ses accents mordants et sa prestance naturelle.

L’on découvre une Christiane Oelze au premier abord un peu gauche. Elle est cependant très vite entraînée dans la farce et présente une comtesse douce, musicale mais un peu pâle.

La très vivante Heidi Grant Murphy laisse perplexe : il y a bien peu d’élégance dans son chant aux graves peu marqués et pourtant son dernier air nous laisse en suspend.

Mais quelle stupéfaction en découvrant Chérubin : Christine Schäfer est totalement méconnaissable en adolescent et seule sa très belle interprétation permet de lever le doute sur le fait que ce n’est pas un gamin de 15 ans qui joue sur scène.

J’ai été très touché par l’humanité que Roland Bracht apporte au personnage de Bartolo (et il a du coffre). D’autant plus que le chanteur doit composer avec les tics voulus par Marthaler et il m’est difficile de ne pas être sensible à la difficulté supplémentaire qu’ils engendrent.

Enfin Helene Schneiderman fait rayonner une Marcelline espiègle, joueuse et vocalement enivrante à en éclipser Suzanne.

Dans la fosse, pas de surprise, l’orchestre fait ce qu’il peut avec un chef qui n’est jamais aussi bon que lorsqu’il participe lui-même aux gags.

Le contraste entre le délire sur scène et l’image nostalgique et triste du grenier est troublant.

Inutile de dire que les puristes crieront à l’outrage (notamment par la manière dont les passages au clavecin ont été remaniés).

Il s’agit seulement ici de célébrer l’exubérance et la fantaisie de la vie et de l’accepter dès le départ.

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Semiramide (Rossini)

Représentation du 22 avril 2006 (Théâtre des Champs Elysées)

Semiramide Alexandrina Pendatchanska

Arsace Barbara Di Castri

Assur Michele Pertusi

Oroe Federico Sacchi

Idreno Kunde

Mise en scène Gilbert Deflo

Direction musicale Evelino Pidò

Je ne savais pas que Semiramide utilisait ses aigus comme arme de dissuasion ! Je dois dire être impressionné par la représentation de ce personnage ; Alexandrina Pendatchanska manie avec brillant un tempérament enflammé, puissant, et tout à la fois émaille son chant d’une virtuosité colorée (elle atteint même des graves d’une très furtive noirceur).

Ce n’est pas du pur bel canto, et peu d’ornements délicats viennent effleurer nos oreilles ; mais l’on a compris que le dramatisme de l’action est ici privilégié.

Dans sa dernière scène (al mio pregar t’arrebdi), la chanteuse est d’une sensibilité touchante. On ne sait plus très bien si c’est une Lady Macbeth ou une Desdemone, et cela traduit bien toute l’ambiguïté du caractère.

Barbara Di Castri arrive sans trop de mal à maintenir l’équilibre avec sa partenaire. Arsace a de l’aplomb et un registre grave solide.

Cependant sa maîtrise du souffle est étrange (des experts pourront peut être l’analyser) et certains effets deviennent subitement inaudibles malgré les fortes respirations.

Michele Pertusi réalise une prestation honorable. Il ne s’impose véritablement qu’au deuxième acte lors de la confrontation initiale avec Pendatchanska d’abord et surtout lors du monologue d’Assur (scène IV). L’homme est atteint et son chant porte une détresse plus émouvante par ses qualités musicales que par son expressivité.

Gregory Kunde est aussi une des attractions de la soirée. Il fait montre d’une très belle musicalité tant qu’il reste dans le médium et les passages largo. Mais dés qu’il s’agit de s’élever dans les aigus, la voix se rétrécie et s’atténue d’autant plus qu’il faut se montrer agile.

Ainsi on a droit a un superbe " La speranza più soave " suivi par un " Que’ numi furenti " emporté à la débrouille !

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Don Giovanni (Mozart)

Représentation du 27 janvier 2006 (Opéra Garnier)

Direction musicale Sylvain Cambreling
Mise en scène Michael Haneke
Décors Christoph Kanter
Costumes Annette Beaufays
Éclairages André Diot

Don Giovanni Peter Mattei
Il Commendatore Robert Lloyd
Donna Anna Christine Schäfer
Don Ottavio Shawn Mathey
Donna Elvira Mireille Delunsch
Leporello Luca Pisaroni
Masetto David Bizic
Zerlina Aleksandra Zamojska

Ce soir c'est style efficace.
Le meilleur : Peter Mattei. Un chant enrobé ....Zerline ne craque toujours pas ... c'est pas grave ...les abdos retravaillent et un nouveau son encore plus malaxé est prêt à la faire fondre. Un délice vocal!!!
Luca Pisaroni est un Leporello jamais vulgaire, au sang à peine plus chaud que Don Giovanni....... ce soir j'ai entendu du beau chant.

Chez les dames, Christine Schäfer est celle qui s'en sort le mieux.
Femme fragile et déboussolée elle trouve ses limites dans le deuxième acte où elle ne peut que fonctionner par à-coups dans les parties vocalisantes.
Mireille Delunsch est bonne actrice mais la tessiture me gêne. Style trop criard. En plus ce n'est pas toujours juste.

Si la mise en scène est enthousiasmante au premier acte (le cauchemar d'un cadre supérieur déconnecté des autres pour lequel tout va mal se finir), le décrochage est spectaculaire au II acte. Personnellement je n'y crois plus, l'Elvire aimante qui pense pouvoir retourner la situation me manque, l'humour me manque également et le final frise le ridicule.

Voici quelques éléments que j’ai capté lors du plein feux sur DonGiovanni et qui permettent de mieux appréhender la vision de Haneke.

M.Haneke part du principe que le livret de Da Ponte n’est pas crédible car on ne peut tuer une personne et continuer la partie de rigolade comme ci de rien n’était.
Il n’y croit donc pas et préfère partir de quelque chose qu’il connaît.

Se pose alors la question de qui représente les puissants aujourd’hui : les politiques ? Mais ceux-ci sont souvent aux services d’affairistes. Le metteur en scène choisit donc le milieu de l’entreprise et de l’argent.

Comment faire ensuite pour justifier l’intervention du commandeur dans une société qui ne croit plus en dieu et dont la spiritualité se délite. Qu’est ce qui peut faire peur aujourd’hui ?

Enfin il explique que son œuvre ne répond pas aux attentes d’une société (laquelle ?) mais ne représente que lui-même. C’est à prendre ou à laisser.

Il est vrai que cette vision des employés se saisissant de Don Giovanni pour s’en débarrasser définitivement peut toucher fortement un public qui a intériorisé du ressentiment vis-à-vis de comportements oppressants dans le milieu de l'entreprise.

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Adriana Mater (Kaija Saariaho)

Représentation du 15 avril 2006 (Opéra Bastille)

Adriana Patricia Bardon

Refka Solveig Kringelborn

Tsargo Stephen Milling

Yonas Gordon Gietz

Direction musicale Esa-Pekka Salonen

Mise en scène Peter Sellars

Le décor évoque certains villages (d’Afrique du Nord ?) ornés de coupoles, symboles spirituels. Il n’en reste plus qu’une au second acte (celle d’Adriana) épargnée malgré les ravages de la guerre.

La pâle lueur rouge d’espoir vacille : la luminosité de la scène semble alors exprimer les couleurs des sentiments en jeu, les ruines prenant une teinte particulièrement glacée au moment où le cœur de Jonas se durcit le plus face à son père.

Au premier balcon, Kaija Saariaho contrôle elle-même la sonorisation des voix qu’elle accentue fortement au cours du duo Refka/Adriana qui suit le viol. La scène est étrangement surnaturelle.

La musique entretien une tension perpétuelle, parfois harcelante dans ses effets vifs, les coups d’éclats pouvant être forts et violents.

Il y a même quelque chose d’épique car les sonorités me font penser un moment à la scène de couronnement de Boris Goudonov ou bien à Guerre et Paix.

Le texte de Amin Maalouf est très intéressant (j’aime beaucoup Adriana éclairant Refka sur la peur qui se cache derrière le mépris que cette dernière lui recommande).

Il pose les questions de fond, exprime les sentiments les plus instinctifs (Refka est en permanence la voix qui peut entraîner l’esprit d’Adriana vers la régression).

L’influence des spiritualités orientales est visible, il y a une tentative de prise de conscience de ce qui se passe en chacun des protagonistes afin que leur action permette malgré tout de réussir leur vie.

Pour Adriana, il s’agit de mettre à l’épreuve son fils en le laissant aller se confronter à son père après lui avoir donné pendant sa jeunesse la meilleure éducation possible.

Patricia Bardon et surtout Solveig Kringelborn réussissent des expressions vocales parfois tranchantes et assez inhabituelles à l’opéra.

Je ne me souviens pas avoir décroché du spectacle un seul instant.

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