Fomalhaut

Hamlet (Ambroise Thomas – 09 mars 1868, Salle Le Peletier)

Répétition générale du 15 septembre et
représentations du 18 et 30 septembre 2026
Opéra Bastille

Hamlet John Osborn
Claudius Jean Teitgen
Laërte Julien Henric
Le Spectre Laurent Naouri
Horatio Vartan Gabrielian
Marcellus Manase Latu
Gertrude Clémentine Margaine
Ophélie Adela Zaharia
Polonius André Heyboer
Premier Fossoyeur Morgan-Andrew King
Second Fossoyeur Bergsvein Toverud
Les comédiens itinérants Danielle Gabou, Sean Patrick Mombruno, Djeff Tilus
Le danseur Nicolas Mariot

Direction musicale Michael Schønwandt
Mise en scène Krzysztof Warlikowski (2023)
Décors et costumes Małgorzata Szczęśniak
Lumières Felice Ross
Vidéo Denis Guéguin
Chorégraphie Claude Bardouil

De retour sur la scène de l'Opéra national de Paris depuis le 11 mars 2023, dans sa version baryton et après 85 ans d'absence, le chef-d’œuvre d'Ambroise Thomas est repris à l'Opéra Bastille dans sa version d'origine écrite pour ténor (1863) qui n'a connu une renaissance mondiale que le 15 juillet 2022 à l'occasion du Festival Radio-France Montpellier, sous la direction de Michael Schønwandt.

C'est donc une magnifique opportunité pour le chef danois que de diriger à nouveau ce 'Hamlet' pour ténor en version scénique, en outre dans la production de Krzysztof Warlikowski, qui est un metteur en scène auquel l'institution lyrique nationale a déjà confié deux autres lectures de chefs-d’œuvre lyriques historiquement créés en ses murs, 'Iphigénie en Tauride' de Christoph Willibald Gluck, en juin 2006, et 'Don Carlos' de Giuseppe Verdi, en octobre 2017.

Ce spectacle n'a rien perdu de son pouvoir de fascination, non seulement parce qu'il se déroule au centre d'un décor puissant, les grilles d'acier monumentales d'un centre d'internement où Hamlet ressasse son passé, mais aussi parce qu'il est traversé par une poétique inspirée du téléfilm d'Ingmar Bergman 'Larmar och gör sig till' ('En présence d'un clown') qui représente le spectre du père d'Hamlet sous les traits d'un clown blanc, ce qui a pour effet de renvoyer à des images d'enfance angoissantes, auxquelles est associée une impressionnante vidéographie réalisée par Denis Guéguin qui met en regard les jeux de clair-obscur de la Lune, entourée d'un amas d'étoiles, avec les ombres du visage de ce clown, une manière de suggérer une âme malade et l'imminence de la mort. C'est aussi une saisissante façon de traduire la défiance d'Hamlet vis à vis du Soleil, du jour et de la lumière, telle qu'il exprime dès la première scène.

Plus discrètes, des images noir et blanc du film de Robert Bresson, 'Les Dames du Bois de Boulogne', une histoire d'amour, d'infidélité et de vengeance, s'immiscent dans la scénographie avec le personnage tout en noir et vengeur incarné par Maria Casarès qui suggère, en filigrane, le mal qui ronge Hamlet. 

D'ailleurs, ce que voit le spectateur sur scène est la représentation du monde tel qu'Hamlet le vit en son for intérieur, à l'image de la séquence festive en ouverture où tous les courtisans sont en deuil alors que se rejoue de façon imaginaire la scène de couronnement de Claudius et de la Reine désormais vieillissante.

Étrange peut paraître le fait de contempler le Roi, Ophélie et son frère jouer aux cartes ensemble dans la scène introductive, mais la réaction perturbée, voir horrifiée, d'Hamlet à les voir tous les trois - il s'agit toujours d'une fantasmagorie mentale - questionne le spectateur sur ce qui a pu se passer pour qu'il éprouve un tel choc, ce qui va effectivement être raconté dans les séquences qui suivront.

Le décalage temporel induit par la mise en scène, qui projette 20 ans après les faits les premier et dernier actes, structure ainsi la narration, à la base linéaire, comme dans 'Les Contes d'Hoffmann' d'Offenbach, si bien que le centre de la représentation se joue dans cet asile où les pensionnaires répètent un grand spectacle, à l'instar d'Hamlet qui prépare une reconstitution du 'Meurtre de Gonzague', avec une vitalité scénique souvent fort drôle, alors que le contexte triste d'enfermement et de dégénérescence mentale est aussi montré dans l'espace qui longe la paroi latérale du décor.

Danielle Gabou, Sean Patrick Mombruno et Djeff Tilus, trois fidèles comédiens noirs qu'apprécie Krzysztof Warlikowski, et que l'on avait pu voir dans la production de 'Der Rosenkavalier' au Théâtre des Champs-Élysées, utilisent la plastique de leurs corps, silhouette à la Niki de Saint Phalle pour l'une, longiligne comme le dépeindrait El Greco pour le second, et leur forte expressivité du visage pour induire au premier abord un loufoque irrésistible, avant de quitter cette apparence légère pour arborer une attitude calculatrice et meurtrière bien plus inquiétante quand s'achève la pantomime fictive destinée à confondre le nouveau Roi.

Mais il y a aussi le talent envoutant de Felice Ross à organiser et fusionner les lumières qu'elle nuance poétiquement et harmonise continuellement, pour assombrir où pour colorer subtilement les échanges et confrontations entre protagonistes, au point de donner une impression d'irréalisme et de vie à travers le décor, comme on peut le ressentir au 3e acte où Hamlet rejette Ophélie injustement quand il découvre la relation entre son père et le Roi, mais aussi quand il reproche à sa mère d'être complice du meurtre, tout en lui restant attaché lorsqu'il lui suggère de dormir en paix.

Et cette mise en scène atteint son summum de poésie et de flamboyance au IVe acte qui rétablit les deux premiers mouvements du ballet composé pour la création parisienne d''Hamlet' en 1868, où choristes de l'Opéra de Paris, comédiens et danseurs interprètent le spectacle qui était en préparation avec une verve réjouissante mais aussi une tonalité macabre par l'emploi de masques blancs. Il y a également dans cette scène l'idée que même dans sa folie et à l'approche de la mort, l'homme peut s'inventer son propre espace de liberté. Véritablement un immense travail de coordination maîtrisé et aéré mené par Krzyzstof Warlikowski et Claude Bardouil pour créer des poses sculpturales et esthétiques impressives.

Un élégant danseur, Nicolas Mariot, vêtu de noir et coiffé de la même chevelure blonde qu'Ophélie l'accompagne avec une grâce inoubliable, alors que Sean Patrick Mombruno s'approche d'elle sous les traits d'ombres et de lumières projetés par les grilles du décor, le tout subjugué par le chant mélodieux de la jeune femme perdant la raison sous le regard de son père, du Roi et de la Reine consternés, mais en vrais coupables qu'ils sont.

Enfin, le retour à la situation de départ révèle un Hamlet ayant pris les traits de son père mais avec un prestigieux costume de Pierrot noir, car dans son ressassement, et sous l'impulsion du spectre de son père, il a trouvé la volonté d'être et d'assumer son désir de vengeance en tuant son beau père, même de façon symbolique, après que le frère d'Ophélie lui ait appris la fin tragique de celle qu'il aimait, que l'on voit disperser des cendres au premier plan, un bonheur perdu et l'âme consumée d'Hamlet.

Si, en ce soir de première, ce spectacle est aussi magnifiquement abouti, c'est non seulement du à l'implication de toute l'équipe de production venue pendant quatre semaines répéter avec la nouvelle distribution, mais aussi parce que celle-ci s'engage théâtralement avec un vrai désir de servir la cohérence du drame.

Seul artiste lyrique depuis Etienne Dereims (1890) à chanter la version originale pour ténor d''Hamlet'  en version scénique, d'abord à Turin en 2025, dans une production de Jacopo Spirei, puis dorénavant à l'Opéra Bastille dans la mise en scène de Krzysztof Warlikowski, John Osborn est un exceptionnel soliste américain qui se fait fort de défendre le grand opéra français du XIXe siècle sur les grandes scènes du monde, sans véritable concurrence aujourd'hui. 

A l'Opéra national de Paris, nous l'avons seulement entendu en 2018 dans un premier rôle du répertoire français à l'occasion du retour sur scène de 'Benvenuto Cellini' d'Hector Berlioz, et il offre à nouveau au public un chant superbement naturel et une maîtrise de l'élocution qui le rendent facilement compréhensible, tout en faisant résonner Hamlet avec le personnage d'Hoffmann, tant la mélancolie attendrissante, mais aussi héroïque, de son timbre le rapproche de l'amoureux malchanceux auquel Jacques Offenbach a voué son seul véritable opéra.

Il s'imprègne d'ailleurs parfaitement du jeu dépressif et détaché appuyé par la mise en scène, et exhale un souffle long, puissant et vibrant avec des accents enfantins qui changent la perception plus noire et névrosée qu'un baryton tel Ludovic Tézier avait dépeint en 2023 de façon plus inquiétante, et qui lui donnent aussi une certaine jeunesse et une clarté plus romantique.

Il retrouve dans le rôle de sa mère celle qui l'incarnait déjà à Turin l'année dernière, Clémentine Margaine, qui prend possession de ce personnage avec un ancrage phénoménal, un art de la signature vocale d'une noirceur fort autoritaire, une rage théâtrale brute très bien rendue lorsqu'elle surgit dans son appartement après l'affront de la pièce présentée par Hamlet, et, par ailleurs, elle ne craint pas de se montrer plus démonstrative que de raison, son goût pour le vérisme et sa violence prenant aisément le dessus.

D'une plénitude vocale incendiaire, Adela Zaharia compense le peu de contraste dans sa formulation de la langue française par une aisance technique et une polychromie éclatante qui laissent cependant peu de place au sentiment de fragilité. Son Ophélie exubérante fait sensation tant elle prend possession de la salle avec un galbe vocal séduisant.

Son frère, Laërte, est chanté par Julien Henric avec de belles impulsions dans les lignes vocales, et son père, Polonius, est incarné par le baryton français André Heyboer qui fait son retour à l'Opéra de Paris après 10 ans d'absence, caractérisé par une noirceur anthracite adéquate dans ce rôle de conspirateur.

A l'inverse, Laurent Naouri est la noirceur extravertie par excellence, un relief franc fortement présent qui lui permet d’asseoir une personnalité percutante, tout en prenant soin de la clarté de sa diction, et en s'appropriant minutieusement la personnalité clownesque du spectre.  Les vidéographies qu'en tire Denis Guéguin, avec de vives transitions entre allures comiques, starisées ou bien diaboliques, sont absolument magnétiques et ont tendance à parfois divertir de l'action scénique.

Seul chanteur à reprendre son rôle de la création en 2023, Jean Teitgen a lui aussi un impact sonore massif, une noirceur autrement plus caverneuse que celle de Laurent Naouri, avec des nuances de couleurs assez complexes qui décrivent un personnage puissant mais perturbé intérieurement. Il se prête bien au jeu lui aussi, tout en restant sobre et avec une humanité qui adoucit le portrait du Roi criminel.

Respectivement Horatio et Marcellus, Vartan Gabrielian et Manase Latu défendent un beau délié vocal, ce dernier, ténor polynésien, ayant en plus un timbre soyeux qui le prédestine à des rôles belcantistes de tout premier ordre.

Enfin, Morgan-Andrew King et Bergsvein Toverud se montrent imparablement directs et froids au cours de leur réflexion sur la faiblesse des vanités face à la mort que les deux fossoyeurs racontent devant le corps de Sean Patrick Mombruno, l'assassin dans la pièce du 'Meurtre de Gonzague', sous les pleurs émouvants de Danielle Gabou et Djeff Tilus.

En grand architecte musical qu'il est, Michael Schønwandt insuffle une intensité iridescente à l'écriture orchestrale, et rend à la musique d'Ambroise Thomas une splendide fluidité narrative, ostentatoire quand il le faut, et d'une délicatesse diaphane qui fait honneur à l'inspiration du musicien français.

Par ailleurs, les grands ensembles de chœurs jouissent d'une excellente synchronisation surtout quand ils doivent jouer et danser afin de donner de la vie à cet environnement carcéral, avec un grand sens de la clameur populaire propice à galvaniser l'audience, et aussi une capacité à recréer une atmosphère intimiste avec une douceur unifiée.

Une reprise de 'Don Carlos' sous la direction de Michael Schønwandt, et dans la mise en scène de Krzysztof Warlikowski, s'impose donc absolument à l'avenir. Espérons-le!

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Le Crépuscule des Dieux (Richard Wagner - Bayreuther Festspielhaus, Bayreuth, le 17 août 1876)
Version de concert du 13 septembre 2026
Théâtre des Champs-Élysées

Siegfried Young Woo Kim           Woglinde Ania Vegry
Brünnhilde Asa Jäger                    Welgunde Ida Aldrian
Hagen Patrick Zielke                    Flosshilde Eva Vogel 
Gunther Johannes Kammler          Première Norne Jasmin Etminan
Gutrune Sophia Brommer             Deuxième Norne Marie-Luise Dreßen
Alberich Daniel Schmutzhard       Troisième Norne Valentina Farcas
Waltraute Annika Schlicht

Direction musicale Kent Nagano
Dresdner Festspielorchester
Concerto Köln Dresdner Festspielchor der Richard-Wagner-Akademie
Chor der KlangVerwaltung

Depuis juin 2023, Kent Nagano présente une nouvelle version du 'Ring' de Richard Wagner élaborée à partir des travaux musicologiques menés par Kai Hinrich Müller à l’École supérieure de musique et de danse de Cologne, en collaboration avec la Richard Wagner Academy créée à Dresde en septembre 2023.

Tubas, Hautbois, cuivres sont reconstitués pour retrouver les textures d'époque, les cordes en métal sont remplacées par du boyau naturel, et le diapason est abaissé de 444 Hz, celui habituellement utilisé par les orchestres allemands, à 435 Hz, ce qui induit notamment moins de tension dans les cordes.

Enfin, le travail sur la voix est revisité afin de privilégier le texte et le sens théâtral au pur beau chant.

Rien qu'avec ces quelques éléments, le wagnérien passionné qui s'est rendu au Festival de Bayreuth, cet été, pour entendre un redoutable 'Ring' dénué de tout drame, peut espérer entendre une interprétation bien différente que le Théâtre des Champs-Élysées a l'honneur d'accueillir à l'occasion de cette nouvelle version du 'Crépuscule des Dieux' jouée deux jours plus tôt au Festival de Lucerne.

Et quel bonheur à s'immerger au rythme allant insufflé par Kent Nagano qui entretient un sens du courant puissant et tumultueux, avec parfois une authenticité de sonorité inhabituelle, quand on se remémore le sens de la fusion et de la fluidité lisse qui caractérise généralement les orchestres allemands.

Le timbre et la couleur des violons, violoncelles et contrebasses du paraissent plus sombres qu'à l'accoutumée, mais parcellés d'éclats vibrants tant l'énergie qui les innerve induit une vitalité organique qui éveille et stimule l'auditeur.

Le Dresdner Festspielorchester se fait instrument du drame à part entière avec une théâtralité bien affirmée sans jamais donner l'impression de la moindre lourdeur.

Il est d'ailleurs assez étonnant de constater que les lignes des cuivres sont fortement intégrées à la texture orchestrale, et que parfois les cors semblent fortement diffus, comme on peut l'entendre au final du second acte, quand Hagen évoque la mort de Siegfried.

Et Kent Nagano module ce son avec un sens phénoménal de la plasticité du mouvement, et une attention aux nuances et à l'équilibre avec les chanteurs qui témoigne d'une volonté de soigner la forme tout en laissant s'épanouir la richesse du parfum des notes.

Mais l'autre dimension inattendue de cette soirée grandiose est la qualité des solistes qui sont peu connus en France de par leur jeunesse et le fait que plusieurs d'entre eux sont intégrés à des troupes de théâtres allemands, Young Woo Kim à Cologne, Ida Aldrian à Hambourg ou bien Johannes Kammler à Stuttgart, et d'autres n'en sont qu'aux premières années de leur carrière, tels Asa Jäger ou bien Patrick Zielke.

En Siegfried, le ténor coréen Young Woo Kim semble au premier abord fort rigide et conventionnel, mais le masque tombe très vite lorsqu'il déploie une expressivité quasi diabolique, un chant d'une solidité à toute épreuve avec un timbre musclé, mais qui a de la souplesse, une diction claire, et une agréable patine ambrée, si bien qu'il n'a de cesse d'impressionner, surtout qu'il joue avec conviction en dépeignant un personnage de plus en plus antipathique mais sans qu'il s'agisse de comédie, le signe d'un artiste qui a un vrai sens théâtral dans la peau.

Elle incarnait la Walkyrie l'année dernière à la Philharmonie, la soprano suédoise Asa Jäger offre à Brünnhilde une voix d'un beau métal qui ne s'altère jamais même dans les moments impulsifs où elle fait preuve d'une autorité redoutable. Puissance et sensibilité féminine se fondent en un beau portrait d'une noblesse saisissante, avec un art du chant bien galbé au flux naturel qui annonce des horizons wagnériens d'une grande pureté pour les années qui viennent, sa grande scène d'immolation finale étant un modèle d'éloquence.

Et les yeux fermés, nous pourrions croire que le Baron Ochs du 'Rosenkavalier' de Strauss s'est glissé dans le monde wagnérien tant Patrick Zielke donne un coup de jeunesse à Hagen, dont il clarifie les expressions avec un raffinement de l'élocution qui trouble l'image du fils d'Alberich au point de paraître joviale, avant que sa nature odieuse ne ressorte vivement. 

Par ailleurs, Daniel Schmutzhard donne aussi une sobre élégance au père de Hagen, qualités encore plus développées par Johannes Kammler qui n'est pas loin de rapprocher la stature de Gunther de celle d'un Wotan, avec de la densité dans la noirceur et une belle homogénéité de tessiture.

Avec un souffle bien canalisé et une ouverture vocale plus resserrée, Sophia Brommer dessine un portrait piquant et humain de Gutrune, mais quel grand moment que la confrontation entre Brünnhilde et sa sœur Waltraute qu'Annika Schlicht pousse dans une posture dramatique fantastique, avec des graves percutants et une grande vélocité expressive, riche en nuances contrastées !

Enfin, l'arrivée mystérieuse en ouverture des trois Nornes, Jasmin Etminan, Marie-Luise Dreßen et Valentina Farcas, crée une tension captivante, alors que les trois Filles du Rhin, qui apparaissent furtivement au début de l'opéra vétues de vert, font entendre un entrelacement de timbres inhabituels, Ania Vegry ayant tendance à délier sa voix en des aigus rêveurs, alors que Eva Vogel en est exactement le contraire en se tenant sur une posture bien ancrée, Ida Aldrian jouant un rôle sensiblement d'équilibre.

La soirée réserve également plein de petites surprises avec des cornistes installés à divers postes des balcons de la salle, ou bien à l'écoute du chœur, exceptionnel de vitalité et de joie théâtrale au second acte, qui réapparaîtra par les portes latérales du parterre, un ensemble de variations qui enchante l'auditeur et qui ne le laisse jamais face à une interprétation monolithique.

Le plus stupéfiant est de constater rétrospectivement comment une œuvre aussi massive et longue a semblé si allante et aérée avec pourtant un robuste corps dramatique, un début de saison qui s'ouvre en beauté au Théâtre des Champs-Élysées.

Le Cercle des Poètes disparus
(Tom Schulman - 1985)
Représentation du 12 septembre 2026
Le Théâtre-Libre (Paris)

Todd Anderson Nicolas Bauwens
Neil Perry Basile Sommermeyer
Knox Overstreet Louis Djabali
Charlie Dalton (Nuanda) Ivan du Pontavice
Steven Meeks Clément Mariage
Richard Cameron Maxence Seva
M. Nolan, le directeur de l'école Welton Yvan Garouel
Le Professeur Keating Xavier Gallais
Le père de Neil Perry Olivier Bouana
Le chanteur du bal de promo Maxime Huriguen

Adaptation française Gérald Sibleyras
Mise en scène Olivier Solivérès (2024)
Décors Jean-Michel Adam
Lumière Denis Koransky

Inspiré de l'expérience que vécut Tom Schulman au sein de la Montgomery Bell Academy de Nashvill, Tennessee, dont il fut diplômé en 1968, 'Le Cercle des poètes disparus' fut un film fétiche pour toute une génération dès sa sortie en 1989, les années 80 étant marquées par un mélange d'évolutions sociales, culturelles et politiques dont le ressort est aujourd'hui évoqué de façon nostalgique, particulièrement l'épanouissement individuel qui était si prégnant à ce moment là.

Sur le scénario de Tom Schulman, une première adaptation théâtrale eut lieu au Classic Stage Company de New York le 27 octobre 2016, tout près de Union Square, mise en scène par John Doyle, le directeur du théâtre, mais elle ne rencontra que peu de succès.

Après 11 ans de préparation pour en obtenir les droits et trouver les acteurs, Olivier Solivérès en présenta une nouvelle version au Théâtre Antoine, le 24 janvier 2024, qui obtint deux Molières, celui de la mise en scène et celui de la révélation masculine pour Ethan Oliel dans le rôle de Neil Perry.

Un tel engouement lui vaut d'être reprise depuis le 11 septembre 2026 au Théâtre-Libre, et c'est une inattendue bouffée de vitalité qui saisit l'audience dès le début, la pièce commençant par un bal de promo improvisé sur les airs rock et slow chantés par Maxime Huriguen, alors que les acteurs incitent les spectateurs, jeunes ou moins jeunes, à venir danser spontanément sur scène sous les scintillement d'une boule à facettes projetant en arrière scène un anneau d'argent. 

Puis, le rideau s'ouvre sur un large tableau noir dominant les pupitres à l'ancienne des élèves qui arborent les mêmes costumes que ceux du film, avec l'écusson rouge du Lion rampant imprimé sur leurs vestes.

Six jeunes acteurs incarnent les six rôles principaux d'élèves, le timide Todd Anderson (Nicolas Bauwens), l'acteur de théâtre en devenir Neil Perry (Basile Sommermeyer), l'amoureux romantique Knox Overstreet (Louis Djabali), l'impertinent - 'Mister Nolan, it's for you, it's god!' - Charlie Dalton (Ivan du Pontavice), le scientifique et concepteur radio Steven Meeks (Clément Mariage), et Richard Cameron (Maxence Seva), le délateur conformiste. Le rôle de Gerard Pitts est en revanche éclipsé.

La mise en scène se concentre sur la relation entre ces six collégiens, leur professeur de philosophie (Xavier Gallais), et les deux représentants de l'ordre conformiste, le directeur du collège (Yvan Garouel) et le père de Neil Perry (Olivier Bouana) à travers cinq lieux principaux, la classe, l'extérieur - avec un arrière plan surélevé -, une salle de l’université avec une esthétique vidéographie d'arbres et de chute de neige -, la grotte du 'Cercle des poètes disparus', illuminée seulement par des torches portatives, et surtout la scène de théâtre finale qui engendrera le drame.

On retrouve le même humour et la même envie de vivre qui traversent tout le film, mais avec une dimension supplémentaire qui ne peut être obtenue que sur scène.

Dans le film, le 'Songe d'une nuit d'été' - pièce dans laquelle Neil Perry joue le rôle de Puck - est une allégorie de l'envie de fuir les contraintes d'un monde rigide, la scène d'ouverture de la pièce de Shakespeare faisant intervenir Hermia et Lysandre, liés par un grand amour, qui se préparent à fuir d'Athènes pour échapper à la loi d’Égée et créer un monde nouveau dans un bois avec de nouveaux amis.

Neil Perry ne peut qu'être séduit par cette pièce qui parle du même désir qui l'anime.

Cependant, au théâtre, cette scène devient une scène de théâtre dans le théâtre, le metteur en scène faisant apparaître les coulisses du théâtre-libre avec des comédiens qui sont eux-mêmes de jeunes acteurs de théâtre, et non de cinéma, qui se projettent aussi dans la pièce, le véritable coup-de-maître de ce spectacle.

Ces six jeunes artistes forment un groupe d'une excellente unité avec une grande aisance et de l'impulsivité tout en transmettant cette envie viscérale de liberté, en ayant chacun leurs particularités propres : Nicolas Bauwens affiche une sensibilité très proche d'Ethan Hawke, l'acteur américain qui incarnait Todd Anderson dans le film, Basile Sommermeyer se révèle d'une agilité fulgurante, Clément Mariage privilégie une gestuelle authentiquement fraternelle et une franche déclamation, Louis Djabali tient une ligne très assurée, plus marquée que celle du personnage de Knox Overstreet dans le film, Ivan du Pontavice compose un personnage de charme et fort équilibré qui donnerait  envie de voir ce que donnerait une inversion de rôle entre lui et son confrère Louis Djabali.

Quant à Maxence Seva, il incarne le personnage peu sympathique de Richard Cameron sobrement mais de façon un peu trop émotive dans le règlement de compte final où il pourrait être encore plus net et froid dans la ligne qu'il défend. On peut remarquer que la pièce ne reproduit pas comme dans le film les allusions à l'iconographie chrétienne où Neil Perry revêt la posture de martyre christique, avec sa couronne d'épines, alors que Richard Cameron, tel Judas, est représenté par un acteur roux.

Passer après Robin Williams et son sourire en coin qui en dit long sur sa compréhension humaine n'a rien d'évident, Xavier Gallais se sort aisément du rôle du Professeur Keating, avec ce mélange de bienveillance et de jeu professoral tout à fait réaliste mené avec une verve éloquente, alors que Yvan Garouel, en directeur horriblement figé, et Olivier Bouana, père insupportablement liberticide, tiennent leurs personnages comme deux murs inflexibles qui suffisent à détruire ce fragile espace de liberté.

Toutefois, dans la pièce, le drame final est beaucoup plus précipité que dans le film, si bien que c'est la dimension enjouée et la leçon d'autonomie individuelle qui l'emportent, sans le moindre temps mort, car tous ces acteurs savent donner de soi et donner plaisir à les admirer, ce qui se traduit pas une standing ovation instinctive de la part de toute la salle pour avoir su autant capter l'empathie et la réflexion de chaque auditeur, et aussi en réponse à leur 'O Capitaine! Mon Capitaine' clamé debout sur leur pupitres - sauf Cameron - à en donner le frisson!

Perle Noire, Méditations pour Joséphine
(Tyshawn Sorey - 2016)
Répétition générale du 07 septembre et
représentation du 09 septembre 2026
Palais Garnier

Bye Bye Blackbird (1926)
C'est ça le vrai bonheur (1953)
Madiana (1933)
Si j'étais blanche (1933)
Doudou (1936)
C'est lui (1934)
Terre sèche (1959)
My Father How Long? (chant documenté en 1867)

Piano et percussions Tyshawn Sorey
Guitare électrique Daniel Lippel
Flûte Alice Teyssier
Violon Jennifer Curtis
Basson Rebekah Heller
Saxophone Travis Laplante
Textes parlés Claudia Rankine
Concept et chant Julia Bullock

Direction Musicale Tyshawn Sorey
Mise en scène Peter Sellars
International Contemporary Ensemble
Production créée au Dutch National Opera, Amsterdam

Créé le 11 juin 2016 au Libbey Bowl, à Ojai, en Californie, sous le titre 'Josephine Baker: A Portrait', et repris une semaine plus tard à Berkeley, ce projet a été fortement remanié, en passant d'une durée d'une heure à une heure cinquante, sous le titre 'Perle Noire: Meditations for Josephine',  et a été notamment repris à Houston, au Metropolitan Museum of Art de New York puis Boston.

Initialement programmé en avril 2020 sous forme d'une nouvelle production qui devait être donnée au Théâtre du Châtelet, sa première européenne sera finalement reportée à l’Opéra d’Amsterdam, trois ans plus tard, puis reprise à Adelaïde, en Australie, avant d'arriver au Palais Garnier pour une longue série de représentations.

‘Perle Noire’ rend hommage à Joséphine Baker qui fut membre de la résistance française au cours de la Seconde Guerre mondiale, et qui apporta un fort soutien aux mouvements des droits des citoyens, elle qui fut victime de discriminations à New-York (on refusera de la servir au Stork Club en 1951).

La conception musicale de cette pièce est confiée à Tyshawn Sorey, musicien et compositeur né dans le New-Jersey en 1980, un artiste qui aime croiser les genres, du jazz au classique contemporain, et conserver une grande liberté lors de ses interprétations. Autant dire qu'il est bien difficile de catégoriser son œuvre.

Le dispositif installé à l'avant scène de la scène Garnier est ainsi composé uniquement d'une petite estrade performative surélevée au dessus de quelques marches qui laisse entrevoir, en arrière-plan, les murs du théâtre, flanquée, côté cour, de la flûtiste Alice Teyssier, de la bassoniste Rebekah Heller et du saxophoniste Travis Laplante, et côté jardin, de la violoniste Jennifer Curtis, du guitariste électrique Daniel  Lippe et de la batterie et du piano de Tyshawn Sorey.

Il ne faut pas s'attendre à entendre sous leur forme d'origine les airs que chantait Joséphine Baker, de 'Bye Bye Blackbird' à 'Terre Sèche', car ils sont musicalement transformés, dépouillés de leur forme légère, pour devenir la matière d'une réflexion profonde sur la condition d'une personne à la peau noire.

Les textes écrits par la dramaturge Claudia Rankine font le lien entre ces airs en prêtant une voix qui déplore le racisme en Amérique mais qui dépeint aussi la logique d'une femme qui veut être libre dans son rapport au corps et aux autres.
Clairement, le spectateur est pris à partie, et les mots ne cherchent pas forcément à le mettre à l'aise.

La musique de Tyshawn Sorey sait créer une ambiance feutrée, mais il ne s'y attarde pas trop longtemps lorsque les traits des vents prennent des aspects vrillés qui ajoutent de la tension, de la même manière que le musicien quitte nonchalamment les touches si douces de son piano pour s'emparer de sa batterie pour induire beaucoup plus de dissonances et de coups de théâtre.

Née comme Joséphine Baker à Saint-Louis, Missouri, Julia Bullock fait ses débuts à l’Opéra de Paris, elle qui est une artiste notamment connue pour avoir participé à plusieurs projets d'envergure avec Peter Sellars tels ‘The Indian Queen’ (Madrid, 2013), ‘Girls of the Golden West’ (San Francisco, 2017) ou bien ‘El Niño’ (New-York – Cathedral St John the Divine, 2022).

Elle est cette fois sonorisée, mais elle surprend par la noirceur des graves qu'elle arrive à développer, tout en s’engageant corporellement avec des mouvements parfois très ondulants, mais aussi avec beaucoup de pauses réflexives qui alimentent le questionnement très humain qu'elle a sur elle même, car cette intériorité résonne avec celle de l'auditeur qui va inévitablement être touché par certains propos écorchés.

Peter Sellars, présent à cette première, a le don de donner confiance à cette artiste courageuse, et si son travail de mise en scène joue sur l'expression des différents états d'âmes de l'artiste, il s'appuie aussi sur un subtil jeu d'éclairages aux variations nuancées, aussi bien près de la fosse d'orchestre que sur le fond de scène.

Sur une très belle scène finale où les musiciens se lèvent autour du corps de Julia Bullock pour jouer sous forme de murmure instrumental, avec une sensibilité extrême, le célèbre 'My Father How Long?', chant d'esclaves né au cours de la guerre de Sécession, les lumières s'éteignent pour laisser place à un accueil très chaleureux pour l’ensemble des artistes, prodigué par un public d'origine internationale où l'on peut aussi relever la présence de plus de personnes de couleurs qu'à l'accoutumée, ce qui place ce spectacle tout à fait dans la ligne plus visiblement inclusive que défend l'Opéra de Paris depuis ces dernières années, et qui n'est que la seconde pièce afro-américaine à être jouée sur la scène Garnier après 'The Temptation of Saint-Anthony' de Bernice Johnson Reagon qui y fit sa première officielle à l'automne 2005.

Kaija Saariaho (Light and gravity), Gustav Mahler (Rückert-Lieder, Symphonie n°4)

Concert du 02 septembre 2026
Philharmonie de Paris
Grande salle Pierre Boulez

Kaija Saariaho
Lumière et pesanteur (22 août 2009, Helsinki)

Gustav Mahler
Rückert-Lieder (29 janvier 1905, Vienne)
Symphonie n°4 (25 novembre 1901, Munich)
Bis Urlicht - extrait de la symphonie n°2
                     (13 décembre 1895, Berlin)

Mezzo-Soprano Joyce DiDonato
Premier violon Benjamin Bowman
Direction musicale Yannick Nézet-Séguin
Orchestre du Metropolitan Opera de New York

Après un premier concert dédié la veille à Richard Strauss, Yannick Nézet-Séguin et le MET Orchestra consacrent une seconde soirée à la Philharmonie pour rendre hommage au compositeur avec lequel le chef d’orchestre québécois entretient une très longue relation, Gustav Mahler.

En effet, l'un de ses tous premiers enregistrements de jeunesse fut, en 2004, la quatrième Symphonie n°4 de Gustav Mahler, réalisée avec l’Orchestre Métropolitain de Montréal qu’il dirige depuis l’an 2000.

Et pour cette saison, il se fait fort d’annoncer qu’il dirigera au Carnegie Hall le cycle complet des symphonies de Mahler avec 3 orchestres, l’Orchestre de Philadelphie (symphonies 1, 3, 5, 7), l’Orchestre Philharmonique de Vienne (symphonies 2, 4, 9), et l’Orchestre du MET (symphonie 6), hormis la Symphonie des Mille (8) qu’il présentera au Metropolitan Opera.

Le choix de Gustav Mahler permet également de créer une atmosphère plus intimiste, impression renforcée en ouverture au son intemporel de 'Lumière et pesanteur' de Kaija Saariaho, une pièce vouée à Esa-Pekka Salonen qui, par son sens du mystère, ses ondes transparentes et le délié du souffle d'une trompette solo, induit une profondeur contemplative qui dit beaucoup de l'esprit de la compositrice et de son rapport au temps, tout en révélant un autre visage de l'orchestre, aérien et frémissant, d'une clarté qui tranche avec la densité texturale entendue le jour précédent.

Nous avions déjà écouté deux extraits des Rückert-Lieder, ‘Ich atmet’ einen linden Duft’ et  'Ich bin der Welt abhanden gekommen’, lors de sa tournée 'Eden' qui était passée par le Théâtre des Champs-Élysées le 05 octobre 2022, Joyce DiDonato rejoint Yannick Nézet-Séguin pour, cette fois, interpréter le cycle complet de ce recueil de poèmes qui invite à se détacher du monde mais aussi de soi. Elle le raconte avec une gravité blessée et une finesse d'une grande maturité, sa voix ayant de la portée sur un large champ, et le chef d'orchestre partageant avec elle la même sensibilité aux nuances du texte, et une visible complicité.

Et il y a toujours chez elle ce plaisir à admirer et saluer d'un grand sourire le public tout autour d'elle avec émerveillement.

La Symphonie n°4 permet ensuite de retrouver la tonicité souple qui caractérise le MET orchestra, d'autant plus que la personnalité du chef a tendance à enjouer l'interprétation, si bien qu'il donne l'impression à plusieurs reprises de créer des connexions entre le fond de valses populaires présent dans la première partie de la symphonie et l'esprit de la Suite du Chevalier à la rose entendu le jour d'avant. Yannick Nézet-Séguin ne cherche pas à noircir plus que de raison, au contraire, il induit toujours une forme de tendresse dans ses lectures.

Assise paisiblement parmi les musiciens, et près de la harpiste, Joyce DiDonato donne une coloration tellement introvertie au lied final 'Das himmlische Leben', habituellement d'une légèreté lumineuse, qu'il est impossible de ne pas penser qu'il s'agisse d'un parti pris interprétatif de façon à laisser une empreinte très intérieure. Et le fait qu'elle achève ce concert sur 'Urlicht', avec une note d’espérance totalement en phase avec ce que chacun peut ressentir face à l'état du monde d'aujourd'hui, clôt en beauté deux soirées bien précieuses en ce début de saison.

Richard Strauss (Suite du Chevalier à la rose, Salomé, Ein Heldenleben)
Concert du 01 septembre 2026
Philharmonie de Paris
Grande salle Pierre Boulez

Richard Strauss
Suite du Chevalier à la rose, Op.59 (05 octobre 1944, New York)
Salomé - Scène finale (09 décembre 1905, Dresden)
Ein Heldenleben, Op. 40 (3 mars 1899, Franfurt am Main)
Bis Zueignung (extrait de Letzte Blätter), Op.10 N°1 (05 mars 1886, Meiningen)

Soprano Elza van den Heever
Premier violon Benjamin Bowman
Direction musicale Yannick Nézet-Séguin
Orchestre du Metropolitan Opera de New York

Hormis le Wiener Staatsoper où 'Der Rosenkavalier' concurrence 'La Bohème', le New York Metropolitan Opera est l' une des rares grandes institutions lyriques internationales à placer ce chef-d’œuvre de Richard Strauss parmi les 20 œuvres les plus fréquemment représentées.

En effet, avec ses valses entraînantes et ses grands airs entêtants, 'Le Chevalier à la Rose' a d'emblée séduit le public d'Outre Atlantique lors de son entrée au répertoire en 1913, deux ans après sa création, pour remporter un véritable triomphe dès l'après-guerre.

C'est donc un peu de l'âme du MET qui investit la Philharmonie de Paris au cours de cette première soirée dédiée à Richard Strauss qui prend une allure encore plus festive devant un parterre de spectateurs se tenant debout devant la scène, un corollaire du festival symphonique 'Les Prem's'.

Et avec quelle fougue Yannick Nézet-Séguin embarque les musiciens du MET Orchestra pour faire de la 'Suite du Chevalier à la rose' un subjuguant mouvement d'une grande force théâtrale qui prend au cœur, et dont le chef-d 'orchestre se joue d'effets d’enivrement en tirant profit des tissures fauves des cordes et d'une matière dense, mais superbement souple, qui donne beaucoup de corps à l'ensemble!

Naturellement, cette vitalité semble ne donner aucune limite à sa puissance, et les cuivres, bien qu’éclatants, et les bois, chaleureusement ronflants, ne jurent jamais avec la coloration globale, alors que s'apprécie aussi cette impression qu'une forme d'onde d'ensemble, invisible, lie tous les musiciens alignés sur leur chef qui parait si épanoui.

Changement d'atmosphère avec la scène finale de 'Salomé' et son lyrisme noir et luxuriant, où la même flamboyance va avoir pour effet de galvaniser Elza van den Heever, cette grande chanteuse sud-africaine qui fit sa mémorable prise de rôle biblique à l'Opéra de Paris à l'automne 2022, pour l'approfondir ensuite à New-York au printemps 2025, et dont émane une puissance de souffle musclée et une unité en couleur qui se fondent bien dans les enveloppements orchestraux avec une mobilité de rayonnement très assurée.

En seconde partie, nous retrouvons un grand sens du drame dans 'Une vie de héros' ('Ein Heldenleben'), une lecture de ce poème qui est menée avec un allant qui correspond à la jovialité de Yannick Nézet-Séguin, et qui va permettre d'apprécier la splendide dextérité du premier violon, Benjamin Bowman, dont l'instrument est animé d'une magnifique vibration, pleine et agile, qui impose une véritable personnalité que l'on ne ressent pas toujours dans ce rôle très exposé.

La plénitude de l'orchestre, quasi sanguine, ne lâche à aucun moment l'auditeur, surtout dans une telle salle qui surprend toujours par sa manière de révéler de très fins tissus sonores semblant s'étirer vers des horizons lointains.

Et comme il l'avait lui-même annoncé avant l'entracte, pour faire plaisir à ce public si enthousiaste, Yannick Nézet-Séguin accueille à nouveau Elza van den Heever afin qu'elle interprète en bis 'Zueignung' en exaltant son naturel triomphant, ce qui ne fera qu'intensifier la ferveur d'une audience naturellement encline à renvoyer la générosité qui a dominé ce concert.

Chaînes publiques

Vendredi 04 septembre 2026 sur France 4 à 23h25
Suresnes Cités Danse - Tendre colère

Samedi 05 septembre 2026 sur France 4 à 00h20
Pretty Yende au festival de Glanum

Samedi 05 septembre 2026 sur France 3 à 01h50
Vivantes (Chorégraphie Mickaël Le Mer)

Dimanche 06 septembre 2026 sur Arte à 18h45
Concerto per Milano 2026 - Hayato Sumino interprète Gershwin

Lundi 07 septembre 2026 sur France 4 à 21h00
Les trésors du Paris haussmannien

Vendredi 11 septembre 2026 sur France 4 à 21h00
Les clefs de l'orchestre - Le songe d'une nuit d'été

Vendredi 11 septembre 2026 sur France 4 à 22h40
Pierre Boulez présente l'Oiseau de feu

Vendredi 11 septembre 2026 sur France 4 à 23h35
Ravel : la grande soirée de ballets (Ballets de Monte-Carlo)

Samedi 12 septembre 2026 sur France 4 à 01h00
Vildanden - Le canard sauvage (Chorégraphie Marit Moum Aune)

Samedi 12 septembre 2026 sur France 3 à 01h35
I-Juca Pirama (Opéra inspiré du poème de Gonçalves Dias)

Dimanche 13 septembre 2026 sur France 5 à 14h10
Wonderful World - Ode to Nature (Christian-Pierre La Marca)

Dimanche 13 septembre 2026 sur Arte à 18h40
Bertrand Chamayou interprète Franz Liszt

Samedi 19 septembre 2026 sur Arte à 15h45
La "folie" de Louis II : Neuschwanstein, le château enchanté

Dimanche 20 septembre 2026 sur Arte à 00h00
Le compositeur Antonio Salieri - Le mythe du meurtrier de Mozart

Dimanche 20 septembre 2026 sur Arte à 00h55
Des classiques viennois - Avec la bassoniste Sophie Dervaux

Dimanche 20 septembre 2026 sur Arte à 02h00
Cristian Măcelaru et Brahms à Timișoara

Dimanche 20 septembre 2026 sur Arte à 18h45
La Philharmonie tchèque joue Dvořák et Bernstein - Château de Prague 2026

Lundi 21 septembre 2026 sur Arte à 03h25
Séville, le quartier des nouveaux artisans

Mardi 22 septembre 2026 sur France 3 à 23h20
La leçon de violon

Mercredi 23 septembre 2026 sur France 4 à 21h00
Versailles en fête

Mercredi 23 septembre 2026 sur France 4 à 23h10
Les trésors du Paris haussmannien

Jeudi 24 septembre 2026 sur Arte à 01h35
Lars Eidinger - Être ou ne pas être

Jeudi 24 septembre 2026 sur Arte à 11h25
La "folie" de Louis II : Neuschwanstein, le château enchanté

Vendredi 25 septembre 2026 sur France 4 à 21h00
La belle au bois dormant (Opéra national de Paris)

Vendredi 25 septembre 2026 sur France 4 à 23h35
Casse-Noisette (Opéra national de Paris)

Samedi 26 septembre 2026 sur France 3 à 00h20
Wonderful World - Ode to Nature (Christian-Pierre La Marca)

Samedi 26 septembre 2026 sur France 4 à 01h20
Hommage à Jerome Robbins (Opéra national de Paris)

Samedi 26 septembre 2026 sur Arte à 22h25
Un opéra pour un empire

Samedi 27 septembre 2026 sur Arte à 23h55
Viva la libertà ! Don Juan, mort et vif

Dimanche 27 septembre 2026 sur Arte à 01h35
Robert Schumann : Le paradis et la péri - Opéra national de Hambourg

Dimanche 27 septembre 2026 sur Arte à 03h10
Lea Desandre chante Vivaldi - Festival de Salzbourg 2026

Dimanche 27 septembre 2026 sur France 5 à 14h15
Une nuit d'opéra sous les étoiles de Provence

Dimanche 27 septembre 2026 sur Arte à 18h40
Concert au château de Neuschwanstein (Piotr Beczała, Olga Peretyatko, Rihab Chaieb)

Lundi 28 septembre 2026 sur Arte à 01h00
Swinging Bach - Jacques Loussier - Quand le classique rencontre le jazz

A compléter ultérieurement

Mezzo et Mezzo HD

Mardi 01 septembre 2026 sur Mezzo à 23h25
Sartorio: L'Orfeo - Philippe Jaroussky - Opéra de Montpellier

Mercredi 02 septembre 2026 sur Mezzo à 20h30
Johann Strauss: La Chauve-Souris - Opéra de Lille

Vendredi 04 septembre 2026 sur Mezzo HD à 21h00
Haendel : Alcina - Glyndebourne Festival

Vendredi 04 septembre 2026 sur Mezzo à 22h55
Wagner : Siegfried - Opernhaus Zurich

Samedi 05 septembre 2026 sur Mezzo à 20h30
Verdi : Falstaff - Opéra de Lille

Dimanche 06 septembre 2026 sur Mezzo HD à 21h00
Haendel: Giulio Cesare - Jaroussky, Arquez, Devieilhe

Lundi 07 septembre 2026 sur Mezzo à 20h30
Renaud Capuçon - un violon sans frontières

Mardi 08 septembre 2026 sur Mezzo à 23h05
Verdi: I Lombardi alla prima crociata - Opéra Royal de Wallonie-Liège

Mercredi 09 septembre 2026 sur Mezzo à 20h30
Magnard: Guercœur - Opéra du Rhin

Vendredi 11 septembre 2026 sur Mezzo HD à 21h00
Stravinsky : Le Rossignol - Poulenc: Les Mamelles de Tirésias - Théâtre des Champs-Elysées

Vendredi 11 septembre 2026 sur Mezzo à 23h10
Donizetti : La Fille du régiment - La Fenice

Samedi 12 septembre 2026 sur Mezzo à 20h30
Verdi: La Traviata - Opéra Royal de Wallonie-Liège

Dimanche 13 septembre 2026 sur Mezzo HD à 21h00
Giordano : Fedora - Deutsche Oper, Berlin

Lundi 14 septembre 2026 sur Mezzo à 20h30
Pierre Henry n'est pas mort

Mardi 15 septembre 2026 sur Mezzo à 23h10
Haendel: Flavio - Festival Baroque de Bayreuth

Mercredi 16 septembre 2026 sur Mezzo à 20h30
Monteverdi : Le Couronnement de Poppée - Versailles

Vendredi 18 septembre 2026 sur Mezzo HD à 21h00
Respighi: La fiamma - Deutsche Oper Berlin

Vendredi 18 septembre 2026 sur Mezzo à 23h20
Wagner : Götterdämmerung - Opernhaus Zurich

Samedi 19 septembre 2026 sur Mezzo à 20h30
Verdi : Otello - Teatro Real, Madrid

Dimanche 20 septembre 2026 sur Mezzo HD à 21h00
Stravinsky : Le Rossignol - Poulenc: Les Mamelles de Tirésias - Théâtre des Champs-Elysées

Lundi 21 septembre 2026 sur Mezzo à 20h30
Claudio Abbado 10 ans après

Jeudi 24 septembre 2026 sur Mezzo à 20h30
'Ernani' de Verdi au Palau de les Arts de Valence

Vendredi 25 septembre 2026 sur Mezzo HD à 21h00
Haendel: Giulio Cesare - Jaroussky, Arquez, Devieilhe

Vendredi 25 septembre 2026 sur Mezzo à 23h10
Verdi : Falstaff - Opéra de Lille

Samedi 26 septembre 2026 sur Mezzo à 20h30
Verdi : Le Trouvère - Zubin Mehta, Maggio Musicale Fiorentino

Dimanche 27 septembre 2026 sur Mezzo HD à 21h00
Respighi: La fiamma - Deutsche Oper Berlin

Lundi 28 septembre 2026 sur Mezzo à 20h30
Monteverdi de Mantoue à Venise - John Eliot Gardiner

Mardi 29 septembre 2026 sur Mezzo à 22h40
Magnard: Guercœur - Opéra du Rhin

Mercredi 30 septembre 2026 sur Mezzo à 20h30
Bellini: I Capuleti e i Montecchi - Opéra Royal de Wallonie Liège

Web : Opéras en accès libre (cliquez sur les titres pour les liens directs avec les vidéos)

Sur Operavision, Culturebox, Arte Concert etc...

                            Accès illimité dans le temps

Placido Domingo, l'homme aux mille vies

La Traviata (Chorégies d'Orange 2016) avec Domingo, Jaho, Meli

Le Requiem de Verdi (Chorégies d'Orange)

Le Barbier de Séville (Chorégies d'Orange 2018) avec Peretyatko, Sempey, Hotea

Roberto Alagna - Ma vie est un opéra

Le Royaume des Deux-Siciles (Roberto Alagna)

Patrick Dupond, un danseur chez les étoiles

Michaël Denard, le « prince » de l'Opéra de Paris

Le Lac des Cygnes, l'Ambitieux projet de Tchaïkovski

Maria Callas - Il était une voix

Body and Soul (Opéra national de Paris)

Dans les coulisses de Casse-Noisette

Dans les coulisses de Roméo et Juliette

Dans les coulisses de La Fille mal gardée

Dans les coulisses de Don Quichotte

Dans les coulisses de Mayerling

Martha Graham, danser avec l'âme

Accès Live à l'Opéra Bastille pour « Le Lac des Cygnes »

Accès live à l'Opéra Garnier dans les coulisses de « La Cenerentola »

                           Septembre 2026

Vers la grâce - A l'orée du rêve (Opéra national de Paris jusqu'au 02 septembre 2026

Vers la grâce - Répéter toujours (Opéra national de Paris jusqu'au 02 septembre 2026

Vers la grâce - La souffrance du corps (Opéra national de Paris jusqu'au 02 septembre 2026

Vers la grâce - A l'épreuve du rêve (Opéra national de Paris jusqu'au 02 septembre 2026

Masterclass avec Nicole Car (Opera for Peace) jusqu'au 07 septembre 2026

Carlo Vistoli (Bayreuth Baroque 2025) jusqu'au 08 septembre 2026

Gala du centenaire de Victoria de los Angeles (Gran Teatre del Liceu) jusqu'au 08 septembre 2026

Melancholia (film de Lars von Trier) jusqu'au 10 septembre 2026

Kiev, un opéra en guerre (2/4) - Exister ou disparaître jusqu'au 12 septembre 2026

Malena Ernman : Terra Mater - Bayreuth Baroque 2025 jusqu'au 12 septembre 2026

Julia Leshneva & Franco Fagioli (Bayreuth Baroque 2025) jusqu'au 15 septembre 2026

María de Buenos Aires (Deutsche Oper am Rhein) jusqu'au 15 septembre 2026

Francesco Cavalli : Pompeo Magno (Bayreuth Baroque 2025) jusqu'au 16 septembre 2026

Gala de l'Opéra de Vienne 2025 jusqu'au 17 septembre 2026

Marina Viotti - Bayreuth Baroque 2025 jusqu'au 19 septembre 2026

L'Écume des jours (Opéra de Lille) jusqu'au 20 septembre 2026

Ponchielli : La Gioconda (Teatro San Carlo, Naples) jusqu'au 25 septembre 2026

La Grande Affabulation (Opéra Comique) jusqu'au 27 septembre 2026

De Keersmaeker - Dialogue avec Bach - Les suites pour violoncelle jusqu'au 29 septembre 2026

JR, Damien Jalet & Thomas Bangalter : Chiroptera (Parvis du Palais Garnier) jusqu'au 30 septembre 2026

L'heure espagnole & Pulcinella (Opéra-Comique, Paris) jusqu'au 30 septembre 2026

                           Octobre 2026

Fidelio (Opéra national de Vienne) jusqu'au 03 octobre 2026

Richard Wagner : Lohengrin (Festival de Pâques de Baden-Baden 2026) jusqu'au 03 octobre 2026

Fête Chorale à Nuremberg : Les voix du Monde jusqu'au 06 octobre 2026

Barbara Hannigan dirige Ligeti et Stravinsky jusqu'au 10 octobre 2026

A Myth (O. Festival for Opera. Music. Theatre.) jusqu'au 10 octobre 2026

Dorian Gray (Opéra de Poznań) jusqu'au 11 octobre 2026

Rodelinda (Garsington Opera) jusqu'au 17 octobre 2026

La Fiancée vendue (Teatro Real) jusqu'au 23 octobre 2026

                         Novembre 2026

Mikael Karlsson : Melancholia (Opéra Royal de Suède, Stockholm) jusqu'au 01 novembre 2026

Le Corsaire (Ballet national estonien) jusqu'au 01 novembre 2026

Fauteuils d'Orchestre jusqu'au 06 novembre 2026

Georges Bizet : Carmen (Festival de Salzbourg 2026) jusqu'au 06 novembre 2026

Le Roi d'Ys (Opéra national du Rhin) jusqu'au 08 novembre 2026

Simon Boccanegra (Opéra national des Pays-Bas) jusqu'au 10 novembre 2026

Richard Wagner : L'or du Rhin - Festival de Pâques de Salzbourg jusqu'au 12 novembre 2026

Kiev, un opéra en guerre (3/4) - Exilés jusqu'au 14 novembre 2026

Wagner, Saint-Saëns et Debussy (version intégrale) jusqu'au 17 novembre 2026

Medusa (La Monnaie / De Munt) jusqu'au 15 novembre 2026

Festival de piano de la Ruhr 2024 jusqu'au 22 novembre 2026

Così fan tutte (Opéra d'État hongrois) jusqu'au 23 novembre 2026

Wagner : les pouvoirs du Ring - 150 ans de la création de "L'anneau du Nibelung" jusqu'au 24 novembre 2026

Les trois ballets de Stravinsky (Théâtre des Champs-Elysées) jusqu'au 25 novembre 2026

Pascal Rophé dirige Berio, Mahler et Gísladóttir avec Stéphane Degout jusqu'au 28 novembre 2026

I Lituani (Opéra national de Lituanie) jusqu'au 29 novembre 2026

                         Décembre 2026

Le grand concert des pyramides avec Fatma Saïd jusqu'au 11 décembre 2026

Le fantôme de l'Opéra (film de Rupert Julian) jusqu'au 11 décembre 2026

Roméo et Juliette (Teatro dell’Opera di Roma) jusqu'au 12 décembre 2026

Tannhäuser (Théâtre national croate de Zagreb) jusqu'au 19 décembre 2026

Le cinéma de John Williams (Indiana Jones, E.T., Star Wars..) jusqu'au 19 décembre 2026

Fauteuils d'orchestre (Natalie Dessay et Laurent Naouri) jusqu'au 22 décembre 2026

Béjart, 3 regards jusqu'au 22 décembre 2026

La Belle au Bois dormant (Opéra national de Paris) jusqu'au 25 décembre 2026

Norma (Irish National Opera) jusqu'au 26 décembre 2026

Concert du nouvel an de l'Orchestre national de France (Radio France) jusqu'au 30 décembre 2026

Casse-Noisette (Nouveau théâtre national de Tokyo) jusqu'au 31 décembre 2026

Le "Requiem" de Mozart (Festival d'Aix-en-Provence 2019) jusqu'au 31 décembre 2026

                          Janvier 2027

La Vie Parisienne (Théâtre du Châtelet) jusqu'au 03 janvier 2027

La bohème (Opéra national de Lettonie) jusqu'au 03 janvier 2027

Samson (Festival d'Aix-en-Provence 2024) jusqu'au 11 janvier 2027

Madame Butterfly (Festival d'Aix-en-Provence 2024) jusqu'au 11 janvier 2027

Villa Belcanto (Mascarade Opera) jusqu'au 17 janvier 2027

Richard Wagner : La Walkyrie (Staatsoper Unter den Linden, Berlin) jusqu'au 19 janvier 2027

Richard Wagner : Siegfried (Staatsoper Unter den Linden, Berlin) jusqu'au 19 janvier 2027

Falstaff (Gran Teatre del Liceu) jusqu'au 24 janvier 2027

Francis Lai : Love Story, Un homme et une femme (Auditorium de Radio France) jusqu'au 30 janvier 2027

Madama Butterfly (Royal Ballet and Opera) jusqu'au 31 janvier 2027

                        Février 2027

Oper on fire (Opernstudio NRW) jusqu'au 07 février 2027

Kiev, un opéra en guerre (4/4) - Transmettre jusqu'au 08 février 2027

Eugène Onéguine au Palais Garnier jusqu'au 09 février 2027

Haendel : airs allemands (Festival de musique sacrée de Madrid 2024) jusqu'au 11 février 2027

Wagner : Le Ring sans paroles - Daniel Harding & l'Orchestre de la Suisse romande jusqu'au 13 février 2027

Il viaggio a Reims (Rossini Opera Festival) jusqu'au 16 février 2027

Robert Schumann : Le Paradis et la Péri (La Seine musicale) jusqu'au 17 février 2027

                        Mars 2027

Les Sentinelles (Opéra de Bordeaux) jusqu'au 09 mars 2027

                        Avril 2027

Les saisons de la danse (Max Richter) jusqu'au 08 avril 2027

Albéric Magnard : Guercœur (Opéra national du Rhin, Strasbourg) jusqu'au 21 avril 2027

                         Mai 2027

Dialogues des Carmélites (Opéra de Rouen) jusqu'au 05 mai 2027 

                         Juin 2027

Humo (Ballet flamenco de Rafaela Carrasco) jusqu'au 02 juin 2027

Antonia Bembo : Ercole Amante (Opéra de Paris) jusqu'au 09 juin 2027

Life on Mars(eilles)- épisode 1 jusqu'au 16 juin 2027

Life on Mars(eilles)- épisode 2 jusqu'au 16 juin 2027

Life on Mars(eilles)- épisode 3 jusqu'au 16 juin 2027

Life on Mars(eilles)- épisode 4 jusqu'au 16 juin 2027

                         Juillet 2027

"Louise" de Charpentier au Festival d'Aix-en-Provence jusqu'au 09 juillet 2027 

Jules Massenet : Werther (Opéra Comique, Paris) jusqu'au 22 juillet 2027 

Pascal Dusapin : Antigone (Philharmonie de Paris) jusqu'au 28 juillet 2027

Rituel - Millepied & Boulez, Stravinsky, Bartók jusqu'au 29 juillet 2027 

                       Octobre 2027

Le couronnement de Poppée par l’Ensemble I Gemelli jusqu'au 03 octobre 2027

                       Janvier 2028

John Williams : E.T. l'extra-terrestre (Auditorium de Radio France) jusqu'au 18 janvier 2028

                         Mars 2028

Adieu l'Opéra (Opéra national de Paris) jusqu'au 16 mars 2028

                         Avril 2028

Wartime Elegy - Ballet national d'Ukraine  jusqu'au 01 avril 2028

Baldassare Galuppi : L'uomo femina (Opéra de Rouen) jusqu'au 25 avril 2028

                         Juin 2028

Dream Requiem - Rufus Wainwright (Radio France) jusqu'au 13 juin 2028

                         Juillet 2028

Festival d'Aix-en-Provence - Interview de Clément Cogitore - Mozart - La flûte enchantée jusqu'au 20 juillet 2028

                         Août 2028

Tchaïkovski : La Pucelle d'Orléans (Opéra national des Pays-Bas, Amsterdam) jusqu'au 01 août 2028

                         Septembre 2028

La grande affabulation à l'Opéra Comique jusqu'au 24 septembre 2028

                         Novembre 2028

Saburo Teshigawara, Sayaka Shoji & Rihoko Sato au château de Champlâtreux (Sur Mesure) jusqu'au 17 novembre 2028

Mikko Franck dirige Dutilleux, Mahler et Strauss (chant Marie-Nicole Lemieux) jusqu'au 21 novembre 2028

                         Décembre 2028

Carolyn Carlson : Midnight Souls - Palais des Papes, Avignon jusqu'au 15 décembre 2028

                         Mars 2029

Chelsea Zurflüh & Jonathan Tetelman (Château de Neuschwanstein 2025) jusqu'au 18 mars 2029

Elīna Garanča chante Carmen (Château de Neuschwanstein 2025) jusqu'au 18 mars 2029

Klaus Florian Vogt chante Mozart, Wagner et Strauss (Château de Neuschwanstein 2025) jusqu'au 18 mars 2029

Stjepan Hauser joue Bach et Morricone (Château de Neuschwanstein 2025) jusqu'au 18 mars 2029

Golda Schultz, Rolando Villazón et Ludovic Tézier (Château de Neuschwanstein 2025) jusqu'au 18 mars 2029

                         Mai 2029

Les barockeuses (1/3) - Le baroque féminin, un désir légitime jusqu'au 18 mai 2029

Les barockeuses (2/3) - Dans l’ombre de Dieu jusqu'au 18 mai 2029

Les barockeuses (3/3) - Sur les routes de l’Europe jusqu'au 18 mai 2029

Les barockeuses - Pionnières du baroque jusqu'au 18 mai 2029

                     Juillet 2029

Richard Strauss : La femme sans ombre (Festival d’Aix-en-Provence 2026) jusqu'au 09 juillet 2029

Mozart : La flûte enchantée (Festival d'Aix-en-Provence 2026) jusqu'au 19 juillet 2029

Finale du concours Voix des Outre-mer 2026 jusqu'au 20 juillet 2029

                      Septembre 2029

Arthur Honegger : Le Roi David Avec Amira Casar et Lambert Wilson jusqu'au 25 septembre 2029

                      Juillet 2030

John Neumeier : Casse-noisette (Ballet de Hambourg) jusqu'au 28 juin 2030

                      Mars 2031

Noureev (Ballet de Kirill Serebrennikov et Yuri Possokhov) jusqu'au 30 mars 2031

Jacques Rouché et l’Opéra de Paris – De la Grande Guerre à la Libération
Ouvrage de Claire Paolacci
Avec le soutien du Palazzetto Bru Zane – Centre de musique romantique française, et avec le concours de Sorbonne Université
Editions de Sorbonne Université Presses – Collection MusiqueS – Sortie le 16 janvier 2025
ISBN : 979-10-231-0809-5
Nombre de pages 560

Prix du jury du livre France Musique - Claude Samuel 2026, la passionnant ouvrage de Claire Paolacci, basé sur une thèse soutenue originellement en juillet 2006, décrit de façon flamboyante le parcours de Jacques Rouché, polytechnicien (X 1882) et directeur mécène de l'Opéra de Paris de 1913 à 1945, depuis ses services rendus lors de l'exposition universelle de 1890 jusqu'à la libération de Paris.

Les premières pages du premier chapitre nous emmènent dans le monde de la création des parfums français de la maison L.T.Piver qui appartient au beau-père de Jacques Rouché (le siège parisien se trouve aujourd'hui au 84 rue du Faubourg Saint Honoré). Son mariage avec Berthe Piver, en 1890, s’avérera décisif dans sa carrière d'industriel où il va affiner ses facultés à sentir les modes et les attentes de son époque.

Devenu membre influent de la direction, il fait appel à des artistes reconnus pour concevoir les flacons et coffrets de parfums, en en faisant de véritables objets d'art.

                                         Caricature de Jacques Rouché
                        Dessin d’Adrien Barrère,1913 Coll. part.

Cette réussite commerciale lui permet d'en faire profiter le milieu culturel qui l'entoure, mais Jacques Rouché est bien décidé à devenir directeur de théâtre.

Il utilise ses moyens financiers importants pour investir dans l'Art nouveau en faisant construire son hôtel particulier, rue d'Offémont, puis, pour acquérir des résidences secondaires qu'il remet en état.

En 1907, il rachète 'La Grande Revue' afin d'en faire une revue indépendante qui rende compte des grands évènements organisés à Paris. Des rubriques d'actualités littéraires ou musicales sont proposées, ce qui montre à quel point cet industriel est attaché à vivre avec son temps.

Et avec le rachat de la 'Revue des études franco-russes', revue qui visait à contrer la prédominance de l'Allemagne d'Otto von Bismarck, il s'engage dans le rapprochement culturel et politique de la France et de la Russie.

Un second chapitre présente l'engagement de Jacques Rouché dans la vie théâtrale, lui qui, au cours de son enfance, se rendait à la Comédie française avec ses parents. Il voyage en Europe pour rencontrer les grands novateurs de la scène théâtrale. Son manifeste 'L'Art théâtral moderne' prône l'importante de la mise en scène et de la nécessité de proposer une vision en phase avec la réalité.

En 1910, Jacques Rouché acquière le Théâtre des Arts (aujourd'hui le Théâtre Hebertot) et initie une collaboration avec de nouveaux auteurs afin de présenter les divers courants esthétiques du théâtre contemporain, sans soumission à un genre en particulier. Louis Jouvet y fera ses débuts.

Au Théâtre du Châtelet, il présente des spectacles de danse, à la suite des Ballets russes, incarnation de l'esthétique française, la France n'ayant su concurrencer le wagnérisme allemand.

'Ma mère l'Oye' de Maurice Ravel est créé au Théâtre des Arts le 28 janvier 1912. Toutes les créations musicales sont recensées dans le présent ouvrage, et l'apport des metteurs en scène de théâtre, Arsène Durec, Edward Gordon Graig ou Jacques Copeau est comparé.

Les peintres sont sollicités pour servir le drame, Maxime Dethomas, Jacques Drésa, Georges Mouveau, en s'emparant de tous les métiers, décors, lumières, costumes, alors que la programmation allie œuvres du passé (Monteverdi, Lully) et œuvres contemporaines (Ravel, Roussel) pour mieux amener le public à apprécier la nouveauté. Rouché mène un savant exercice de tarification afin de maintenir l'équilibre financier tout en améliorant autant que possible l'accessibilité aux publics de toutes les catégories sociales.

Le bilan du Théâtre des Arts est impressionnant, qualité des spectacles, soirées mondaines courues par le Tout-Paris, artistes en demande de commandes, recettes en augmentation, mais la salle est trop petite pour tenir les comptes équilibrés. Bien introduit auprès des riches aristocrate, Jacques Rouché est nommé directeur de l'Académie de musique et de la danse le 27 novembre 1913, pour une prise de fonction le 01 janvier 1915. Sa fortune personnelle assure la prospérité financière du Palais Garnier.

Une de ses premières initiatives est de solliciter les abonnés pour connaître les inflexions qu’ils souhaitent voir mises en œuvres par la nouvelle direction.

La partie centrale de l'ouvrage fait la part belle au mandat de Jacques Rouché pendant la Grande Guerre et dans l'entre-deux-guerres. Il obtient une ouverture partielle de Garnier pendant la guerre, maintient le lien avec les personnels mobilisés, et s'arrange pour obtenir une rétribution digne au personnel affecté à Garnier.

Et s’il applique la consigne gouvernementale d’exclure les œuvres allemandes et autrichiennes de la programmation, il propose aussi, malgré les circonstances, nombre de créations lyriques et chorégraphies. Vincent d'Indy et Camille Saint-Saëns sont à l'honneur.

En soutien aux Armées, des œuvres patriotiques, ou rendant hommage aux morts pour la France, sont également amenées à résonner avec les circonstances dramatiques. Et il poursuit à travers le corps de ballet ses réflexions développées au Théâtre des Arts sur le rôle de la peinture en tant qu'expression théâtrale.

Enfin, à l'aune d'un accord avec La Scala de Milan, Jacques Rouché entreprend d'interpréter les opéras en langue originale par respect pour l'harmonie musicale.

Toutes ces initiatives vaudront au Palais Garnier d'être reconnu pour son appui à la politique du ministère des Affaires étrangères, et démontrent à nouveau à quel point le directeur entend bien inclure l’Opéra dans l’histoire de la France et sa relation au monde. Il est confirmé dans ses fonctions en février 1919.

Claire Paolacci développe également un impressionnant chapitre sur la gestion de l’Opéra dans l’entre-deux-guerres, l’augmentation et la diversification de la programmation, la tarification, l’augmentation exponentielle des charges, le soutien où le désengagement de l’état, les conflits sociaux (la dureté de la grève de 1920 obligera à fermer le théâtre pendant 2 mois, mais Rouché gagnera la bataille de l’opinion), le calendrier des soirées exceptionnelles qui en font à lui seul un véritable manifeste de management culturel dans toutes ses dimensions possibles.

La société en commandite que crée Jacques Rouché en octobre 1919, et dont Ida Rubinstein est aussi commanditaire, est cruciale pour la bonne marche du Palais Garnier, car l’État refuse d’augmenter sa participation. Il faudra sa démission en mars 1932 pour qu’il obtienne un nouvel effort du gouvernement et une reconduction jusqu’en 1940.

Mais il y a toujours des hommes politiques qui refusent de reconnaître l’Académie nationale de musique et de danse comme un service public. La crise de l’Opéra Comique en 1936 aboutit à la création de la Réunion des Théâtre Lyriques Nationaux dont Rouché devient l’administrateur, en perdant de fait son statut d’entrepreneur.

Pour asseoir la modernité de l’Opéra, le Palais Garnier devient aussi un lieu de représentations cinématographiques avec orchestre symphonique (‘Napoléon’ en 1927), et la relation aux nouveaux médias s’élargit avec une étrange diffusion par téléphone (expérience menée pour la première fois à Garnier dès 1881!) suivie par l’essor de la radiodiffusion dans les années 30.

Deux sections sont ensuite consacrées aux créations lyriques et chorégraphiques.

Pour les premières, le cahier des charges de l’Opéra impose de privilégier la création d’ouvrages français, et en particulier par des anciens pensionnaires de l’Académie de France à Rome – le tableau de ces créations comprend d’ailleurs deux petites erreurs, car ‘La Fille de Roland’ et ‘Mârouf Savetier du Caire’ de Henri Rabaud ont été créés à l’Opéra Comique -. Des mélodies populaires parcourent ces ouvrages pour régénérer l’art national, mais Wagner est décidément beaucoup trop fort.

Appel à de jeunes peintres, modernisation des systèmes d’éclairages, rénovation de la mise en scène et de la machinerie, suppression des loges de scène, ne suffisent pas à intéresser les grands artistes et se heurtent au conservatisme des abonnés et du public. Rouché s’inquiète de l’avenir de l’opéra dorénavant concurrencé par les nouveaux loisirs.

Si l’opéra décline, le ballet, lui, est en plein développement. Rouché applique les mêmes recettes que pour le lyrique - la réforme par les décors et les costumes -, et tente des collaborations avec des artistes russes (Anna Pavlova, Fokine, Nijinska).

A la suite du décès de Diaghilev à Venise en août 1929, il embauche ses collaborateurs, Balanchine et Lifar, le second devenant à la fois danseur et chorégraphe. Le corps de ballet résiste à la discipline qu’il impose, mais Lifar valorise leur rôle d’acteur indispensable pour faire vivre l’âme d’une œuvre.

Il ouvre la voie du néo-classicisme français, se rend en Grèce, travaille avec les compositeurs contemporains, et obtient reconnaissance en tant que ‘créateur’ aussi bien de la part du public que de la critique.

Les wagnériens seront également heureux de découvrir que tout un chapitre est dédié à l’Opéra en tant qu’outil de propagande de l’État, et de voir comment Rouché va, petit-à-petit, au cours de l’entre deux-guerres, représenter de plus en plus Mozart, fort consensuel, puis Wagner qui, lui, est assimilé au pangermanisme prussien par une partie des français, tout le contraire de ce qu’il était réellement. Car si Wagner divise, tout directeur d’opéra sait qu’il fait pleinement recettes.

Par ailleurs, la mise en valeur d’ouvrages d’artistes des nations alliées aboutira à la création d’Œdipe’ de Georges Enesco.

Mais globalement, la création irrigue le ballet, alors que le désintérêt gagne l’opéra, le premier ayant l’aptitude à réunir, alors que le second est une arme politique.

La dernière partie de l’ouvrage dédiée à ‘L’épreuve de la seconde guerre mondiale’ est probablement la plus émotionnellement acérée, car elle pose la question à chacun de nous-même sur l’attitude qu’il aurait adopté au cours de la période d’occupation s’il était en responsabilité.

Jouer est la priorité pour Rouché et Lifar, aussi bien au début de la guerre qu’après l’armistice de 1940 et jusqu’à la libération. Le public vient au théâtre, mais les autorités de tutelles allemandes et vichystes suivent ce qu’il se passe à l’Opéra. Berlioz est mis à l’honneur dès la réouverture.

Bien qu'il soit assujetti aux lois antisémites imposées par l'occupant, Rouché conserve autant qu’il le peut les personnels israélites et plaide en faveur des compositeurs et librettistes d’origine juives (Dukas, Szyfer). Les soirées allemandes mettent en valeur les compositeurs contemporains (Pfitzner, Egk) mais elles sont perçues comme un assujettissement aux autorités d’occupation. Survient une situation paradoxales où les Allemands interdisent de jouer Wagner, Mozart, Strauss, Beethoven, au grand dam de Rouché qui sait que ce répertoire est très prisé du public parisien. Il n’hésite pas à négocier pour porter ces compositeurs à l’affiche, mais propose de nombreuses soirées françaises et met également Garnier à disposition de galas de charité.

Après la libération, Rouché doit affronter les procès d’épuration et défend sa politique de maintien de l’activité sous l’occupation. Suspendu le 21 février 1945 et mis à la retraite, il sera réhabilité en 1951.

Le cas de Serge Lifar, artiste engagé à défendre la création pour un art, le ballet, favorisé sous l’occupation par les autorités vichystes et allemandes, est étudié en détails, car le danseur et chorégraphe d’origine ukrainien entend bien poursuivre une réforme théâtrale qui s’appuie sur les préceptes défendus par Jacques Rouché. Cette créativité haut en couleur se développe avec la complicité du compositeur Philippe Gaubert et culmine avec ‘Le Chevalier et la Damoiselle’. A nouveau, l'ouvrage montre comment il met en valeur les danseurs et danseuses tout en approfondissant le sens de son art.

Mais il faut aussi se battre pour obtenir les meilleures conditions pour une troupe très engagée physiquement alors que les restrictions sont en vigueur. Si dans les faits la compromission avec l’occupant est soulignée, il n’en est pas moins vrai que la musique et la danse française ont été promues dans un des rares lieux où il était possible de se rassembler.

Cette aventure menée avec une forte conviction artistique dans une période trouble est ainsi récapitulée en conclusion de l’ouvrage de Claire Paolacci qui rappelle que c’est l’autonomie financière de Jacques Rouché qui lui a permis au départ de diriger l’Opéra avec une certaine indépendance vis-à-vis de l’État.

Ce livre est aussi un fascinant témoignage du processus de la création artistique et de sa force malgré les circonstances politiques.

Réplique de l'éclipse de Soleil qui s'était produite le 01 août 2008 dans l'Altaï, à la frontière extrême de la Chine et de la Mongolie - elle fut l'occasion de mener un impressionnant périple dans une contrée sauvage peuplée par les Kazakhs -, l'éclipse du 12 août 2026 a pour originalité de n'être observable par le plus grand nombre qu'en fin de parcours, vers 20h30, en traversant le centre-nord de l'Espagne jusqu'aux îles Baléares de façon à couvrir 14 millions d'habitants, auxquels se sont ajoutés plusieurs millions de visiteurs venus admirer ce phénomène rare depuis l'Espagne et le reste du monde.

Il était risqué de choisir les Asturies comme destination d'observation, la présence de la cordillère cantabrique ayant tendance à refroidir l'air humide provenant de l'Atlantique pour créer des bandes de nuages, et, malheureusement, la dégradation soudaine des conditions météorologiques le soir de l'éclipse n'a permis de vivre le basculement dans l'ombre de la Lune que sous une dense couverture nuageuse.

Néanmoins, cela n'invalide pas le parcours à travers le nord de l'Espagne qui a été mené en six jours et qui a permis de découvrir une magnifique région marquée par un passé très fort.

Guernica et Durango (Pays Basque)

En passant du Pays Basque français au Pays Basque espagnol via Saint-Jean-de-Luz et San Sebastian, un petit détour par Guernica s'imposait, cette ville martyre étant aussi un symbole fort de la résistance basque que les barbaries fasciste et nazie, sollicitées en appui aux nationalistes du général Franco, cherchèrent à écraser (bombardement des civils le 26 avril 1937). 

La défaite républicaine qui suivra sera à l'origine d'un exode massif vers la France, 'La Retirada', si bien qu'une partie des réfugiés et leurs descendants s'intègreront définitivement à la France.

Le célèbre tableau peint à Paris par Pablo Picasso, 'Guernica', préservé dès 1939 au MoMA de New-York, ne rejoindra le Musée Reina Sofia de Madrid que le 10 septembre 1981, mais une copie en carreaux de céramique a été installée en 1997 à Guernica pour demander le transfert du tableau dans la ville qui en est l'objet.
Aujourd'hui, Guernica est une ville au centre très animé mais qui entretient la mémoire de ces évènements tragiques.

A quelques kilomètres plus au sud, on découvre Durango qui est une ville qui connut le 31 mars 1937 les prémisses des bombardements aériens de civil menés par l’aviation italienne fasciste, et dont le centre historique au charme médiéval a été restauré; l'Arc de Santa Ana est l'une des rares constructions qui furent épargnées.

L'éclipse à Miyares (Asturies)

Après cette première journée mémorielle, vient le moment de rejoindre le village de Miyares situé à l'est d'Oviedo dans les Asturies, tout en recherchant un point d'observation de l'éclipse alternatif, en cas de situation météorologique difficile le long de la chaîne cantabrique. Le sud de la ville de Cistierna, dans la province de León, semble une zone favorable.

Pour la rejoindre, il faut traverser le Parc National des Pics d'Europe à travers une route magnifique, la N-621, qui passe à son point le plus haut par le Puerto di san Glorio (1609 m), marquant ainsi le passage de la Cantabrie à la Castille-et-León. La vue sur les étendues majestueuses de la Montaña Palentina est un émerveillement d'autant plus que le Soleil brille à son zénith ce jour là.

Puis, la route redescend pour rejoindre un impressionnant lac de barrage entouré d'éperons rocheux spectaculaires, 'L'embalse de Riaño' (1100 m), où nombre de vacanciers s'adonnent aux sports nautiques.
Et une fois dépassé Cistierna, l'horizon ouest se dégage - il faut en effet s'assurer que rien n'obstruera la vue au moins à 5° au dessus de l'horizon - jusqu'au village de Vidanes qui s'avère être un bon endroit pour l'observation.

Enfin, pour rejoindre Miyares, situé à 120 km au nord, il faut à nouveau traverser deux parcs nationaux montagneux, la 'Montaña de Riaño y Mampodre' et celui de 'Ponga', 3 heures de route étant nécessaires en passant par des points de vue toujours aussi majestueux, mais aussi le défilé de 'Los Beyos' flanqué de parois abruptes et ressérées.

La surprise est alors de découvrir que ce village des Asturies composé de belles villas au style colonial est situé au creux d'un splendide paysage de montagnes, tout en donnant une impression d'immensité au cœur d'une nature grouillante de vie, entre les hirondelles de rochers virevoltantes de toits en toits et le son des cloches incessant provenant des animaux profitant des hauts pâturages. 

Le soir, le Soleil est parfaitement visible 24h avant l'éclipse totale, si bien que, malgré le risque de couverture nuageuse annoncé, mais sans être rédhibitoire, il est décidé de rester à cet endroit pour la journée du 12 août 2026.

Le lendemain, une fois les brumes matinales dissipées, la journée est très ensoleillée jusqu'à 17h30, et seuls trois petits groupes de tâches solaires sont visibles, dont l'un plus marqué en bas à gauche du disque, ce qui va rendre la dégradation météorologique d'autant plus brutale après un temps si radieux. 

Les nuages bas formés le long de la côte atlantique entrent à l'intérieur des terres beaucoup plus en profondeur que prévu par les modèles météos, au point de couvrir totalement, et avec une importante épaisseur, la totalité du ciel.

L'éclipse sera donc vécue entre 19h30 et 21h20 sous cette couverture nuageuse tout en restant à l'écoute de la nature et de sa phase d'endormissement, les hirondelles des roches ayant totalement disparues vers 20h10. L'assombrissement devient sensible à ce moment là, et la plongée dans le noir à 20h27 s'accompagne du son des grillons uniquement pendant la phase de totalité, pour une durée de 1 minute et 43 secondes.

Puis, à la sortie de l'ombre, des applaudissements montent des maisons environnantes, le phénomène, même vécu sous les nuages, ayant été fortement appréciés par les habitants. Cette clameur humaine fait aussi systématiquement partie du spectacle à la fin de la totalité.

Une légère bruine survient sans qu'il soit possible d'affirmer avec certitude qu'il s’agisse d'une conséquence du refroidissement de l'atmosphère induit par le passage de la Lune devant le Soleil.

Les mesures de luminosité réalisées avec un appareil photo à sensibilité et temps de pose fixes montrent que, 25 minutes après l'éclipse totale, le ciel a la même luminosité que 10 minutes avant la totalité, ce qui montre combien l’obscurcissement du à l'arrivée de la Lune s'est couplé à celui du coucher du Soleil.

En juillet 2009, l'éclipse totale sur Shanghai s'était aussi déroulée sous les nuages, mais il était difficile de les éviter, tandis que la faible portion de territoire du nord des Asturies et de la Cantabrie affectée pendant l'éclipse permettait de réduire le risque assez facilement en se déplaçant d'une centaine de kilomètres ou en montant en altitude au dessus de 1000m, ce qui rend l'expérience bien plus décevante. 

Mais deux grandes éclipses totales sont prévues en Afrique du Nord et en Australie, respectivement en août 2027 et juillet 2028, ce qui sera l'occasion de rattraper ce qui pourrait s'apparenter à un acte manqué.

Burgos

La suite du voyage se déroule par beau temps sur les routes des grandes étendues de cultures de la région de León afin de rejoindre la ville de Burgos, la capitale du royaume de Castille, qui était un endroit bien plus sûr comme base d'observation de l'éclipse.

L'arrivée dans le centre de cette ville fondée en 884 par Diego Rodriguez Porcelos, au nord de laquelle naîtra vers 1043 Rodrigo Díaz de Vivar, dit 'El Cid Campeador', est un véritable choc comparable à celui de la découverte de la place Saint-Marc de Venise.

Car une fois passé l'Arc de Santa Maria, la porte la plus monumentale de la ville où apparaît Charles Quint en son centre avec Le Cid à sa gauche et  Diego Rodriguez Porcelos au premier niveau, la cathédrale de Santa Maria, dont l'architecture est basée sur celle de Bourges, apparaît dans tout son éclat, une inimaginable construction en dentelles flanquée d'une grande chapelle et d'un cloître, et dominée par une tour lanterne d'une finesse d'orfèvre, en dessous de laquelle gisent les corps du Cid et de Chimène. 

Il faut s'équiper de jumelles pour en observer tous les détails et les multiples statues, et il faut des heures pour apprécier son intériorité faite de multiples chapelles dont le style s'étale du gothique flamboyant au baroque et style rococo.

D'ailleurs, les églises environnantes permettent de traverser le temps de San Gil (1163 - style médiéval) à Carmen (1968 - style moderne), en passant par San Esteban (Grand gothique) ou San Lorenzo (baroque Jésuite).

L'énergie vitale de Burgos, sa propreté, sa fréquentation touristique harmonieusement mélangée à la vie locale et son architecture éblouissante, présentent les plus beaux des visages avant d'achever un périple auquel ne manque que la couronne solaire dominant l'horizon.

Le prochain voyage éclipse du 02 août 2027 aura donc pour objet une double revanche, revoir sur fond de ciel bleu l'éclipse de Shanghai du 22 juillet 2009, dont elle est la réplique, et atténuer le ratage observationnel de cette année, tout en ne négligeant pas la dimension culturelle et historique des lieux visités.

Der Ring des Nibelungen (Richard Wagner - 1849/1876)
Bayreuther Festspiele 2026
27 juillet - Das Rheingold
28 juillet - Die Walküre
30 juillet - Siegfried
01 août - Götterdämmerung

Direction Musicale Christian Thielemann
Conception artistique et technique Marcus Lobbes et Nils Corte
Dramaturgie Andri Hardmeier
Storytelling numérique et IA Roman Senkl
Art Visuel Nils Corte et Phil Hagen Jungschlaeger
Décors Wolf Gutjahr
Costumes Pia Maria Mackert

Loge / Siegmund / Siegfried Klaus Florian Vogt
Wotan / Der Wanderer Michael Volle Brünnhilde Camilla Nylund
Alberich Jochen Schmeckenbecher    Sieglinde Elza van den Heever
Fasolt / Hunding / Hagen Mika Kares
Froh Siyabonga Maqungo    Donner Alexander Grassauer
Mime Gerhard Siegel Gunther Michael Kupfer-Radecky
Fafner Peter Rose    Fricka / 1.Norn Anna Kissjudit
Erda / Waltraute (Götterdämmerung) Christa Mayer
Schwertleite Freya Apffelstaedt    Freia Evelin Novak
Rossweisse Natalia Skrycka Wellgunde Natalia Skrycka
Helmwige / Gutrune / 3. Norn Magdalena Hinterdobler
Grimgerde / Floßhilde Marie Henriette Reinhold
Siegrune / 2. Norn Alexandra Ionis
Waltraute (Die Walküre) Karis Tucker
Gerhilde Martina Welschenbach Ortlinde Brit-Tone Müllertz
Waldvogel Victoria Randem Woglinde Katharina Konradi

Pour les 150 ans du Festival et de la création de 'L'Anneau du Nibelung' qui avait été mis en scène par Richard Wagner lui-même, Katharina Wagner avait annoncé que le Ring ne serait proposé en 2026 qu'en version semi-scénique, une nouvelle production de la Tétralogie mise en scène par Vasily Barkhatov et dirigée par Pablo Heras-Casado étant en préparation pour 2028.

Nous étions donc prévenus que la version d'anniversaire serait confiée à Marcus Lobbes et Nils Corte, deux metteurs en scène allemands passionnés par l'apport du numérique au théâtre contemporain, et que les images générées par Intelligence Artificielle domineraient le visuel des représentations.

Il faut dire que la première de ‘Das Rheingold’ est sans doute la plus éprouvante car les spectateurs se sont retrouvés happés pendant 2h30, sans entracte, par une profusion d’images aux formes perpétuellement changeantes et aux couleurs vives, dont il s’est avéré possible de déceler, de temps en temps, des références à des 'Ring' passés, tels celui de Patrice Chéreau (1976 – 100 ans du festival) ou celui de Frank Castorf (2013 – 200 ans de la naissance de Richard Wagner). Mais les silhouettes humaines et les visages ne prennent jamais de formes définitives et précises, ce qui est fort frustrant, et l’on peine à voir le lien entre ces mondes abstraits donnant l’illusion du 3D et la dramaturgie de l’ouvrage.

Nous comprenons ainsi que nous allons assister à une installation de 15h en musique, au milieu de laquelle les chanteurs s’insèrent simplement par leurs voix. 

Toutefois, la scène de montée au Walhalla, baignée de couleurs et lumières arc-en-ciel, sera la plus impressive de tout le prologue.

Afin de laisser de la distance entre les premiers rangs de spectateurs et l’immense toile vidéographique, l’avant-scène située au dessus de l’orchestre se trouve interdite aux chanteurs, qui se retrouvent donc relégués à une dizaine de mètres en arrière, derrière le rideau semi-transparent. 

On perd donc le contact avec leurs visages, ce qui rend ce concept, totalement antithéâtral, opposé à la finalité même du Festspielhaus telle que l’a voulu Richard Wagner.

Mais malgré la distance, les voix se projettent avec une excellente définition, cette production ayant au moins l’avantage de mettre en valeur les qualités acoustiques exceptionnelles de la salle.

Les solistes, tous vêtus d’un intrigant costume en forme de plumage argenté, paraissent même à certains moments totalement suspendus au milieu du flot de couleurs et de lumières.

Ce 'Ring' peut donc s’apprécier pour sa pure poésie musicale, en prêtant moins d’attention aux images qu’à l’ambiance lumineuse d’ensemble.

Dans ‘Walküre’, les images semblent prendre plus le temps de se poser, avec des changements plus espacés, et, à nouveau, le final baigne dans une lumière très impressive. Mais le jeu d’acteur reste tout à fait inexistant, et la mort de Siegmund se déroule sans le moindre geste de la part des protagonistes, ce qui sera toutefois corrigé dans ‘Götterdämmerung’ où, cette fois, Hagen aura bien le geste fatal envers Siegfried.

Cependant, la logique des images reste la même, avec des injections de réminiscences de ‘Ring’ passés qui évoluent dans le temps, mais avec aussi des images qui cherchent à fixer ces ‘Ring’ dans leur époque au risque d’incongruités déplacées, comme cet astronaute marchant sur la Lune en plein milieu de ‘Siegfried’ pour indiquer que l’on se trouve en juillet 1969.

S’il a été possible d’affronter pendant 15 heures ce flot d’images comme si l’on admirait une œuvre d’art moderne vivante, c’est bien parce que l’interprétation musicale a donné une dimension irrésistiblement poétique à cette saga pourtant d’une grande force dramatique.

A nouveau, Klaus Florian Vogt fait l’évènement à Bayreuth, sa maison d’élection, en relevant le défi de chanter les trois rôles de Loge, Siegmund et Siegfried en une semaine, comme l’avait fait avant lui Wolfgang Windgassen à l’opéra de Vienne en 1962 (31 mai – 6 juin) et 1963 (08 juin – 15 juin).

Apparaissant comme le plus lumineux Loge jamais entendu à ce jour, qui a fait trembler tout le théâtre de Bayreuth comme jamais après la première représentation de 'Das Rheingold’, le ténor allemand offre ensuite un portrait exceptionnel de Siegmund avec son timbre dorénavant ambré et d’une candeur surnaturelle dans cette magnifique salle, puis, tire d’intonations plus acérées pour dépeindre le caractère moins romantique et plus querelleur de Siegfried, sans se départir de sa magnificence dans les moments les plus élégiaques auprès de Brünnhilde, que ce soit dans ‘Siegfried’ ou ‘Götterdämmerung’.

Face à cette figure artistique emblématique de l’univers wagnérien, Camilla Nylund fait vivre les sentiments de la Walkyrie avec un chant racé et d’une précision d’orfèvre qui va somptueusement se déployer dès le 3e acte de ‘La Walkyrie’, lors de l’inéluctable confrontation avec Wotan. L’écouter polir le cristal de sa voix, en chauffer les couleurs avec un perfectionnisme rare pour les faire s’épanouir dans l’immensité du théâtre est merveilleux à entendre, surtout qu’elle peut aussi induire des aigus pleinement timbrés et d’un fort impact. 

Toutefois, pour la scène d’immolation finale de ‘Götterdämmerung’, elle va légèrement atténuer le volume afin de préserver son magnifique sens du relief sculptural. Très grand accueil bien mérité pour cette artiste si touchante qui, à deux reprises, partagera une étreinte chaleureuse avec Klaus Florian Vogt au rideau final.

Sans être aussi noir que le Wotan de Nicholas Brownlee à Munich, Michael Volle donne une superbe prestance au Dieu des Dieux avec un lyrisme d’une grande clarté qui poétise sensiblement le langage wagnérien. De par l’absence de mise en scène et de drame, l’ampleur de son chant a aussi tendance à atténuer les aspérités les plus violentes de ce personnage qui craint de voir sa puissance s’effondrer.

Dans cette interprétation dénuée de jeu scénique convainquant, Gerhard Siegel fait sensation à travers son incarnation fantastique de Mime, car il fait preuve, jusqu’à la dernière parole, d’une inventivité coloriste et expressive telle qu’il anime son personnage par la seule théâtralité de son chant. Le public n’oubliera pas de lui en être reconnaissant à la fin de ‘Siegfried’.

En grande forme, et visiblement très heureuse d’être présente pour la seconde fois à Bayreuth après avoir interprété Elsa de ‘Lohengrin’ l’année précédente, Elza van den Heever brosse une caractérisation très intense de Sieglinde, un kaléidoscope de clarté et de noirceur qui émane de son chant fortement vibrant, et qui cherche à décrire un tempérament incendiaire à fleur de peau.

Première Norne fort sensuelle, mais surtout Fricka sulfureuse, Anna Kissjudit a un timbre inhabituellement profond et sombre pour ce rôle, ce qui a pour effet d’induire une nature à la fois voluptueuse et inquiétante qui contraste fortement avec la clarté plus humaine de Michael Volle, alors que Christa Mayer, en Waltraude ('Götterdämmerung') et Erda, colore par de multiples reflets le chant crépusculaire de ces deux êtres.

Et si Mika Kares fait entendre pour Fasolt, Hunding puis Hagen une suavité très fluide avec du corps, Jochen Schmeckenbecher défend bien le nain Alberich mais sans avoir toutes les aspérités et les contrastes bien marqués que l’on attend chez ce personnage si maléfique.

Enfin, Magdalena Hinterdobler est une excellente découverte en Gutrune (elle incarne aussi Helmwige et la troisième Norne) car elle arrive à faire exister avec beaucoup de fraîcheur la sœur de Gunther (interprété par un Michael Kupfer-Radecky un peu trop fantomatique) en rendant véritablement palpables ses sentiments envers Siegfried.

Mais si nous arrivons à être embarqués dans ce grand poème mythologique malgré le concept visuel trop artificiel de la production, c’est aussi grâce à la verve de Christian Thielemann dont la direction insuffle à l’orchestre du festival un formidable sens du mélange des formes, en appuyant sur certains contrastes de cuivres ou de bois tout en maintenant des lignes très souples, sans être trop nerveuses pour autant.

Et c’est bien grâce à la magnificence du tissu sonore qu’il obtient en en faisant vivre les multiples scintillements et le souffle viril des vents dans un geste d’une largeur infinie, que l’on reconnaît de sa part une très forte appropriation de l’esprit wagnérien. Une belle osmose se dégage aussi avec les voix, la fusion d’ensemble avec l’acoustique du Festspielhaus atteignant son summum pour ‘Götterdämmerung’.

Que les metteurs en scène se rassurent, l’IA n’est pas près de se substituer à eux pour rendre une lecture forte et pertinente d’une œuvre lyrique, et il suffit de se remémorer le travail qu’ont réalisé Bill Viola et Peter Sellars à l’occasion de la nouvelle production de ‘Tristan und Isolde’ donnée à l’opéra Bastille en 2005, pour mesurer comment des créateurs ont su élaborer une vidéographie qui évolue avec les idéaux du texte et la puissance de la musique, sans perdre de vue la nécessité de laisser un espace aux chanteurs percutés par ces images.