Peter Grimes (Benjamin Britten – 7 juin 1945 -
Sadler’s Well Theater, Londres)
Représentation du 11 mai 2025
Opéra national de Lyon

Peter Grimes Sean Panikkar
Ellen Orford Sinéad Campbell-Wallace
Capitaine Balstrode Andrew Foster Williams
Auntie Carol Garcia
Mrs Sedley Katarina Dalayman
Swallow Thomas Faulkner
Ned Keene Alexander de Jong
Bob Boles Filipp Varik
1re nièce Eva Langeland Gjerde
2e nièce Giulia Scopelliti
Hobson Lukas Jakobski
Le Révérend Horace Adams Erik Årman
John Yannick Bosc

Direction musicale Wayne Marshall
Mise en scène Christof Loy (Theater an der Wien, 2015)       Andrew Foster Williams

Alors que sa mise en scène d''Il Trittico' est actuellement à l'affiche d'un Opéra Bastille survolté comme jamais, Christof Loy présente en parallèle à l’Opéra de Lyon la production de 'Peter Grimes' qu’il avait créé au Theater an der Wien en décembre 2015, sous la direction de Cornelius Meister, et qu’il avait repris ensuite en octobre 2021 sous la direction de Thomas Guggeis.

En s’appuyant sur une scénographie symbolique, un simple plan incliné plongeant vers l’orchestre représentant les vagues de la mer sur fond d’horizon nuageux, un lit en déséquilibre au dessus de la fosse et quelques chaises et canapés éparpillés en arrière-scène, le metteur en scène allemand s’appuie sur un art éprouvé de la direction d’acteurs pour donner du sens à son langage théâtral, et pour accentuer le climat étouffant par une forte emprise des jeux d’ombres.

Au départ, l’absence totale d’éléments pittoresques sur scène contribue à atténuer le sens des interventions des personnages secondaires puisque tous sont mis au même niveau, hormis Peter Grimes dont la nature d’écorché-vif est fortement exacerbée. Le chœur de villageois semble roder autour de lui, observateur, formant une emprise dont on sent qu’elle contribue à le rendre fou, comme un lion en cage visé par tous les regards.

Mais progressivement, la dramaturgie se met en place avec l’arrivée du nouvel apprenti, John, qui devient très vite la projection du manque affectif de Grimes qui est clairement exprimé par de forts enlacements. Christof Loy fait également apparaître l’attirance d’Ellen et du Capitaine Balstrode pour le jeune adulte joué par Yannick Bosc, bien que rien dans le livret ne le signifie implicitement.

En revanche, cela donne de la part de ces deux personnes une explication au sentiment d’empathie qu’ils éprouvent à l’égard du pêcheur, et cela a également pour effet de montrer qu’ils se reconnaissent un peu en lui tout en ayant choisi de se normaliser pour rester acceptés par la société du village.

A l’inverse, et de par sa gestuelle appuyée, Grimes apparaît comme incapable de contrôler la nature de sa violence interne et la part intérieure chaotique de son homosexualité, un éclairage de la part de Christof Loy qui vise possiblement à revenir aux intentions dissimulées lors de l’élaboration de l’ouvrage, Benjamin Britten et son compagnon Peter Pears ayant à plusieurs reprises retouché le texte pour flouter les allusions trop explicites.

Le désir impossible de Grimes d’être reconnu en devenant riche grâce à son travail acharné, mais pas forcément efficace, sans savoir comment prendre soin de celles ou ceux à qui il est attaché, le condamne alors irrémédiablement sous la pression grandissante des villageois. 

Sean Panikkar, chanteur américain qui s’est fait remarqué dans la production de ‘Die Bassariden’ mise en scène par Krzysztof Warlikowski au Festival de Salzbourg 2018, continue à asseoir sa personnalité scénique et vocale en défendant les grands ouvrages du XXe et XXIe siècle.

De par sa présence, il donne une image fauve de Peter Grimes que l’on n’aurait pas forcément attendu de sa part, démontrant une excellente endurance et une projection qui mettent en valeur la densité de son timbre brun, félin et séduisant. On ressent ainsi beaucoup les forces contradictoires qu’il n’arrive pas à canaliser, et fait aussi entendre une douceur d’âme dans les passages plus apaisés sans aller jusqu’à lui donner une nature lunaire pour autant. Ses troubles d’âme sont permanents.

L’issue que propose cependant Christof Loy pour Grimes est non pas de disparaître dans les flots, ce qui reviendrait à le faire plonger vers l’orchestre, mais consiste plutôt à lui entrouvrir un passage lumineux provenant du fond de scène, au dessus du ciel qui est représenté en peinture sur le sol même.
Ainsi, l’auditeur peut y voir un geste de l’amour divin qui invite Grimes à le rejoindre, façon de montrer que c’est un homme qui mérite d’être aimer mais qui ne pouvait plus trouver sa place dans le monde terrestre.

Présent dès la création de cette production en 2015, Andrew Foster Williams donne une image humaine mais aussi très humble, avec sa couleur de voix bien timbrée qui lui permet une caractérisation affirmée mais aussi abattue du Capitaine Balstrode. Il n’est pas simplement impliqué dans son personnage mais aussi dans le rapport à Grimes avec lequel il tisse un lien très fort, tout en jouant de manière convaincante les états de sidération intérieure que subit son personnage.

Avec sa voix aux colorations métalliques, Sinéad Campbell-Wallace semble sous-employée dans le rôle d’Ellen Orford car elle doit plier ses puissants moyens à un rôle qui demande plus de rondeur pour faire ressentir la nature maternelle de l’institutrice. Elle y arrive pourtant car son jeu est suffisamment subtil pour transmettre des sentiments authentiques, tout en montrant une torpeur qui ancre Ellen dans un permanent état dépressif.

Dans les rôles plus secondaires, Carol Garcia se distingue par son galbe de voix généreux qui a du corps mais aussi du brillant - ce qui convient bien à la nature sulfureuse d’Auntie -, Katarina Dalayman – grand souvenir de sa Brünnhilde à Bastille en 2010 – prend plaisir à dépeindre la nature sournoise et malicieuse de Mrs Sedley avec un incessant mélange de couleurs de timbre, et Alexander de Jong donne aussi une excellente assise à Ned Keene qui s’équilibre parfaitement avec la personnalité d’Andrew Foster Williams, tous deux des défenseurs de Grimes sur scène.

Les autres solistes sont très bien distribués de par les couleurs de voix qui les distinguent aisément, que ce soit la noirceur de Thomas Faulkne en avocat, la très agréable clarté de Filipp Varik, ou bien l’harmonieux et indissociable duo de nièces formé par Eva Langeland Gjerde et Giulia Scopelliti.

A la tête de l’orchestre de l’Opéra de Lyon, Wayne Marshall imprime une théâtralité vivante, et même dansante, très précisément en phase avec la rythmique scénique, qui délie au trait fin le foisonnement mélodique de la partition de Benjamin Britten tout en entretenant une constante lisibilité du tissu orchestral. Évitant noirceur par trop romantique et brutalité trop appuyée, il privilégie la continuité vitale du discours et la cohérence harmonique, et peut compter sur l’éclatant répondant du chœur, totalement engagé scéniquement, pour être cette hydre aux voix implacables et brillamment particularisées.

The Bassarids (Hans Werner Henze)
Représentation du 16 août 2018
Felsenreitschule  - Salzburger Festspiele 2018

Dionysus  Sean Panikkar
Pentheus  Russell Braun
Cadmus  Willard White
Tiresias / Calliope  Nikolai Schukoff
Captain / Adonis  Károly Szemerédy
Agave / Venus  Tanja Ariane Baumgartner
Autonoe / Proserpine  Vera-Lotte Böcker
Beroe  Anna Maria Dur
Danseuses Rosalba Guerrero Torres

Directeur musical Kent Nagano
Orchestre Wiener Philharmoniker

Mise en scène Krzysztof Warlikowski (2018)
Décors et costumes Małgorzata Szczęśniak
Lumières Felice Ross
Vidéo Denis Guéguin
Chorégraphie Claude Bardouil
Dramaturgie Christian Longchamp

Rosalba Guerrero Torres (Danseuse), Sean Panikkar (Dionysos) et Russel Braun (Penthée) - Photo Bernd Uhlig                 

The Bassarids est un opéra du compositeur allemand Hans Werner Henze (1926-2012) qui fut créé au Festival de Salzbourg le 06 août 1966 dans une traduction allemande. C’est seulement deux ans plus tard qu’il fut chanté pour la première fois en anglais, la langue originale du livret, lors de sa première aux Etats-Unis.

Œuvre majeure du XXe siècle inspirée des Bacchantes d’Euripide, elle est régulièrement reprise dans le monde entier, Milan 1968, Londres 1968 et 1974, Berlin 1986 et 2006, Cleveland & New-York 1990, Paris-Châtelet & Amsterdam 2005, Munich 2008, Rome 2015, Madrid 1999 et 2018, mais sous des altérations diverses (traduction allemande, orchestration réduite, version révisée de 1992 sans l’intermezzo).

Revenir à la version originale en anglais avec l’intermezzo et avec une orchestration opulente, comme la représente cette année le Festival de Salzbourg, permet donc d’explorer un espace sonore étendu, et de révéler sa puissance théâtrale. Pour Kent Nagano, ce n’est cependant pas une première, car il vient de diriger The Bassarids à Madrid en juin dernier avec l’Orchestre et le Chœur nationaux d’Espagne.

Le sujet, le retour à Thèbes de Dionysos, dieu vengeur obsédé par la mort atroce de sa mère, Sémélé, se confrontant à la société autoritaire et ordonnée sur laquelle règne Penthée, petit-fils du fondateur de la ville, Cadmos, et fils d’Agavé, la sœur de Sémélé qui n’avait pas cru à l’union de cette dernière avec Zeus, pourrait dans un premier temps faire écho au Roi Roger de Karol Szymanowski, mais il en diffère considérablement. La musique est bien plus complexe et brutale, et les forces destructrices en jeu bien plus extrêmes.

Krzysztof Warlikowski et Małgorzata Szczęśniak montrent cela en disposant un décor longitudinal et peu élevé en dessous des arcades du Felsenreitschule, qu’ils divisent en trois parties.

A gauche, la tombe de Sémélé et les lieux de culte où se retrouve le peuple thébain. Au centre une pièce du Palais Royal. A droite, une pièce plus intime où les désirs s’expriment et l’humain s’y déshabille.

Dionysos arrive par une des arcades latérales, dominant la scène, accompagné d’une ménade fortement érotisée.

Dans ce cadre écrasé, l’oppression des thébains est montrée par l’arrivée du chœur face à la scène, comme des spectateurs, mais qui se font chasser par des policiers lorsqu’ils montrent leur attirance pour le nouveau culte de Dionysos.

Le vieux roi Cadmos ne peut trouver en Willard White qu’un interprète émouvant, humain, un timbre sombre et dilué, des attaques fauves, ce chanteur / acteur touchant en est au moins à sa septième collaboration avec Krzysztof Warlikowski. Il est d’ailleurs le seul personnage représenté simplement sur scène, le moins fou de tous probablement, mais physiquement diminué et impuissant.

Russell Braun, qui interprétait également le rôle de Penthée à Rome en 2015, préserve une forme d’innocence aussi bien par sa façon si naturelle de jouer que par la clarté vaillante du timbre qui supporte solidement les tensions de la partition. On croirait entendre un adolescent encore jeune pour le pouvoir, enfant gâté qui se connait mal et se croit capable de résister indéfiniment à la jouissance sexuelle qui est à la base de l’humanité.

Quant à son costume beige aux motifs naïfs, il suggère une envie pacifique de découvrir une autre communauté, de trouver son identité.  Il est le personnage le plus tourné en dérision avec celui de Tiresias que Nikolai Schukoff, chargé d’exclamations à cœur ouvert, rend entièrement sympathique. Et Károly Szemerédy est un très étrange capitaine, plein d’aplomb mais également animé par une légèreté insidieuse.

Sean Panikkar, qui participait aux représentations des Bassarids à Madrid avec Nikolai Schukoff, est véritablement celui qui est dans la plénitude de son épanouissement vocal. Son rayonnement puissant s’accompagne d’une netteté de phrasé parfaite, et son personnage cultive l’ambiguïté en montrant une face mystérieuse qui peut soudainement s’affirmer et devenir subtilement menaçante, ou bien découvrir une apparence bienveillante.

Dramatique et hystérique Tanja Ariane Baumgartner en Agavé, tempérament plus aiguisé pour l’Autonoé de Vera-Lotte Böcker, impulsivité d’Anna Maria Dur, les rôles féminins se distinguent par la manière dont ils s’emparent de l’excessivité du jeu voulue par le metteur en scène.

Mais si d’aucun faisait remarquer que, dans les grandes maisons de répertoires, Krzysztof Warlikowski donne parfois l’impression d’éviter les expressions scéniques excessives, en revanche, The Bassarids entrent en concordance parfaite avec l’univers du metteur en scène, son déchaînement viscéral, sa culture littéraire antique, si bien que l’on ne sait plus si c’est la musique qui transcende son approche théâtrale, ou bien si c’est son geste expressif qui donne un sens fort au drame orchestral.

Cette osmose atteint son climax dans la scène de transe extatique des Bassarides, où le désir sexuel féminin frénétique est à la source de la fureur meurtrière qui va s’en suivre. Les éclairages ondoyants (Felice Ross) sur les corps excités font ressentir la fascination à l’approche de l’enfer, mais auparavant, et tout au long du drame, la danseuse Rosalba Guerrero Torres incarne par le dévoilement de son corps et sa souplesse esthétique la tentation qui enserre l’appel de Dionysos.

Précédemment aux ardeurs de la scène du Mont Cithéron, l’intermezzo annonce à travers le jugement de Calliope comment ce désir féminin peut devenir destructeur. La scène est jouée dans la chambre située à droite, et sa projection vidéo est déroulée à gauche où l’on voit Dionysos apprendre à Penthée la puissance de cette aspiration. C’est intelligemment mis en scène, ce qui permet à chacun de suivre le déroulement du jeu. Mais l’ajout de figurants mimant des chiens asservis fait surtout sourire et distrait de l’enjeu réel de ce tableau un peu long.

La scène finale, qui évoque tant Salomé avec cette tête coupée dans les mains d’Agavé suivie par les restes du corps de Panthée, n’est pas présentée comme une apothéose, mais comme un résultat navrant que Dionysos finit par incendier à coup de bidons d’essence.

Ainsi, deux désirs monstrueux se résolvent, celui d'Agavé pour la tête de son fils, et celui de Dionysos pour sa mère fantasmée, deux forces sous-jacentes qui se révèlent à la toute fin.

Et l'on pense beaucoup à Richard Strauss au cours de cette représentation, car Kent Nagano joue admirablement des tensions violemment théâtrales de la musique, tout en lui vouant un lustre sonore caressant éblouissant. Les percussions sont situées en hauteur à droite de la scène, l’immersion orchestrale est somptueuse, et l’on peut suivre en permanence le chef diriger les solistes, les phalanges de musiciens, les envolées lyriques des chœurs qu’il mime d’un geste panaché fulgurant, un immense travail qui valorise les strates harmoniques, les murmures inquiétants et les effets foudroyants.

Chœur qui magnifie une écriture vocale respirant en phase avec les ondes orchestrales, Wiener Philharmoniker luxueux, cette expérience musicale et théâtrale aboutie qui nous plonge au cœur des névroses humaines, renvoie en même temps une énergie sensuelle qu’il faut prendre telle quelle au-delà de ce que le texte exprime.